6 amerikanska film noirs influerade av tysk expressionism

Film noir, konsten att gestalta desperation på duken, är känd för många symboliska element som brott, våld, femme fatale, långa kaxiga monologer, speciella vinklar och viktigast av allt, skuggor. Medan noir ofta citeras som inspiration för många genrer, filmer och regissörer, diskuteras dess eget ursprung sällan, och för att lära oss mer om det måste vi resa tillbaka till 1920-talets Tyskland.

tysk expressionism och film noir

Det är 1920 och Amerika (tillsammans med några andra nationer som Italien) är besatta av film, en konstform i sin barndom , och experimenterar med hur spektakulärt och grandiost det kan vara.

Några tusen mil bort gjorde tyskarna något annorlunda. Film i dess tidiga dagar, särskilt i Amerika, hade i uppdrag att skildra verkligheten så exakt som möjligt: ​​från de tidiga korta dokumentärfilmerna på 1890-talet till de imponerande prestationerna av D. W. Griffiths filmer på 1920-talet. tysk Expressionism dock fokuserad på inre känslor.

Istället för att skildra verkligheten som den var, valde dessa filmer att skildra vad deras karaktärer upplevde inuti, och resultatet blev skuggigt, makabert och ofta mardrömslikt.

Kabinettet av Dr. Caligari, Nosferatu, Metropolis, M— dessa filmer var mörka och inspelade i hög kontrast och på mycket teatraliska sätt, nästan som om uppsättningarna själva var karaktärer i filmen. Huvudpersonerna var alltid lite förvrängda, så naturligtvis, när deras känslor och innersta känslor skildrades på skärmen, såg resultatet ut som förkroppsligandet av en mardröm.

Den tyska expressionismen skulle börja tyna bort i början av 1930-talet som Nazister tog kontroll , men några av dess pionjärer, som stod inför valet att antingen göra propagandafilmer eller fly, valde det senare och åkte till Amerika, där de skulle integreras i Hollywood-systemet och påverka en hel rörelse av filmer. Dessa är några av de mest anmärkningsvärda amerikanska film noirs influerade av tysk expressionism.

1. Fritz Langs The Big Heat (1953)

Fritz Lang, en tysk regissör född 1890, var en av den tyska expressionismens pionjärer. Han gjorde Dr Mabuse the Gambler 1922, följt av klassikern Metropol 1927 och M 1931 med Peter Lorre – en tysk skådespelare som själv skulle flytta till Amerika på 1930-talet och spela i några av de mest ikoniska noir-filmer som någonsin gjorts. När han kom till USA skulle han skriva på med en av de fyra stora studiorna på den tiden som hette MGM.

Utgiven 1953, Fritz’s Den stora värmen berättar historien om en privatdetektiv som ger sig ut på ett uppdrag för att hjälpa en medofficer bara för att hamna i ett nät av brott. Glenn Ford, en skådespelare som medverkade i många typiska noirs, börjar i filmen. En briljant berättelse som förvränger genrens troper möter regissören Fritz Langs influenser, vilket resulterar i en nästan klaustrofobisk återgivning: medan många av filmens scener utspelar sig på öppna gator, sättet de spelas in, hur kameran rör sig och emblematisk besatthet av skuggor gör The Big Heat till en charmigt hemsk affär.

2. Billy Wilders ess i hålet (1951)

Kirk Douglas är ett av film noirs största namn och Hollywoods historia i allmänhet. Skriven, regisserad och producerad av den store Billy Wilder, en annan stor regissör för att undkomma Nazitysklands klor, ESS i hålet sätter Douglas i Chuck Tatums skor, en journalist på tillbakagång, som kommer att böja sig för ondska för att få ut så mycket han kan av ett evenemang för att återfå sin status i tidningsbranschen. En man har blivit instängd i en gruva efter att grottan kollapsade, och Chuck försöker manipulera den lokala polisstyrkan, tidningarna, allmänheten och alla omkring honom för att hålla mannen instängd så länge som möjligt eftersom han utnyttjar historien och skapar en stor händelse som lätt kunde ha lösts.

ESS i hålet är en av få film noirs som handlar om brott som går förbi ett gäng skjutningar och plundringar och som faktiskt dyker in i det mänskliga psyket, dissekerar dess outsläckliga törst efter mer och dess oändliga girighet. Filmen frodas i manus, framträdanden och handlingsförlopp. Lika ångestfylld som den är fängslande, inspirerad av den tyska expressionismens skräck och mardrömslika berättelser, där karaktärer frodas i sin skruvade moral, så belönar den här filmen de som är starka nog att ta sig igenom den. Ursprungligen ett kritiskt och ekonomiskt misslyckande, växte den här filmens status exponentiellt under åren. Den anses nu vara en av de bästa filmerna som Billy Wilder någonsin gjort och ett av genrens mästerverk.

3. Sweet Smell of Success av Alexander Mackendrick (1957)

Söt doft av framgång berättar historien om Sidney Falco (spelad av Tony Curtis), en pressagent under fullständig makt och kontroll av krönikören J. J. Hunsecker (spelad av Burt Lancaster). När den förstnämnde misslyckas med att slutföra ett jobb för sin chef, blir han mer och mer skyldig till honom, och överlämnar sig till J. J.s ständigt växande makt och inflytande. Jobbet är att avbryta ett förhållande mellan Hunseckers syster och en gitarrist i ett jazzband , något chefen vill göra smygande och utan sin systers vetskap för att behålla hennes kärlek och respekt, och något han gör genom sitt ämne, Sidney Falco. I takt med att jobbet blir mer och mer komplicerat, och i takt med att vissa ovälkomna parter kommer in i pjäsen, bjuds vi på en grundlig karaktärsstudie av båda männen, som i slutändan är mer lika än olika.

J. J. Hunsecker är den mest intressanta och skrämmande skurken i film noir, en man vars inflytande når över allt och allt, en kultiverad gangster, och som regissören Alexander Mackendrick beskriver honom en lärd råa . Burt Lancaster, skådespelaren som spelade honom, är nästan lika skräckingivande som han är. Alla skådespelare och besättning som arbetade tillsammans med honom i Söt doft av framgång blev mycket skrämda av honom, och regissören använde det för att betona den absoluta makt hans karaktär besitter. Han gick så långt som att måla insidan av sina glasögon med vaselin så att hans ögon inte alltid var fokuserade på en sak, vilket gav honom en tom blick. Han sköt också sin karaktär från en låg vinkel med ljusen direkt ovanför honom, så att hans glasögon kastade en skugga över hans ansikte. Denna effekt fungerar perfekt för att porträttera en man som är själva skildringen av fara, för vilken moral inte är något annat än ett redskap som ska användas sparsamt och vars ämnen behandlas med djurisk brutalitet.

4. Touch of Evil av Orson Welles (1958)

Touch of Evil regisserades av Orson Welles, samma man som gav oss Medborgare Kane 1941, och det spelar han själv, Charlton Heston och Janet Leigh. Dess handling kretsar kring en mexikansk polis som går under namnet Miguel Vargas, som efter att ha sett en bilbombning på den amerikanska sidan av gränsen inleder en utredning som leder honom till slutsatsen att den amerikanske poliskaptenen Hank Quinlan planterar bevis för att rama in. en oskyldig man, en situation som äventyrar både honom själv och hans nya brud.

Orson Welles regisserar den här filmen med all den kontroll och perfektionism som han var känd för, och hans framträdande som Hank är en av de bästa i hans skådespelarkarriär. Han är avskyvärd, fördärvad och trött och skildrar egenskaperna hos den farligaste sortens man. Du kan se den tyska expressionismens inflytande över hela den här filmen, från dess moraliskt tvetydiga huvudperson till dess generösa användning av skuggor och speciella vinklar.

5. Billy Wilder's Double Indemnity (1944)

Dubbel ersättning berättar historien om Walter Neff och Barbara Dietrichson, spelade av Fred MacMurray och Barbara Stanwyck, två främlingar som blir förälskade och planerar mordet på Barbaras man för frihet och ekonomisk vinning. Dubbel ersättning är både bekant och oväntat originell, den innehåller allt som gör noir till vad den är, men samtidigt har den något eget, en speciell ingrediens som skiljer den från resten av gänget.

Filmens berättarsätt är det som definierar den mest. De flesta film noirs följer ett strikt metodiskt linjärt mönster, händelserna i berättelsen utvecklas när berättelsen fortskrider, på ett sätt, utan genvägar, inga vändningar, bara rakt fram, men för Dubbel ersättning , historien berättas som en bekännelse från huvudpersonen som just hade kommit tillbaka från filmens sista och klimatiska punkt. Detta gör det möjligt för genrens berömda monologer att vara både rikliga och berättigade och ger en annorlunda och uppfriskande bild av den vanligtvis fixerade berättarmetoden som noir använder.

Återigen, gjord av den tyske immigranten och den ikoniske regissören Billy Wilder, märks inflytandet från den tyska expressionismen genom hela filmen: från hur berättelsen konsekvent blir allt mer pervers när Walter och Barbaras drömmar och planer blir girigare och elakare, till hur scener spelas in. med fokus på skugga och teatralitet. Dubbel ersättning känns som den andliga efterträdaren till något som gjordes i 1920-talets Berlin, blandar dess rötter med 1930-talets Amerikas stora kriminalhistorier.

6. Film Noir av Abraham Polonsky: Force of Evil (1948)

Decennier efter slutet av den klassiska noirperioden är det mycket intressant att se tillbaka på genren och lägga märke till hur dess teman gradvis utvecklats från enbart underhållnings- och kriminalmelodramer till mer allvarliga och angelägna frågor. Film noir är en direkt produkt från depressionstiden i 1930-talets Amerika. Kriserna under den perioden återspeglas naturligt i film och litteratur .

Med en ganska kort körtid på 79 minuter, Ondskans kraft handlingen rör sig i en exceptionellt snabb takt. Filmen kretsar kring den unge advokaten Joe Morse (spelad av John Garfield) vars chef utarbetar en minutiös plan för att ta över alla nummerracketar i New York, varav en ägs av hans bror. När Joe försöker ta itu med sitt jobb och sin chef samtidigt som han försöker rädda sin hårdföra bror, och allt eftersom saker och ting gradvis utvecklas till ett gängkrig, behandlar filmen samtida frågor om brott och korruption samtidigt som den erbjuder en utarbetad tragedi med poetisk dialog och en handfull bibliska referenser.

Ondskans kraft har ett fantastiskt manus och fascinerande framträdanden som kompletteras av underbar film av George Barnes, ett proffs från 1920-talets tysta era. Barnes verk lyser i slutscenen och erbjuder en av de bästa och stämningsfullaste sekvenserna i noirhistorien; kopplat till en poetisk inre monolog som till och med kunde förstås som en ström av medvetande. Kameran rör sig för att ackompanjera Joes reflektioner som droppar av pessimistisk meningslöshet i bilder som ger intrycket att de var tänkta med geometrisk precision, och visar stolt upp sina tyska expressionismrötter.