Är Jeff Koons verkligen en artist?

Någon gång i tiden har många av oss fått frågan: vad är konst? Kanske börjar alla gymnasiekurser i konsthistoria med att läraren frågar ett rum fullt av elever samma fråga, vilket kan framkalla tomma blickar eller intensiv debatt. Det finns dock inget rätt eller fel svar. Historiskt sett krävdes det manliga könet för att vara en konstnär värdig och kvalificerad för inkludering i den västerländska kanonen och i varierande grad vithet och privilegier. Alla dessa tre outtalade krav uppfylls av den högst betalda levande konstnären idag, Jeff Koons.

Vem är Jeff Koons?

Jeff Koons är en polariserande gestalt inom samtidskonsten; ofta älskar folk honom eller hatar honom. Född 1955 och härstammande från York, Pennsylvania, gick Jeff Koons på Maryland Institute College of Art och efter en händelserik resa till Whitney Museum överfördes han till Art Institute of Chicago. Som den självutnämnda 'idémannen' bakom kontroversiella och ibland ökända skulpturer, målningar och olika tillverkningar, har Koons varit uppriktig om sin frånvaro i den materiella produktionen av sitt verk. I en Möt artisterna intervju, förklarar Jeff Koons vagt den metafysiska lockelsen med ljus och reflektion.

Över bilder av honom som går genom sin studio i marinblå byxor och en nedtryckt skjorta, kommer han att använda modeord här och där som alla låter trevliga och förtydliga utan att säga så mycket om egentlig substans. Det verkar som om ingen slår ett öga på denna djupt ironiska scen. Med andra ord, ett verk som bär Jeff Koons namn anses allmänt vara konst.

Vem anses vara en konstnär?

Att vada i vattnet om vem som är eller inte är en konstnär kan bli grumligt. Detta beror delvis på konstens subjektivitet och dess historiska och institutionella problem med kanonisk portvakt. I det avseendet, låt oss flytta utredningen någon annanstans. Med tanke på att Jeff Koons inte har något att göra med den materiella produktionen av verk som bär hans namn, kan han verkligen betraktas som en konstnär?

Måste konstnärer verkligen göra sin egen konst för att kunna kalla den sin egen? Kanske allt detta motsäger en djupare fråga. Enligt den samtida ekonomen och journalisten Allison Schrager, '...konstnärerna som trivs är de som har den politiska insikten att uppvakta toppgallerier tidigt i sin karriär eller stämpla sig själva för att bli Instagram-stjärnor.' På konstvärldens vinnare-tar-det-allt-marknad är de som lyckas kanske inte de bästa artisterna eller producerar fantastiska verk som kommer ur de mest originella eller kreativa idéerna. Jeff Koons rise to fame beror mer på ett framgångsrikt marknadsföringssystem för affärer och kontroverser.

Hur kan renässansen hjälpa?

Trots hans obefintliga bidrag till den slutliga materiella produktionen av hans verk, a fotorealistisk måla som Mun eller skulptur som t.ex Rosa Pantern krediterar fortfarande Jeff Koons och Jeff Koons ensam. Låt oss säga att Koons helt enkelt står på axlarna av jättar som Marcel Duchamp , som ofta anses vara konceptkonstens fader. Men bara för att röra på grytan lite, borde idén om något och dess oändligt Instagrammable biprodukt ersätta de individuella färdigheter, kompetens och utbildning som krävs för att vara artist? Att titta på det förflutna kan också vara förvånansvärt upplysande. För ännu en hit av ljuv nostalgi, låt oss gå vidare genom konstens historia till Nordrenässansen .

Detta kan tyckas vara en disparat jämförelse, men tänk på den rådande myten om en konstnär som ett enastående geni som har sitt ursprung i renässansen. Ungefär som deras italienska motsvarigheter blomstrade verkstäder i hela norra Europa. För sammanhang, i introduktionen av deras katalog Tidig nederländsk målning, (1986), producerad för National Gallery of Art, John Oliver Hand och Martha Wolff noterar för läsaren att studio- eller verkstadsattributioner indikerar att ett stycke var, 'Producerat i den namngivna konstnärens verkstad eller studio, av studenter eller assistenter, möjligen med några medverkan av den namngivna artisten. Det är viktigt att det kreativa konceptet är av den namngivna konstnären och att verket var tänkt att lämna studion som hans.” En sådan tillskrivning tillämpas på Robert Campins verkstad i Tournai och en av de mest berömda och välkända tidiga nederländska målningarna, Bebådelsetriptyk (Merode altartavla), (1427-28).

Robert Campin (1378/9-1444), allmänt känd som Mästaren i Flémalle, var en brytningsfigur under den norra renässansen. Tillsammans med sin samtida Jan van Eyck fick Campin kredit för att utveckla den naturalistiska stilen för panelmålning och betydande uppmärksamhet på detaljer som är karakteristiska för regionen och eran. Även om den är odaterad och osignerad, tyder stilistiska och tekniska bevis på att altartavlan gjordes i etapper under en femårsperiod, ca. 1427-32. Omfattningen av Campins engagemang i produktionen av verket är okänd och man tror allmänt att han hade två lärlingar till sin hjälp, nämligen Rogier van der Weyden och Jacques Daret.

I linje med den flamländska traditionen och allmänna praxis från den nordliga renässansen, Merode altartavla är ett glittrande exempel på föreningen mellan den skickliga återgivningen av former och att genomsyra dem med mening. Som Erwin Panofsky säger i sin bok Tidig nederländsk målning , (1953), 'ju mer [flamländska] målare gladde sig åt upptäckten och reproduktionen av den synliga världen, desto mer intensivt kände de behovet av att mätta alla dess element med mening. Omvänt, ju hårdare de strävade efter att uttrycka nya subtiliteter och komplexiteter i tanke och fantasi, desto mer ivrigt utforskade de nya områden av verkligheten.' Även om religion informerade symboliken och innebörden av deras verk, idéerna bakom en målning som Merode altartavla var inte mindre giltiga än de individualiserade idéerna hos konstnärer idag.

Utforskningen av form och konceptuell funktion är inte exklusivt för samtidskonst, och det är inte heller en utveckling född ur den moderna eran alls. Den enda skillnaden är kanske den tekniska skicklighet som krävs av konstnärer, stödda av sina assistenter eller verkstäder, för att förverkliga sina idéer. Med detta sagt är det viktigt att skilja arbetsfördelningen från helt utlagd arbetskraft. Som en oavsiktlig myt som föddes av renässansen är den paradoxala naturen mellan uppfattningen av en enskild konstnär och gruppmentaliteten i en verkstad väl dokumenterad. Även om vi använder samma terminologi, är Jeff Koons verkstad inte lik en renässansverkstad som Campin. De tidigare århundradenas konstnärliga mästare behöver inte kreditera sina elever eller assistenter eftersom förhållandet mellan konstnären och medlemmarna i deras verkstad var ömsesidigt fördelaktigt.

Efter att ha arbetat med mästaren i Flémalle fortsatte Van der Weyden och Daret att bli konstnärer i sin egen rätt. Campins stilistiska inflytande är uppenbart i hans elevers arbete efter att de lämnat sin ateljé, liksom skickligheten, tillväxten och erfarenheten som fått som lärlingar. Med tanke på beskrivningen av hans studio som en fabriksmiljö verkar förhållandet mellan Koons och hans assistenter ganska exploaterande, vilket gynnar den förra på den senares bekostnad. Med Koons system för att outsourca tillverkning helt och hållet kan hans idéer bara produceras med en oundviklig basnivå av exploatering. Oavsett Jeff Koons vältalighet när man tillskriver socialt värde och betydelse åt någon produkt från sin fabrik, måste betydelsen av ett verk, som dess publik förstår det, ta hänsyn till metoden för dess tillverkning.

Jeff Koons varumärke och problem med författarskap

För varje konstverk som listas på hans webbplats får Jeff Koons både kredit och upphovsrättsinnehav. Även om omfattningen av Koons bidrag till praktisk konstruktion är noll, precis som en arkitekt. Där en arkitekts plan fungerar som en färdplan för de entreprenörer som anlitas för att konstruera sin design, tar Koons inget ansvar för den tekniska uppfinningsrikedomen och den egenutvecklade kunskapen om hur hans idé eller koncept är konstruerad. Den delen, liksom det manuella arbetet som förverkligar hans idéer, är också utlagd.

Allt detta väcker frågan: om Jeff Koons inte är en artist, vad är han då? Enkelt uttryckt finns det inget enkelt svar. Det som inte går att vederlägga är Koons utmärkta sälj- och marknadsföringsförmåga. Kan det verkligen sägas om hans konstnärliga skarpsinne? Å ena sidan har konstvärlden definitivt besvarat den frågan med ett rungande ja . Å andra sidan, om vi ska ta något från samtal om avkolonisering av konsthistoria i akademiska kretsar så borde vi undersöka inte bara konstnären och deras konst utan också sättet på vilket deras konst produceras.

Jeff Koons är en annan vit man som med framgång marknadsfört sig själv som konstnär samtidigt som han hävdar att andras hantverk och arbete är sitt eget, om man inte har tillgång till utlagd tillverkning. Det krävs inte mycket självreflektion, vare sig det är figurativt eller en bokstavlig rosenfärgad förvrängning som stirrar tillbaka på en Ballong Venus tittare, att veta att det säger mer om konsumentism än något som produceras av en Jeff Koons studio.