Egon Schiele: 7 enastående porträtt och berättelserna bakom dem

Den österrikiske målaren Egon Schiele föddes 1890 i den natursköna staden Tulln. Tillsammans med Max Oppenheimer och Oskar Kokoschka var han med och grundade Neukunstgruppe (New Art Group) i Wien. Men snart flyttade Schiele bort från denna grupp och började experimentera på egen hand. Schieles målningar och teckningar fungerar som exempel på tidig expressionism. Hans huvudämnen var kvinnliga nakenbilder, självporträtt och målningar av barn. Han förkastade konventionella skönhetsidéer och omfamnade det som vanligtvis skulle anses vara fult. Schiele utforskade begrepp som sträckte sig från rädsla för döden till depression och isolering.

1. Egon Schiele avbildade huvudsakligen sig själv

Sittande manlig naken (självporträtt) av Egon Schiele , 1910, via Leopold Museum, Wien

1910, vid 20 års ålder, Egon Schiele målade tre stora helfigurs självporträtt, inklusive Sittande manlig naken . I dessa målningar hittade han sätt att uttrycka många aspekter av sig själv visuellt, från hans inre oro till hans sexualitet och rädsla för döden. Som vi kan se i Seated Male Nude svävar figuren i ett tomrum och drar all uppmärksamhet till kroppens ställning. Detta verk uttrycker Schieles djupa oro på ett mycket uppriktigt sätt. Trots sitt något monstruösa uppträdande, betecknar den förvrängda figurens pose, med sin blottade mage och könsorgan, ett slags sårbarhet och till och med öppenhet, medan de påfallande amputerade händerna och fötterna kontrasterar den sårbarheten med idéer om straff. Schiele använder linjer mästerligt, snabbt och flytande för att fånga nyanserna i den mänskliga formen. Han väljer färger som smutsiga umbras, siennas och ockrar för att framkalla missfärgning, sjukdom och till och med död, medan bruna, gröna och gula nyanser påminner om röta. Dessa färger kontrasteras med det livliga röda som betyder lust och sexualitet, vilket Schiele också utforskade genom sin konst.

2. Den österrikiske målarens mest egendomliga självporträtt

Självporträtt med påfågelväst stående av Egon Schiele , 1911, via Albertina Museum, Wien

Egon Schieles Självporträtt med Peacock Waistcoat Standing är ett av hans mest ovanliga självporträtt. I motsats till hans tidigare verk står figuren inte i ett tomt utrymme; istället är papperet helt ifyllt. Han är inte heller naken och i ett tillstånd av misär, förtvivlan och sorg, utan hans blick är självbelåten, arrogant och stolt. Omgiven av en sorts aureol är det som om han ger frälsning, som Kristus eller Gud.

För första gången i hans arbete är Schieles legendariska gest med V-formen synlig. Denna gest var ganska vanlig under de tider då Schiele målade detta porträtt. Det påminner om Christ Pantocrators gest som visas i de bysantinska freskerna. Schiele härmar gesten från den universella härskaren som ger världen frälsning, vilket tyder på att konst kan göra detsamma. Det som gör skillnad är att Schiele i detta porträtt är väldigt elegant klädd, under en tid då han var extremt fattig. Detta porträtt skildrar inte verkligheten utan snarare visar det Schieles fantasi. Han glider in i rollen som en adelsman, klädd i väst och skjortkrage, villig att bringa frälsning genom sin konst.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

3. Relationen mellan Gustav Klimt och Egon Schiele

Klimt i en ljusblå smock av Egon Schiele , 1913, via ResearchGate

Under sina första år var Egon Schiele starkt influerad avGustav Klimt, som blev en mentor för honom. Klimt var dock äldre, vilket betyder att dessa två konstnärer kom från två olika generationer. Klimt representerar den estetiska rörelsen av Wiens utbrytning medan Schiele förknippades med 'mänsklighetens kris' och 'världens sammanbrott.' Vid 16 års ålder var Schiele den yngsta studenten vid Konsthögskolan i Wien. Han träffade Gustav Klimt här och inspirerades av hans figurativa stil.

Klimt återgav sina figurer med en distinkt stil och elegans, och Egon Schiele fann snart att detta inte var något för honom; det skulle inte dröja länge innan de två målarnas stilar började skilja sig åt. Schiele började snart experimentera med en meruttrycksfullstil, en som var mindre dekorativ och en som till slut utvecklades till sin egen estetik. År 1913, som en hyllning till sin herre , Schiele avbildade Klimt i sin berömda löst sittande blå kittel som han brukade bära.

4. Wally Neuzil var Egon Schieles musa

Porträtt av Wally Neuzil av Egon Schiele , 1912, via Leopoldmuseet, Wien

1911, Egon Schiele började ha en affär med 17-åriga Wally Neuzil , som blev hans musa, modell och älskare. Hon var en före detta modell och möjlig älskarinna till Gustav Klimt. Under några av de mörkaste tiderna i Schieles liv visade sig Wally vara en ovärderlig följeslagare, särskilt när de flyttade till Krumau, födelseplatsen för Schieles mor, eftersom de uppfattade livet i Wien som klaustrofobiskt. Schieles berömda porträtt av Wally från 1912 har en intressant historia bakom . Efter att Schiele dog 1918 hade många av hans konstverk samlats in av judiska konstsamlare. Faktum är att Lea Bondi, som var en judisk konsthandlare i Wien och flydde från den tyska annekteringen, ägde denna Porträtt av Wally år 1938.

Efter andra världskriget var detta porträttkonfiskerades av nazisterna, som ville kontrollera kulturen i hela världen. I den här målningen visar Schiele sin passion för Wally och fångar hennes enorma ögon på ett intressant sätt. Den återhållsamma färgpaletten som han så ofta använde präglas nu av hennes blå ögon, orangea lockar och spår av livfullt rött.

5. Schiele avbildade sin fru Edith på ett nytt sätt

Porträtt av konstnärens hustru stående (Edith Schiele i randig klänning) av Egon Schiele , 1915, via Neue Galerie, Tyskland

När Schiele och Wally återvände till Wien fann Schiele att hans uppmärksamhet drogs till ett par systrar som bodde tvärs över gatan från hans studio, Edith och Adelaide Harms. Efter en kort uppvaktning som innebar att han hängde sina självporträtt ut genom fönstret för att fånga deras uppmärksamhet, övertalade Schiele Edith att gifta sig med honom. En del av Schieles beslut att avvisa Wally för Edith berodde på att Ediths sociala ställning erbjöd fler fördelar för Schieles valda karriär. Med sin nya fru gick Schieles arbete in i en ny fas. Till skillnad från Wally var Edith ganska obekväm med att posera naken. Hon tvingade Schiele att måla henne på det mest radikala sätt han hade närmat sig någon figur hittills. För detta porträtt av Edith antog den österrikiska målaren ett annat tillvägagångssätt. Det faktum att han avbildade henne stående med kläderna på, och lyfte fram de livfulla färgerna på hennes randiga klänning, visar att han tydligt gjorde en målning på ett sätt som skulle glädja hans nya fru.

6 . Hans favoritteman var sex och död

Egon Schieles familj av fotografen Joseph Muller , 1893, via Huffpost

Egon Schiele hade en djup fascination av människokroppen, en som drevs av hans personliga oro för två av den berömda psykoanalytikern Sigmund Freuds favoritämnen : sex och död. Detta tråkiga ämne i kombination med hans egna enstaka udda beteenden skulle göra Schiele inte främmande för kontroverser under sin korta karriär. Hans medelklassbarndom, även om han inte var obekväm, formades av två incidenter som skulle förebåda hans senare intresse för detFreudiansk dubbelaktav sex och död.

Det sägs att Schiele hade delat en intensiv, till och med gränsöverskridande incestuös relation med sin yngre syster Gertrud. Den andra formgivande händelsen gäller hans far, Adolf Schiele som dog av syfilis när Schiele var 14 år gammal; upplevelsen av att se sin far slösa bort från denna sexuella sjukdom hade en enorm inverkan på Schiele. Uppfattningen att hans fars bortgång hade kommit från hans vanliga besök på bordeller var kopplad till begreppen sex och död i den unge mannens sinne.

Döden och jungfrun av Egon Schiele , 1915-16, via Belvedere Museum, Wien

Schieles målning ovan, Döden och jungfrun, innehåller en ovanlig självbiografisk berättelse. Den målades i Wien, det österrikisk-ungerska imperiets huvudstad, där en förfallande kraft födde en kultur av innovation och ångest. Ur detta kom Döden och Jungfrun 1915. En målning av två älskare som klamrar sig fast vid varandra, till synes på kanten av en avgrund, liknar designen av Gustav Klimts Kyss . Men vad den förmedlar mer öppet är det universella mänskliga temat sex och död. Schiele målade detta verk vid en vändpunkt i sitt liv. Han övergav sin första stora kärlek, Wally Neuzil, och han var på gränsen till värnplikten för första världskriget. Schiele kastade därför sig själv i rollen som döden och Wally i rollen som jungfrun.

De två figurerna klamrar sig fast vid varandra i förtvivlan medan det sker en krigsscen i bakgrunden. Målningen är en tillbakablick till gamla idéer om allegori och det gemensamma temat med en vacker flicka och en skelettfigur. Schiele lyckades återuppfinna idén om allegori på ett samtida sätt. Förutom att föreställa den sanna kärlekens död, är den här bilden också fylld med en känsla av det gamla Europas död.

7. Schieles sista porträtt

Crouching Human Couple (Familjen) av Egon Schiele , 1918, via Belvedere Museum, Wien

Medan han var sjuk i Spanska sjukan började Egon Schiele måla ett familjeporträtt. Den hette ursprungligen Hukande par , men det blev senare känt som Familjen . Schiele själv stirrar på betraktaren, med utsikt över kompositionen framför en mörk, rörig bakgrund. Mellan hans ben sitter Edith Harms, hans fru. Till skillnad från Schiele tittar hon bort och även om hennes ben är spridda så tar hon upp mycket mindre plats än sin man. Hon är den centrala figuren i kompositionen och, kanske för Schiele, den centrala figuren i hans familj. Mellan hennes ben sitter deras barn. Hans fru dog den 28 oktober 1918 av lunginflammation medan hon var gravid i sjätte månaden. Bara 3 dagar senare, den österrikiska målaren också dog i Spanska sjukan . Det är en målning av en pappa som projicerar sig själv in i en framtid som han aldrig kommer att få leva med en fru och ett barn som, tragiskt nog, inte heller kommer att klara sig levande.

Arvet efter Egon Schiele

Egon Schiele fotografi av Anton Josef Trcka , 1914, via Metropolitan Museum of Art, New York

Egon Schieles konst har haft en långvarig inverkan på den moderna konstens gång. Den österrikiska målaren påverkade inte baraexpressionistisk rörelsehans samtid men också karaktären hos moderna och samtida porträtter. De förvrängda och linjära egenskaperna hos hans stil är nu vanliga i figurativ teckning, från konst till illustration. Hans fokus på människokroppen banade också vägen för samtida konstnärer att analysera kroppen som ett uttrycksinstrument i sin egen rätt.