Den nihilistiska desperationen i Alberto Giacomettis målningar

Alberto Giacometti Sitter med sina skulpturer , via Gagosian Gallery, New York (vänster); med Sittande man av Alberto Giacometti , 1950, via Christie's (höger)

Alberto Giacometti var en schweizisk skulptör och målare förknippad med Kubism , Surrealism och samtida konst under 1900-talet. Han är mest känd för sina totemiska, humanoida skulpturer och anses vara en av sin tids mest produktiva skulptörer. Hans målningar var dock också unika i sin abstraktion och känsla av robust ödslighet. Läs mer för en analys av den existentiella desperationen i Giacomettis målningar.

Kontexten för Alberto Giacomettis verk

Konstnärens mor av Alberto Giacometti , 1950, via MoMA, New York

det skulle inte vara så illa. Om jag bara kunde göra ett huvud, ett huvud, bara en gång, så kanske jag skulle ha en chans att göra resten, ett landskap, ett stilleben. Men det är omöjligt

- Alberto Giacometti

Den schweiziske konstnären Alberto Giacomettis verk definieras av vad de saknar. När världen omkring honom plågades av krig under första hälften av 1900-talet, revs ner och förminskades i betydelse, visade Giacomettis verk samma ödsliga sparsamhet. Hans skulpturer och målningar reduceras till de minsta, minsta versioner av sig själva. Siffror dyker upp uttorkad och deformerad , och även porträtten kämpar för att återkalla likhet. Alla tre Giacometti, sitter och betraktaren förblir isolerade från varandra. Oförmågan för Giacomettis verk att uppfylla sitt syfte, trots hans obönhörliga process, ger en känsla av att potentialen för mening har urholkats helt. Det här är existentiell fruktan som genomsyrar Giacomettis konst.

Isaku Yanaihara av Alberto Giacometti , 1956, via The Art Institute of Chicago

I hela hans verk uttrycks Alberto Giacomettis reduktionsprocess på olika sätt. I sina skulpturer grävde han rakt igenom figurerhan skulle få ditt huvud att se ut som ett knivblad. Även i sina målningar var han känd för att oändligt omarbeta ett porträtt tills nästan ingenting återstod. När man talar om upplevelsen av att måla filosofen Isaku Yanaihara , anmärkte GiacomettiVi brukade jobba hela dagen och på kvällen var det en målning. Och ju mer det löste sig, desto mer försvann han.En av de starkaste konstanterna i Giacomettis verk är att en oförmåga att avslöja mening är det som driver honom att agera så enträget i att deformera och rekonstruera sina subjekt. Om man accepterar det, uttrycks denna föreställning bäst i hans målningar, till och med bättre än i skulpturerna, på grund av det representativa måleriets natur som helhet, såväl som krisen i modernistisk målning , särskilt när det gäller fotografi och dess försök att återuppfinna sig själv.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Varför det var omöjligt att måla för Giacometti

Svarta Annette av Alberto Giacometti , 1962, via Guggenheim Museum, New York

När det gäller den modernistiska måleriets kris, ta detta citat, tillskrivet Alberto Giacometti av hans biograf, James Lord :

Det är omöjligt att måla ett porträtt, sa han. Ingres kunde göra det. Han kunde avsluta ett porträtt. Det var en ersättning för ett fotografi och fick göras för hand eftersom det inte fanns något annat sätt att göra det då. Men nu har det ingen betydelse. Fotografiet finns och det är allt som finns.

(James Lord, Ett Giacometti-porträtt , sid. 9)

På grund av den gradvisa avbindningen av oljefärg från realistisk avbildning har finishen på ett stycke blivit svårfångad. I den modernistiska målning som Alberto Giacometti deltog i kunde målet inte längre vara enbart illusionistiskt, eftersom målningar hade blivit föråldrade som de mest övertygande verkliga bilderna. Den titeln hörde nu till fotografiet. Sedan fotografiets uppfinning har målare varit tvungna att sträcka sig bortom det visuella, men måste fortfarande följa det visuella. Detta är omöjligheten att måla. Målaren måste skapa en fantasisk illusion, men kan aldrig fullgöra en sådan uppgift på ett adekvat sätt. Målningen måste komma till ro någon gång och den punkten kan inte vara helt tillfredsställande, därav Giacomettis insisterande på att han inte kan avsluta en målning.

Jean Genet av Alberto Giacometti , 1954-55, via Tate, London

Förekomsten av en ny standard inom representativt bildspråk fick måleriet att gå in i en identitetskris. Speciellt under första halvan av 1900-talet , när Alberto Giacometti levde och verkade, kände måleriet det ökande trycket från fotografiet som en alternativ form av representativt bildspråk. När färgfotografi blev kommersiellt tillgängligt på 1940- och 50-talen förändrades målningens identitet radikalt, vilket ledde till sådana rörelser som abstrakt expressionism , där representation helt och hållet skapades för att reifiera de egenskaper som skilde måleri från fotografi, såsom materialitet och process. Omvänt, i andra konstformer, såsom skulptur, fanns det ingen ytterst realistisk ersättning. Medan skulptur verkligen deltog i samma båge av modernism som måleri, och i vissa fall ledde vägen (den enormt inflytelserika skulptören Constantin Brancussi t.ex. var en av de tidigaste abstrakta expressionisterna), fanns inte samma tryck att återuppfinna och återupprätta sig själv.

Måleriets grundläggande frågor

Man Pekar av Alberto Giacometti , 1947, via Tate, London

När det gäller målningens natur och dess relevans för Alberto Giacomettis strävan, kan vi återigen förstå genom att jämföra det med skulptur. Skulpturer, även representativa, kan fungera som referenser till sig själva. Det finns en nödvändigtvis försäkrande verklighet för en skulptural representation eftersom den genom sin dimensionalitet är mer kapabel att exakt återspegla naturen hos ett verkligt, fysiskt subjekt. Representativt måleri är däremot bara illusionistiskt, och dess fysiska egenskaper är ofta mer ett hinder för dess förmåga att spegla ämnet än en fördel. Incidenter med synligt penseldrag, dukens ådring eller impasto av den skiktade färgen påkallar uppmärksamheten till konstgjordheten hos ett stycke. Måleri lämpar sig inte för representation av föremål i den observerbara världen nästan lika bra som skulptur. Målning kan vara otroligt effektivt för att fånga scener, eller känslan av ljus, men formen är skulpturens territorium.

Med tanke på detta kan man observera hur Alberto Giacometti konfronterar måleriets brister. I Giacomettis målningar formas motivet av en massa korsade linjer. Ibland sträcker sig denna behandling över hela bilden men är mer typiskt fokuserad bara på huvudet, med resten av utrymmet oförändrat, eller endast antydt av disiga massor av färg som strålar ut från sitter. Noterbart är att han vanligtvis inte beskriver huvudet i förhållande till något annat, utan avser istället att etablera dess närvaro bortom de omständigheter under vilka han observerar det. Hans mål med måleriet är inte att betrakta en hel scen eller ett utrymme, utan att manifestera en bestämd form. På så sätt är hans målning skulpturliknande.

Diego av Alberto Giacometti , 1959, via Tate, London

Uppenbar av detta är Giacomettis absoluta fixering vid en enda form, huvudet, ofta med undantag för allt annat. Så i Giacomettis målningar, där formen är en primär fråga, om inte den enda, sätts mediet omedelbart på prov, dess begränsningar avslöjas. Förekomsten av dessa begränsningar förvärras bara av Giacomettis obevekliga strävan efter den påtagliga formen. Under loppet av sin mödosamma process kan vi observera hur Giacometti gradvis omstrukturerar former i sina målningar, mest uppenbart huvuden och kropparna på hans sitter. Han motarbetar omöjligheten av ett verkligt porträtt och börjar försöka lösa grundläggande frågor kring måleriet med hjälp av själva mediet. Kontraintuitivt börjar hans sitters kropp och bilden som inhyser den att deformeras.

Seated Man av Alberto Giacometti, 1949, via Tate, London

Som ett annat exempel på att Alberto Giacometti räknar med målningsfrågorna är hans vana att rita en ram för motivet anmärkningsvärd. En vanlig anordning i Giacomettis bilder är inramningen av en bild inuti bilden; han ritar ofta en annan ruta inom dukens gränser, där hela bilden är gjord och lämnar kanterna opåverkade. Han erkänner och överdriver den konstgjorda inramningen av en målning. Detta fungerar för att formalisera motivet, fånga det och säkerställa den totala isoleringen av bilden och kroppen från omvärlden. Bilden framstår som mer distinkt och skild från omvärlden. I en mening, genom att isolera bilden på detta sätt, hjälper Giacometti försöket att manifestera formen i sin målning, eftersom den är mindre beroende av normerna för faktisk, dimensionell form. I en annan mening är överdriften av bildplanets konstgjorda begränsningar ett slags självsabotage, som säkerställer att målningens motiv aldrig kan misstas för en bokstavlig form. Oavsett vad som är tydligt är Giacomettis engagemang för traditionen och begränsningarna av representativt måleri, och hans vägran att fördunkla karaktären av hans verk; han menar att uppnå påtaglig form i måleriet på sina egna villkor: oljemålningens etablerade villkor.

Förlusten av mening i Alberto Giacomettis målningar

Caroline av Alberto Giacometti , 1962, via The Art Institute of Chicago

Alberto Giacomettis verk handlar om förlust. Detta framträder i bokstavlig mening genom hans oupphörliga, reduktiva process och mer abstrakt genom hans engagemang i nihilism. Även om temat är allestädes närvarande i hans praktik, finns det en speciell, delad känsla mellan måleri och denna typ av existentialism. Förlusten av mening i en orolig värld, eftersom den återspeglas i ett föråldrat medium som är desperat efter ett nytt syfte. Konstnärens misslyckade försök att fatta allt från ett tomrum av fruktan sammanfaller med det meningslösa i att trolla fram något påtagligt i måleriet. Precis som den bräckliga illusionen av mening skingras i världen runt Giacometti, försvinner formillusionen från måleriet med minsta förändring i uppfattningen.