Please Touch the Art: Barbara Hepworth's Philosophy

Adams skapelse av Michelangelo , omkring 1508-12, via Musei Vaticani, Vatikanstaten; Händer som rör en klassisk skulptur , via CNN

Rör inte. Dessa tre små ord utgör sannolikt den mest talade meningen i något museum eller galleri, och av goda skäl. Effekterna av en oförmåga att motstå frestelser kan ses i varje institution; från blanknäsade byster in National Trust herrgårdar, till de skavda huvudena av romerska marmorhundar på italienska museer. Men har denna stringenta museipolitik påverkat vårt sätt att interagera med konst negativt? Behöver någon konst verkligen beröras för att verkligen upplevas? Engelsk modernistisk skulptör Barbara Hepworth trodde säkert det.

Barbara Hepworth och vikten av beröring

Barbara Hepworth fotograferad av John Hedgecoe i hennes studio i St. Ives , 1970, via The New York Times

För Barbara Hepworth var beröring en central del av hennes praktik. Hennes inspiration kom delvis från en barndom som tillbringades i det stora och dramatiska landskapet i West Riding, Yorkshire. Konstnären skriver, Alla mina tidiga minnen är av former och former och texturer ... kullarna var skulpturer, vägen definierade formen.Framför allt fanns känslan av att röra sig fysiskt över konturerna av fylligheter och konkaviteter, genom håligheter och över toppar – känsla, beröring, genom sinne och hand och öga. Hepworth trodde alltid att skulptur var som mest väsentligt, ett fysiskt, taktilt medium. Denna förståelse för vad form kunde vara fanns i konstnären nästan från födseln.

Barbara Hepworth arbetar på gipset för Oval Form , 1963, via Art Fund, London

Barbara Hepworths livslånga övertygelse om att skulptur måste beröras för att upplevas stärktes sannolikt av den italienska skulptören Giovanni Ardini, en tidig mentor till henne. När han träffade honom av en slump i Rom i hennes tidiga tjugoårsåldern, påpekade han för henne att marmor ändrar färg under olika människors händer. Detta fascinerande uttalande antar beröring som ett av sätten en person kan kunna uppleva marmor. Det tycks också ge lika makt till konstnär och publik (kanske Hepworth, en engagerad socialist, fann denna ovanliga jämlikhetshållning på ett så vördat medium som en inspirationskälla).

Många år senare, i en 1972 filmad intervju med brittiska Pathe , säger Hepworth, jag tror att varje skulptur måste beröras...Du kan inte titta på en skulptur om du ska stå stel som en ramrod och stirra på den. Med en skulptur måste du gå runt den, böja dig mot den, röra vid den och gå bort från den.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

The Direct Carving Technique & The Italian Non-Finito

Duvor av Barbara Hepworth , 1927, i Manchester Museum of Art, via Barbara Hepworths webbplats

Sedan början av sin karriär, Hepworth, tillsammans med sin första make John Skeaping och deras vän Henry Moore , banat väg för ’direkt carving ' Metod. Denna teknik ser skulptören arbeta på sitt block av trä eller sten med en hammare och mejsel. Varje märke som görs förblir väldigt uppenbart och framhäver snarare än döljer originalmaterialet. Tekniken sågs på den tiden nästan som en revolutionerande handling, som kom vid en tidpunkt då konstskolor lärde sina blivande skulptörer att modellera i lera. Verk skapas som har den fysiska närvaron av skaparen kvar på sig.

Hepworths Duvor, ristade 1927, gjordes med hjälp av direktskärningstekniken. Här är Hepworth som en magiker som avslöjar sina tricks. Vi ser det grovskurna marmorblocket och förstår duvorna som en illusion. Men istället för att förringa magin, är denna förvandling från orubblig sten till slät och mild fågel ännu mer häpnadsväckande. Det är svårt att motstå frestelsen att röra, att ytterligare förstå hur hon har klarat detta.

Uppvaknande slav av Michelangelo, ca.1520-23, i Accademia Gallery, Florens

Detta medvetna beslut att avslöja för tittaren processen, såväl som den färdiga artikeln, ligger i Italiensk renässans , i praktiken av inte färdig (som betyder 'oavslutad). Inte färdig skulpturer verkar ofta som om figuren försöker fly från blocket som om de har väntat inne hela tiden. Med ord Michelangelo ,Skulpturen är redan färdig inom marmorblocket, innan jag påbörjar mitt arbete. Den finns redan där, jag måste bara mejsla bort det överflödiga materialet.

Pelagos av Barbara Hepworth , 1946, via Tate, London

Någon gång efter andra världskriget inledde Barbara Hepworth en serie träsniderier, med det vackraste, hårda, härliga varma virket, nigerianska guarea. De lyfter fram, mer än något annat verk, Hepworthsupptagenhet med form och lek, mellan inne och ute, mellan former och olika texturer och stramhet. Det finns något i kontrasten mellan den polerade exteriören och den grova, mejslade insidan, och den spända strängen som förbinder båda ytorna, som tycktes uppmana en publik att röra vid dem.

Henry Moores rum på Tate Britain fotograferad avRikard Österlund ,via Tate, London

Du förstår, skulptur är en taktil, tredimensionell sak, själva närvaron kräver mer av oss som betraktare än någon målning. Henry Moore är ett annat exempel. Man vill nästan krypa ihop med hans mjukt liggande figurer. De två rum i Tate Britain tillägnad skulptören känner sig fylld av, mer än livlösa kroppar av sten, avslappnade turister på en strand. Det känns som om du har gått in i den där nöjda tystnaden som kommer efter en lång och enorm lunch. Det finns något i rummets intimitet som gör att det verkar främmande att inte kunna röra vid dem.

Varför är det så frestande att röra vid?

Turister och studenter rör vid John Harvards fötter , 1884, via Harvard Gazette, Cambridge

Det är viktigt att komma ihåg att konst och beröring inte bara är ett 1900-talsfenomen. Gamla talismaner , som tros vara genomsyrad av särskilda krafter, var konstverk gjorda för att hållas och förvaras nära för säkerhet. Vi ser fortfarande vikten av att beröra konstverk och föremål i religiös praktik idag. Vördade ikoner av katolska helgon kyssas av tusentals, stenristningarna av hinduiska gudar badade i mjölk. Vidskepelse spelar också en roll. Bilden ovan visar turister och nya studenter som står i kö för att beröra John Harvards fötter , förmodligen att åstadkomma lycka.

Vi vet att vi inte är tillåtna, så varför finns det fortfarande så många av oss som inte kan motstå frestelsen att röra vid? Fiona Candlin , aprofessor i museologi vid Birkbeck College i London och författare till Konst, museer och beröring , anför följande skäl. Hon hävdar att beröring kanförbättra vår pedagogiska erfarenhet. Om du vill lära dig om finishen på en yta, eller hur två delar är sammanfogade, eller vad texturen på något är, är det enda sättet du kan göra detta genom beröring. Touch kan också föra oss närmare tillverkarens hand och bekräfta äktheten.

När hon intervjuades av CNN-journalisten Marlen Komar , säger Candlin, Det kan bli en rejäl suddighet mellan museer och upplevelser och nöjesparker och vaxverk. Ofta om du har riktigt stora föremål utställda - om du funderar på att gå in i de egyptiska gallerierna i British Museum eller Met. Vissa människor kan inte tro att du skulle visa riktiga saker utan glas runt dem. De är inte helt säkra och de tror att om de rör vid den kan de göra en bedömning.

Kopia av Afrodite av Knidos , original tillverkat ca.350 f.Kr., iVatikanmuseet, via Cambridge University

Art touching har utan tvekan blivit värre i selfiens ålder (eller om inte sämre, säkert bättre dokumenterat). Det finns otaliga bilder som svävar omkring på internet av turister med armarna över axlarna på kända figurer, klappar marmorlejons huvuden eller skämtsamt famlar på en naken botten. Det senare har faktiskt ett historiskt prejudikat.De Afrodite av Knidos av skulptören på 300-talet f.Kr Praxiteles var en av de första skulpturerna av en helt naken kvinna. Hennes skönhet gjorde henne till en av de mest erotiska konstverken i den antika världen. Och hon väckte stor uppståndelse. Forntida författare Plinius berättar att en del besökare bokstavligen 'övervinns av kärlek till statyn.' Ta från det vad du vill.

Varför behöver vi denna museumspolicy?

Detalj från David av Michelangelo, 1501-1504, i Accademia Gallery, Florens

Så, säljer museipolitiken oss kort genom att inte låta oss röra konstverken? Realistiskt sett är detta naturligtvis en omöjlig fråga. Hur länge skulle Michelangelo's David sist om var och en av dessa tusentals besökare i Florens lade en hand på hans muskulösa kropp? Du kan vara säker på att hans persika runda rumpa skulle vara det första att gå. Japp, vi kan titta men inte röra i det här fallet. För mer bumspiration, sök upp hashtaggen best museum bum (#bestmuseumbum). Det var trendigt tidigare i år som permitterade kuratorer tävlade under Covid-19 Lockdown .

Men tillbaka till det viktiga ämnet museer samlingar vård . Detta fokuserar i första hand på bevarandet av konstverk och anmärkningsvärda föremål under många år framöver. Det görs genom att införa rutiner för att förhindra skador och sakta ner hastigheten för försämring av konstverk och föremål. Tyvärr för oss är det vanligaste sättet att fungera i en samling kan skadas genom mänskliga misstag. Men även utan incidenter, helt enkelt genom hantering och beröring, kan vi lätt skada ett verk. De naturliga oljorna och utsöndringen från vår hud (hur mycket vi än tvättar händerna) räcker för att färga sidorna i en bok, eller ett antikt tryck eller teckning.

Kommer vi någonsin att uppleva museumskonst som Barbara Hepworths skulpturer?

Selfie framför Van Goghs Stjärnklar natt på MoMA , 2017, via The New York Times

Trots riskerna är det är viktigt att insamlingar hanteras. Både i det praktiska syftet att flytta runt på ett museum, men också som ett ytterligare verktyg för utbildning. Med detta i åtanke håller många museer nu sessioner med målet att hantera (några av de mindre känsliga) föremålen i sin samling.

Museer och museipolitik är avgörande för att bevara vårt mänskliga och naturarv. Och det är ibland för lätt att glömma att vi också har en roll att spela. Så avslutningsvis, generellt,nej, vi ska inte röra konsten. Men när vi tittar får vi heller aldrig glömma att viss konst var, och ibland fortfarande kan, uppskattas av mer än bara ett av sinnena.