5 egenskaper som definierade rokokokonströrelsen

Den franska sidan av rokokokonströrelsen representerade bara en bråkdel av vad rokokon som helhet hade att erbjuda. Från satir och hemlighet till religion, det finns så mycket mer i denna rörelse än vad Fragonards eller Bouchers fluffiga, saliga och pastorala verk skulle få dig att tro. Rokokon var mer än bara meningslösa affärer och aristokratins posh liv. Det är mycket mer lager än man kan tro!

1. Hemlighet och det vardagliga i rokokokonsten

Den nådiga herden , av François Boucher, 1736-1739, skannad bild från 1800-talets europeiska konst: tredje upplagan

Vad är det som är så fascinerande med Jean-Baptiste-Simeon Chardin är att han känns som ett tidigt förord ​​till Realistisk rörelse . Det finns en mjukhet i hans målningar som fortfarande ger en luft av värme som aristokratin skulle vilja se från konst med underklassfolk som ämne. Men bristen på utsmyckning och dramatiska detaljer gör att det verkar som det minsta rokokostycke som kommer att diskuteras, särskilt av Fransk rokoko standarder.

Det franska rokokonsten var mest känd för var lättsinne och romantiserande vardagsliv, men den behandlades sällan på samma vardagliga sätt som Chardin. På andra änden av spektrumet var Francois Boucher, som utmärkte sig i att romantisera det vardagliga riket och göra det påtagligt och attraktivt för de rika och välbärgade. Hans arbete Den nådiga herden är ett perfekt exempel. Trots att Chardin var fransman gick han i en helt annan riktning med sitt arbete.

Nåd av Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1740, via The Louvre Collections webbplats

Hans Nåd fokuserade på den borgerliga klassens hemlighet, liksom många av hans verk, som lockade aristokratin. Detta ganska vardagliga och blygsamma arbete var så annorlunda från vad som var typiskt under den franska rokokon att aristokratin inte kunde låta bli att intressera sig. Den föreställer en mamma som uppmuntrar sina barn att be sin dagliga bön under lunchen, och den visar en blygsamhet mot Tredje ståndet familjeliv som var beundransvärt.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Under denna tid fanns det lite eller ingen dokumentation av de fattiga, genom konst, eftersom det inte var ett ämne som ansågs lämpligt för ögonen på de rika och rika; Så när de först såg den här målningen antog de att det var en familj av bönder, istället för en anständigt välbärgad arbetarfamilj. De flesta av överklassen levde ett liv av okunnighet och antagande i detta avseende.

Nåd (Närbild) av Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, via The Louvre Collections webbplats

Det är ännu mer uppenbart i detta verk att Chardin har en förkärlek för realism och uppmärksamhet på detaljer när man tittar på den enkla detaljen av ånga som tillsätts över maten. Denna känsla av realism får tittaren att tro att Chardin var där och såg den här familjen med sina egna ögon. Han kunde visa en korrekt representation av det vardagliga hemlivet med omsorg. Det finns också krukan längst ner till höger, den lätta glansen på kanten och lacken kan hjälpa dig att känna att du observerar en scen och inte en bild.

Stilleben med glasflaska och frukt av Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1728, via Statens konsthall i Karlsruhe

En annan överraskande aspekt av Chardins rokokoverk var att de reflekterade Holländskt stilleben målningar. Hans Stilleben med glasflaska och frukt är ett annat stycke som ytterligare etablerar hans enorma uppmärksamhet på detaljer. Från åsarna på frukten till deras reflektion i kolven såg Chardin till att han dokumenterade varje detalj med sin pensel. Något som lätt kunde ha missats, som den förvrängda reflektionen av apelsinen i silverbägaren, återgavs sakkunnigt. Även om typisk fransk rokokokonst är detaljorienterad, var det aldrig för sådana vardagliga ämnen, och Chardin avslöjade ett annat sätt att representera rokokon.

2. Religiösa bilder och episka fresker

Den obefläckade avlelsen av Giovanni Battista Tiepolo , 1767-1769, via Pradomuseet, Madrid

När man tittar på fransk rokokostonst finns det vanligtvis inte denna uppmärksamhet på religiös ikonografi och bildspråk, såvida det inte har något att göra med de grekiska och romerska gudarna. Kristna och katolska bilder var dock inte utbredda alls. Visst gick folk till kyrkan och kunde uppskatta en bra fresk vilken dag som helst, men på fritiden var fromhet det minsta bekymmer, eftersom det var för mycket roligt att göra!

Detta kan ses som ironiskt eftersom du har bitar som Den obefläckade avlelsen av italiensk rokokokonstnär Giovanni Battista Tiepolo . Baserat på antagandet att han var katolik, liksom majoriteten av hans venetianska kohorter, borde det inte vara förvånande att han tog religiös bildspråk på allvar och uppskattade verken av Klassisk och högrenässans epoker av konst , vilket kommer starkt fram i hans arbete.

Rosenkransens institution av Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, skannad bild från 1800-talets europeiska konst: tredje upplagan

Hans Rosenkransens institution är en underbar blandning av rokokokonst och klassikerna. Den har den lätta och luftiga känsla som förväntas av rokokon, till skillnad från hans tidigare arbete under hans fas av experiment och tenebrism. Förändringen kan tillskrivas hans fascination av verken av Paolo Veronese ses på Undinepalatset. Denna takfresk firade tillkomsten av hängivna sedvänjor i den katolska kyrkan, från bön till meditationer, som fick hjälp av radbandet. Fresken ger ifrån sig illusionen av att titta upp i den öppna himlen, bortom det tidiga riket. Han använder sömlöst optisk illusion genom hela målningen.

Rosenkransens institution (Närbild) av Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, skannad bild från 1800-talets europeiska konst: tredje upplagan

Det finns så mycket detaljer i detta konstverk eftersom det kommunicerar själva inrättandet av rosenkransen som en episk berättelse. Längst upp på trappan är St Dominic och överlämnar radband till dem som vill fly från den jordiska världens smärta och synd och välkomnas till himlen genom religiös utövning och tro. Nedan, om du tittar noga på botten, finns en blek, spökliknande hand som dyker upp ur mörkret som om den också skulle stiga upp till himlen.

Detta är uppenbart på grund av att Jungfru Maria och barnet Kristus svävar över honom i himlens rike med änglar. Illusionen av botten som rinner från fresken förbinder målningen med åskådarna genom att den berör vårt rike och tillför intresse. På grund av hans teknik blir själva konsten en visuell metafor; den vägleder våra ögon att se själens transport som leds av religionen från jorden till himlen.

Rosenkransens institution (Close up II) av Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, skannad bild från 1800-talets europeiska konst: tredje upplagan

Slutligen finns det teorin att denna fresk var avsedd att vara religiös propaganda. Detta konstverk är ett svar på kyrkans motreformation. Användningen av lockande bildspråk och trompe-l’œil var så att den katolska kyrkan kunde föra tillbaka fler människor från det protestantiska trossystem som var ett resultat av reformationen. I den protestantiska tron ​​finns det en övertygelse om att det inte finns något behov av bildspråk i tro så romantiserat som i den katolska tron. I det avseendet kan man säga att kyrkan hade övertaget eftersom det på grund av mänsklig nyfikenhet var mer tröst i det kända istället för det okända. Att använda sitt arbete på detta sätt anpassar Tiepolo mer till William Hogarths fasta ideal, vilket innebar att skicka budskap genom konsten istället för att bara vädja till aristokratins nycker.

Den spanska monarkins apoteos av Giovanni Battista Tiepolo , 1760-talet, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Den spanska monarkins apoteos är mer av vad du kan förvänta dig av rokokokonströrelsens religiösa bilder, men även då ändrar den episka karaktären freskens vikt. Att slentrianmässigt se en Venus modesta är inte detsamma som att se din monarki likställas med gudarna. Tiepolos fresker bidrog till att åter stärka den katolska kyrkans grepp och kraften i Guds läror. Inte nog med det, han hjälpte till att lyfta aristokrater istället för att bara underhålla och smickra dem.

3. Theatrics of the Everyday in French Rococo

Brutna ägg av Jean-Baptiste Greuze , 1756, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Liksom Chardin ser vi glimtar av det vardagliga i Jean-Baptiste Greuzes konst. Men till skillnad från Chardin, Greuze dramatiserar vanliga människors liv istället för att bara slentrianmässigt avbilda dem. Det är mer av teatern som förväntas från rokokokonströrelsen. Hans målningar har mer en nyklassisk känsla än Chardins verk, vilket ger trovärdighet för hur de välbärgade människorna hade ett intresse för medelklassens liv på de mest ytliga sätt.

Adeln ville framför allt bli underhållen. Noggrannheten spelade ingen roll, det som spelade roll var berättelsen och den estetiska överklagandet, vilket är anledningen till att verken av William Hogarth förbryllade och förolämpade många. Greuzes Brutna ägg handlar om en familjs upprördhet över förlusten av sin dotters oskuld. En metafor förmedlas därför genom de krossade äggen som strödda runt, som aristokraterna fann vara underhållande i sin skandal. Greuze vädjade fortfarande till dramat som de rika älskade om den franska rokokon.

Faderns förbannelse – Den otacksamma sonen av Jean-Baptiste Greuze , 1777, via webbplatsen Louvrens samlingar

Faderns förbannelse – Den otacksamma sonen är ett annat utmärkt exempel på de skandalösa scener som aristokratin frodas på. I denna målning vill sonen lämna sin familj bakom sig för att gå med i militären, medan hela hans familj är emot det. Det finns ilska, frustration och rädsla som utstrålar från denna målning. Det finns också nöjen om man tittar längst till höger, där sonens vän ser underhållen ut av stundens absurditet. De dramatiska rörelser Greuze skapar påminner om nyklassicistisk och Barock verk som på liknande sätt underhåller på ett ytligt och allegoriskt plan. Genom att skapa denna effekt kunde Greuze lyfta underklassens liv.

4. Innovativ porträtt och motiv

Allegorier av fyra kontinenter: Personifiering av Amerika av Rosalba Carriera , före 1720, via The Cooper Hewitt Collection

Vad sätter Rosalba Carrieras arbete förutom De La Tours och sådant, är hennes känsliga subtilitet när det kom till hur hon blandade färger och uppmärksamhet på detaljer, utan att helt idealisera sina ämnen. Henne Allegorier av fyra kontinenter serien är ett bra exempel på detta. Hennes konstverk är en balans mellan realistisk och idealisk form, till skillnad från många franska rokokoverk som försöker förmedla enbart idealform. Hon gjorde också en poäng med att använda små detaljer i sina pasteller för att ge en inblick i hennes ämnes saker istället för att ge bort allt som många rokokostyckor brukade göra. Det är uppenbart att hon använde en begränsad palett för att uppnå denna nivå av balans och enhet i de enskilda verken.

Allegorier av fyra kontinenter: Personifiering av Afrika av Rosalba Carriera , före 1720, via The Smithsonians webbplats

Till skillnad från många målare före henne hade Carriera inga betänkligheter med att slentrianmässigt måla utländska ämnen. Det verkar som att närhelst en utlänning avbildades var det för att de var döende, skurkaktiga, fattiga eller sexualiserade, men Carriera gav sina tittare något annat. Därmed inte sagt det Allt konstnärer stannade inom dessa boxar, dock. Porträtt av Jean-Baptiste Belley av Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson är ett fint exempel på att respektfullt måla ett främmande ämne. Men sedan i andra änden har du hans Revolten i Kairo , som är krig och död och skurkgörandet av främmande människor. Carriera hjälpte till att bidra till de mer subtila aspekterna av rokokon istället för dramatik och minimala tillbehör, vilket förmodligen inspirerade personer som Chardin med sätten som hon porträtterade sina ämnen på ett enklare sätt än sina kollegor.

5. Dom och cynism i rokokostonsten

Innan av William Hogarth , 1736, via The Metropolitan Museum of Art New York

William Hogarth, rokokokungen av bitterhet och satir, är ett utmärkt exempel på vad människor inte tänka på när de tänker på rokokokonst. Det finns inga krusiduller, det finns ingen sockeröverdrag, bara den råa sanningen om livet i överklassen. När vi förses med bilder av kvinnor av William Hogarth är de antingen olyckliga eller visas i ett tillstånd av mani. Han skildrar kvinnor på ett sätt där de aldrig är lyckliga eller om de är det, så är det i huvudsak lugnet före stormen. Denna dalliance är ingenting som verken av Jean-Honore Fragonard . Det är ingen romantik, bara en kvinnas obehag och en mans drivkraft att tillfredsställa sina sexuella drifter, oavsett hur kvinnan känner. I Innan, kvinnans brist på entusiasm framgår ännu tydligare av boken om fromhet i hennes fåfänga.

Efter av William Hogarth , 1736, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Hogarths andra etsning, lämpligt namngiven Efter är del två av Innan . Det saknas krydda och fluff i affären som anses vara typisk för rokokokonströrelsen. Det verkar inte som att kvinnan trivdes, bara mannen hade blivit mätt och drog upp byxorna i all hast för att gå. Hanssignaturanvändning av hundenförmedlar instabiliteten i deras förhållande, först in Innan med det skällande vilt mot de två, till hunden vänd bort i detta arbete, med en stilla acceptans men besvikelse. Det är ingen överraskning att kärnan i Hogarths tolkning av rokokon i huvudsak är att vända allt från den franska rokokon på huvudet. Han var helveten om att förändra vad rokokonkonströrelsen borde vara, i alla sina cyniska konstverk.