Fransk rokoko: Den här rörelsens ikoniska verk

Den franska rokokon fokuserade på den franska aristokratins och bourgeoisins överdådiga och fasansfulla natur. Varje konstnär tog en aspekt av rokokostörelsen som kunde anses vara grundläggande. Även om dessa verk skiljer sig mycket från varandra bidrog de var och en till grunden och innovationen av rokokokonströrelsen. Från lättsinne till elegans, från erotik till lekfullhet, varje stycke som vi kommer att se här symboliserar allt man kan förvänta sig av rokokon.

Uppkomsten av fransk rokokokonst

Porträtt av Ludvig XV av Maurice-Quentin de la Tour , 1748, via Louvren, Paris

Under Ludvig XV:s regeringstid, från 1715 till 1774, kunde den franska överklassen uppleva nya sociala och intellektuella friheter. Rikare borgare och medlemmar av aristokratin kunde nu fokusera mer på lek och nöje än de under Ludvig XIV:s tidigare regeringstid. Ludvig XIV:s suveränitet byggdes kring den kvävande kontroll han hade över den franska aristokratin – till och med dubbade sig själv till solkungen och behöll en tro på den berömda meningen Jag är staten – Staten, det är jag .

Den oseriösa naturen hos Rokokokonst kommer från att den högre klassens fransmän nu kan slappna av och ägna sig åt lösaktiga tidsfördriv istället för den typiska starka och förtryckande karaktären hos högsamhället under Ludvig XIV:s regeringstid. Rokokon ägde också rum under upplysningstiden som nu fick människor att ifrågasätta sin tids sanningar såväl som sin tro och religion. Detta gjorde att folket kunde lossna mer och ha mindre rädsla för gudomlig och imperialistisk vedergällning.

Salacious Rendezvous av Jean-Honoré Fragonard

Progress of Love: The Meeting av Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, via The Frick, New York

Jean-Honore Fragonard Verken var nästan som riktmärket för den franska rokokokonströrelsen. Han målade de aristokratiska ungdomarnas lekfulla liv. Han fokuserade på lättsinne och skönhetens flyktiga natur. Konstnären blev en mästare på att göra tyger, som sammet och siden, sten och den tidsgynnade rosen.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

De Kärlekens framsteg serien beställdes av Madame du Barry, en av Ludvig XV:s älskarinnor. Denna serie som helhet kan utan tvekan betraktas som ryggraden i rokokokonsten. I alla fall, Mötet är utan tvekan den mest populära målningen i serien. Mötet var det andra stycket efter Jakten . Fragonards frekventa ämnen var älskare. Mötet utspelar sig på dödsboet efter den unga damens föräldrar. Den unge mannen vi ser stiger på en stege för att besöka henne. Det unga paret träffas i en gömd grotta på godset i hemlighet, flickan tittar sig oroligt omkring för att se om hon följdes efter.

Progress of Love: The Meeting (Närbild) av Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, via The Frick, New York

Bakgrunden är penslad med lösa drag som skapar ett mer fjäderlikt utseende för träden och fluffiga moln som bidrar till verkets lekfulla karaktär. De ljusare pastellerna ger en ungdomlig glöd till den unga mannen och kvinnan samtidigt som de skapar ytterligare ett lager av stöd för de flirtiga och ungdomliga tonerna. Det finns också inslag av intensiv färg som den röda jackan mannen har på sig som ska framkalla en känsla av passion. Vi kunde också titta på det blå bandet på den unga damens skor som bryter upp pastellen och förgyller smycket. Hans palett och teknik exemplifierar vad som förväntas av rokokonbitarna.

Progress of Love: The Meeting (Närbild 2) av Jean-Honoré Fragonard , 1771-1773, via The Frick, New York

Älskarna är omgivna av rosor för att skapa något av ett kärleksbo medan de är under Eros och Venus . Eros argumenterar med Venus och vill ha tillbaka hans pilar när hon konfiskerar dem för att tillåta förekomsten av förbjuden kärlek. Fragonard var känd för att använda anspelningar på mytologi i sina verk och för att tänja på gränserna för anständigheten, vilket kan ses i Venus reaktion på Eros beslut att slå de unga älskande. Venus konfiskering kunde också förmedla tveksamheten hos den unge mannen som den som initierade den förbjudna dalliancen. Mötet ensam kan utan tvekan vara det de exempel på vad som gör en bit av rokoko.

Progress of Love: Love Letters av Jean-Honoré Fragonard , 1771-1772, via The Frick, New York

Kärleksbrev är ett annat stycke från Kärlekens framsteg . I själva verket är det den sista biten. Rokokokonsten tenderade att vara teatralisk, men det här verket känns som en enkel inblick i ett intimt ögonblick. Det känns mer naturligt samtidigt som det är den perfekta stopppunkten för berättelsen om ung kärlek. Det ungdomliga paret sitter till minne av deras uppvaktning och läser breven de utbytte med varandra. De delar samma färgpalett som blommorna skapar en känsla av ömsesidig kärlek, till skillnad från de olika paletterna hos de två älskare vi såg i Mötet .

Fragonard visar värmen och intimiteten hos sådana kontakter istället för rädslan som kommer med ungdomligt uppror. Han förmedlar att mod i kärlek leder till sann trohet som representeras genom en hund målad fint under parets fötter. Kärleksbrev symboliserade den franska rokokon eftersom den förmedlade den mjukare, mindre lättsinniga sidan av rörelsen.

Gungan av Jean-Honoré Fragonard , 1767-1768, via The Wallace Collection, London

De två stycken som talats om tidigare förmedlar inte alla de olika aspekterna av Fragonards rokokostycken eftersom mycket av hans arbete tenderade att vara extremt suggestivt. Gungan är en av de bitarna. Den beställdes av Baron de St. Julien som ett porträtt av hans älskarinna.

På målningen är baronen, mannen i förgrunden, upplyst av sin älskarinna. Han är förälskad när han sträcker ut handen mot henne. I skuggan av den högra sidan av verket ligger älskarinnans man, som ursprungligen var tänkt att vara biskopen men den idén skrotades för den var för skandalös. De St. Julien sa åt Fragonard att fokusera på kvinnans ben. Hennes ben förblev täckta, men hon målar och sparkar ut en av dem lekfullt.

Gungan (Närbild) av Jean-Honoré Fragonard ,1767-1768, via The Wallace Collection, London

Längst till vänster håller Eros fingrarna mot sina läppar som symboliserar affärens hemlighet. Keruberna symboliserar den oförlåtliga karaktären av den visade otroheten, med den ena snett och den andra i chock. Att älskarinnans sko blir slarvigt sparkad av är en extra lekfullhet som tar allvaret ur det oanständiga mötet.

Ljuset ger älskarinnan ett förföriskt sken, vilket gör henne till föremål för lockelse när det filtrerar genom träden. Hennes man som är täckt av skuggor förmedlar hans egen okunnighet om hans frus affär med de St. Julien. Fragonard romantiserade ofta i sina tidiga verk samvetslösa uppträdanden och äktenskapsbrott. Sådana amorösa ämnen var vanliga under den franska rokokonsten. Fragonard uppfann inte skildringen av fusk i konsten men han gjorde det verkligen till något värt att dagdrömma om.

François Boucher: Idealet och odalisken

Den nådiga herden av François Boucher, 1736-1739, skannad bild från Artonhundratalets europeiska konst: tredje upplagan

Francois Boucher är den mest riskfyllda artisten av de tre som vi nämner här. Han var suggestiv som Fragonard men han föredrog erotik mycket mer. Om Fragonard tänjde på anständighetens gränser sprang Boucher rakt igenom dem. Dessutom gjorde han grunden för den idylliska eskapistiska fantasin om en enkel pastoral liv i rokokostonsten. Det var något som inte fanns i Fragonards verk.

I Den nådiga herden , pågår ett frieri mellan en herdinna och en herde. Åtminstone på ytan. När man tittar på de två ämnena är det något slående och malplacerat över dem – deras kläder! Boucher skapade fantasier för överklassen i sina verk, realism var obetydlig när man tillgodoser de rikas list, utanför det realistiska holländska penselarbete som han antog.

Odalisk av François Boucher , 1742-1745, via Louvren, Paris

Det kan hävdas att Bouchers mest kittlande stycke är hans Odalisk . En och odalisker var en turkisk haremstjej. Det var en trend under artonhundratalet att avbilda dessa damer. De var också ett frekvent ämne under och efter Orientalist Rörelse. Denna målarstil tillgodoses den sexuellt undertryckta europeiska kulturen. Européer var entusiastiska över idén om en värld som inte var rädd för att utforska sexualiteten på ett annat sätt.

Modellen av denna rokokomålning är extremt flirtig och inbjudande när hon ser på betraktaren i hopp om att locka ett svar. Hon tittar inte direkt till oss i hopp om att behålla ett lite oskyldigt uppträdande trots sitt liggande tillstånd och rodnaden i kinderna och i ryggen. Det här stycket saknar Fragonards ungdomliga utseende men har en erotik som lockade och inspirerade många under den franska rokokon. Verket visar rokokons berömda rika blues och frodiga tyger.

Resting Girl (Louise O'Murphy) av Francois Boucher , 1751, via The Wallraf-Richartz-Museum, Köln

De Vilande flicka , eller Blond Odalisque , är mer erotisk och fräsch än sin tidigare odalisque. Även hon ligger framskjuten framför betraktaren. Ämnet är avklädd men upprätthåller en udda känsla av oskuld som är typisk för många rokokokonstverk. Den realistiska holländska återgivningen på hennes hud gör att hon sticker ut mot sin överdådiga omgivning, och blir upphöjd till en förförare precis som den tidigare sitter. Boucher framställer henne inte som en klassisk skönhet utan porträtterar henne i en mer provocerande pose som är tänkt att locka på ett mycket entydigt erotiskt sätt.

La Tours användning av pastell i rokokokonsten

Porträtt av Voltaire av Maurice-Quentin de la Tour , 1735, via Nationalmuseum, Stockholm

Maurice-Quentin de la Tour var känd som en av de mest framgångsrika och hyllade pastellporträtterna på 1700-talet. Efter att ha gått i lärling som målare, blev han attraherad av pastellverkens omedelbarhet och snabba teknik. Det spekuleras i att denna växling också kan ha skett på grund av pastellisten Rosalba Carriera som besökte Paris 1719. Carriera var en venetiansk målare vars verk också var en del av rokokokonströrelsen.

Maurice-Quentin de la Tour specialiserade sig på miniatyrporträtt. Under slutet av 1720-talet tog han sig äntligen in på den parisiska konstmarknaden och 1735 etablerade han ett rykte som porträttör på grund av sina pasteller. Voltaire . På grund av sin framgång fick han uppdrag från en mängd olika folk: kungafamiljen, hovet, bourgeoisin och medlemmar av den konstnärliga och intellektuella världen.

Voltaire av Maurice Quentin de la Tour, 1735, via U Art; bredvid François-Marie Arouet (Voltaire) av en anonym målare efter Maurice-Quentin de la Tour , ungefär första hälften av artonhundratalet, via Château de Versailles

De la Tours pasteller av Voltaire har mycket lekfulla blickar med mjuka avsiktliga återgivningar. Dessa pjäser fortsatte att inspirera flera kopior av detta porträtt, från gravyrer till målningar. Hans användning av pastell var extremt avslappnad och informell till sin natur, vilket bidrog till den övergripande ljusare tonen i verket som förväntades av rokokonsten. När konstnären hade ett bättre grepp om Voltaires drag kunde han ge en ännu mer återgiven och nästan älskvärd tolkning av denna mångfacetterade man. Hans blick lockar på sitt sätt och lockar en att söka den nyligen tillåtna kunskapen och förståelsen av Ludvig XV:s suveränitet.

Porträtt av Marquise de Pompadour av Maurice Quentin de LaTour , 1755, via Louvren, Paris

Hans mer formella rokokopastell gav ifrån sig samma kungliga utseende. Porträtt förblev en viktig aspekt av fransk rokokokonst. Det här stycket är inte nödvändigtvis teatraliskt eller oseriöst men det är väldigt talande. Madame de Pompadour var Ludvig XV:s ledande älskarinna och en välkänd kurtisan av tiden. Hon hade möjlighet att underhålla stora män från upplysningstiden som Voltaire och Diderot. Hon var känd för sin skönhet, talang och intelligens. Hon var väl insatt i konst, litteratur och var till och med känd som den goda smakens domare. Porträtt av Marquise de Pompadour ger ifrån sig den överflöd och detaljer som förväntas av den franska rokokon.