Apelles: Antikens största målare

Alexander den store ger Campaspe till Apelles , Charles Meynier , 1822, Museum of Fine Arts, Rennes

Men det var Apelles […] som överträffade alla andra målare som antingen föregick eller efterträdde honom. På egen hand bidrog han mer till måleriet än alla andra tillsammans

Det finns ingen bättre introduktion till den grekiska målaren Apelles, än denna passage från Plinius Naturhistoria. Verkligen Apelles berömmelse i antiken var legendarisk. Enligt gamla källor levde han ett rikt liv efter att ha fått respekt och erkännande av sina samtida. Han arbetade för Filip II, Alexander den Store såväl som för olika andra kungar i den hellenistiska världen.

Som är vanligt med klassisk måleri överlevde inte Apelles verk efter den romerska perioden. Ändå kom uråldriga berättelser om hans etos och talang fram till renässansen och motiverade konstnärer att bli New Apelles. Många konsthistoriker menar också att Apelles målning finns kvar i hellenistiska mosaiker och romerska fresker från Pompeji .

Allt om Apelles

Alexander den store i målaren Apelles ateljé, Antonio Balestra, ca. 1700, via Wikimedia Commons

Apelles föddes med största sannolikhet i Kolofon i Mindre Asien någon gång mellan 380-370 f.Kr. Han lärde sig konsten att måla i Efesos men fulländade den i Pamphilus skola på Sicyon. Skolan erbjöd kurser i teckningstraditionen och måleriets vetenskapliga lagar. Apelles stannade där i tolv fruktbara år.

Efter avslutade studier blev han officiell målare för de makedonska kungarna Philipp II och Alexander III. Han tillbringade 30 år vid det makedonska hovet, innan han följde Alexanders fälttåg i Asien och återvände till Efesos. Efter Alexanders död arbetade han för olika beskyddare inklusive kungarna Antigonos I och Ptolemaios I Soter. Han dog någon gång i slutet av den 4thårhundradet på ön Cos.

Apelles var en sann pionjär inom sitt område. Han publicerade avhandlingar om konst och teori och experimenterade med ljus och skugga för att uppnå olika effekter på nya sätt. I ett porträtt av Alexander gjorde han färgen på bakgrunden mörkare och använde ljusare färger för bröstet och ansiktet. Som ett resultat kan vi säga att han uppfann en sorts prematur chiaroscuro .

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Han använde bara fyra färger (tetrakromi): vit, svart, röd, gul. Ändå är det troligt att han också anställde ljusblått; en färg som använts av målare redan före honom. Trots sin begränsade palett uppnådde han oöverträffade nivåer av realism. Enligt Plinius berodde det delvis på ett nytt svart lack han uppfann. Detta kallades bläck och hjälpte till att bevara målningarna och mjuka upp deras färger. Tyvärr kommer vi aldrig att veta dess recept eftersom Apelles höll det hemligt. Vissa källor kan dock vara en kombination av svart färgämne och bränt elfenben.

En mästare i realism

Detalj som visar Alexander från De Alexander Mosaik , en möjlig imitation av en målning gjord av Apelles eller Philoxenus av Eretria, ca. 100 f.Kr., Neapels arkeologiska museum

En grundläggande del av Apelles konst var Charis (Nåd). Han trodde att geometri och proportioner var nödvändiga för att uppnå det. Han var också blygsam och medveten om farorna med perfektionism. Han sa att andra målare var bättre än han i allt, ändå var deras målningar alltid sämre. Anledningen till det var att de inte visste när de skulle sluta rita.

Det sägs att han målade så detaljerat att en metoposcopos (spådomare som berättar om framtiden utifrån drag i det mänskliga ansiktet) kunde berätta dödsåret för den avbildade. I en berättelse tävlade Apelles med andra målare om att göra en tavla med en häst. Eftersom han inte litade på domarna bad han att få med sig hästar. Till slut vann han tävlingen eftersom alla hästar bara nöjde sig med erkännande framför hans bild.

För att fullända sin konst övade Apelles dagligen och accepterade konstruktiv kritik. Enligt Plinius skulle han ställa ut sina verk i sin ateljé så att förbipasserande kunde se dem. Samtidigt skulle han gömma sig bakom panelerna. På så sätt kunde han höra folks samtal och lära sig vad de tyckte om hans konst. En dag lade en skomakare märke till ett misstag i framställningen av en sandal och föreslog för sin vän det rätta sättet att avbilda den. Apelles hörde kritiken och rättade till misstaget över en natt. Uppmuntrad av detta började skomakaren dagen efter hitta defekter i benet. Apelles kunde inte acceptera detta. Han lyfte upp huvudet ur sitt gömställe och sa den ökända frasen Shoemaker, inte bortom skon.

Apelles och Alexander den store

Alexander den store i Apelles verkstad , Giuseppe Cades, 1792 , Eremitagemuseet

Apelles talang och berömmelse väckte uppmärksamhet från rika och mäktiga beskyddare. Filip II, kungen av Makedonien, upptäckte först målaren och anställde honom. Efter hans död kom Apelles under beskydd av sin son Alexander. Den sistnämnde litade så mycket på målarens skicklighet att han utfärdade ett särskilt påbud om att endast han fick måla sitt porträtt. Detta unika privilegium delades med ädelstensskäraren Pyrgoteles och skulptören Lysippos. Alexander sägs också ha besökt Apelles studio ganska ofta eftersom han djupt värderade inte bara hans färdigheter utan också hans omdöme.

Emblemet för Stag Hunt mosaik , En möjlig romersk kopia av en obevisad målning av Alexander den store av Melanthios eller Apelles, ca. 300 f.Kr., Pellas arkeologiska museum

Apelles målade flera porträtt av Alexander. En anmärkningsvärd sådan inkluderade kungen bredvid Dioscuri medan en Nike kröner honom med en lagerkrans. En annan presenterade Alexander i sin vagn och släpade en personifiering av krig bakom sig. Dessutom ritade Apelles många målningar med Alexander som hjälte till häst. Han drog också kungens följeslagare.

Keraunophoros

Alexander som Zeus, okänd romersk målare, ca. 1st Century CE, House of the Vettii, Pompeii, via wikiart

Ett av Apelles mest kända porträtt av Alexander är Keraunophoros . En avlägsen romersk imitation av verket kan vara fresken från Pompeji som avbildas ovan. Det ursprungliga porträttet visade Alexander som höll en åsk som ett tecken på sin härkomst frånZeus. Åskbulten var också en påminnelse om att Alexander var bäraren av gudomlig makt över sitt enorma imperium. Målningen producerades för Artemis tempel i Efesos som betalade en stor summa för att förvärva den.

Plinius säger att åskbulten var det mest häpnadsväckande inslaget i konstverket. Det målades på ett sätt som gav en illusion av att det kom ut ur ramen och mot betraktaren. Plutarch gillade Keraunophoros så mycket att han sa att Philipps Alexander var oövervinnerlig och Apelles oefterhärmlig.

Campaspes porträtt

Alexander den store och Campaspe i Apelles studio , Giovanni Battista Tiepolo , c. 1740, J. Paul Getty-museet

Campaspe var Alexanders favoritkonkubin och troligen hans första kärlek. En dag bad Alexander Apelles att måla henne naken. Målaren gjorde naturligtvis Campaspes porträtt, men det blev komplicerat. Medan han ritade började Apelles lägga märke till den extraordinära skönheten hos Alexanders älskarinna. När han slutade måla hade han blivit kär i henne. Senare när Alexander insåg detta, bestämde han sig för att ge Campaspe i present till Apelles.

Denna handling var ett erkännande av Apelles betydelse. Alexander signalerade att målaren var i hans eget avseende lika viktig. Hans prestationer inom konsten var så stora att Apelles förtjänade konkubinen till en kung.

Enligt en ännu mer intressant syn på historien tyckte Alexander att Apelles målning var vacker. Han tyckte faktiskt att den var så vacker att han blev kär i den. Konstverket imiterade verkligheten till den grad att det överträffade den. Följaktligen ersatte Alexander Campaspe med hennes porträtt. Det var därför han gav henne till Apelles så lätt; han valde konst framför verklighet.

Venus Anadyomene

Venus Anadyomene, okänd romersk målare, 1:a århundradet CE, House of Venus, Pompeji, via wikimedia

De Venus Anadyomene (Venus stiger ur havet) anses vara ett av Apelles mästerverk. Även om originalet är förlorat kan vi föreställa oss att det liknar den romerska Venus på bilden ovan.

Venus eller Afrodite (den grekiska motsvarigheten) var skönhetens och kärlekens gudinna. Hennes födelse ägde rum nära Cypern när hon steg upp ur det lugna havet. Det här ögonblicket valde Apelles att skildra. Det sägs att han för denna målning använde Campaspe eller Phryne som modell. Den senare var en annan kurtisan känd för sin skönhet. Enligt Athenaeus blev Apelles inspirerad att rita Venus födelse när han såg Phryne simma naken.

Målningen hamnade så småningom i templet av Caesar i Rom , där den enligt Plinius fick mindre skador. Så småningom lät Nero ta bort den och ersätta den med en annan målning.

Efter framgången med den första Venus bestämde sig Apelles för att skapa en ännu bättre. Tyvärr gick han bort innan han avslutade det.

The Birth of Venus, Sandro Botticelli, 1485–1486, Uffizigallerier

Temat för Venus Rising var mycket inflytelserik under renässansen. De flesta konstverk från denna period är överlägset Sandro Botticelli s Venus födelse och Titian's Venus Anadyomeni .

Venus, Henri Pierre Picou, 1800-talet, Privat samling, via wikimedia

Ämnet var också populärt bland konstnärer Barock och rokoko och senare den 19thtalets franska akademiska tradition.

Linjen

Konstnären i sin studio , Rembrandt Harmenszoon van Rijn , c. 1626, Museum of Fine Art, Boston

Apelles upprätthöll ett intressant förhållande med sin rival Protogenes. Medan den sistnämnde fortfarande var en ung erkänd konstnär, såg Apelles hans talang och bestämde sig för att hjälpa honom att bli framträdande. Han odlade sedan ett rykte om att han köpte Protogenes målningar för att sälja dem som sina egna. Bara detta rykte var tillräckligt för att göra Protogenes känd.

Enligt en gammal anekdot besökte Apelles en gång Protogenes hus men hittade honom inte där. Innan han lämnade bestämde han sig för att lämna ett meddelande för att varna värden om hans närvaro. Han hittade en stor panel, tog en pensel och ritade en av de fina färgade linjerna, som han var känd för. Senare på dagen kom Protogenes hem och såg linjen. Omedelbart kände han igen elegansen och precisionen i Apelles hand. Detta är en direkt utmaning som han måste ha innan han tar sin borste. Som svar drog han en ännu finare och mer exakt linje ovanpå den föregående. En stund senare kom Apelles tillbaka och satte stopp för tävlingen. Han drog en linje inom de två föregående som var nästan osynlig. Ingen människa skulle överträffa detta. Apelles hade vunnit.

Protogenes accepterade sitt nederlag men gick ett steg längre. Han bestämde sig för att behålla panelen som en souvenir av konkurrensen mellan stora mästare. Målningen visades senare i Augustus palats på Palatinen i Rom. Plinius beundrade den med sina egna ögon innan den försvann i en brand år 4 e.Kr. Han beskriver den som en tom yta med tre streck som undkommer synen. Ändå var den uppskattad högre än någon av de andra utarbetade målningarna där.

Porträttet av Antigonos

Apelles Painting Campaspe , Willem van Haecht , c. 1630, Mauritshuis

Apelles var också uppfinningsrik. Ett av hans mest lysande ögonblick kommer från hans tid som arbete för den makedonske kungen Antigonus I 'Monopthalmos'. Monopthalmos på grekiska översätts som enögd eftersom kungen hade förlorat sitt vänstra öga i strid. Detta var ett verkligt problem för varje konstnär som skulle göra hans porträtt. Apelles bestämde sig för att måla Antigonus i någon form av ¾ eller profil för att lösa problemet. Det här kanske inte tycks vara en stor prestation idag, men på den tiden var det det. I själva verket, enligt Plinius, var detta det första porträttet i sitt slag i den grekiska måleriets historia. Plinius säger också att 'Antigonus till häst' var Apelles största mästerverk.

Apelles förtal

Apelles förtal , Sandro Botticelli , 1494, Uffizigallerier

Antiphilus var Apelles främsta motståndare när han arbetade för Ptolemaios I Soter i Egypten. Förblindad av avund beslutade Antiphilus att om han inte kan överträffa sin motståndare, kommer han att ta ner honom till varje pris. Sedan läckte han falsk information om att Apelles konspirerade för att störta kungen. Förtalaren lyckades nästan få Apelles avrättad men sanningen lyste i sista stund. Handlingen avslöjades och Antiphilus blev en slav som sedan var begåvad till Apelles.

Ovanstående avsnitt inspirerade Apelles mest diskuterade målning, de Förtal. Målningen var en levande allegori över Apelles upplevelse. Enligt Lucians uppsats Förtal målningen hade följande struktur. På en tron ​​längst till höger satt en man med Midas -liknande öron som sträcker ut sin hand mot förtal. Två kvinnor – okunnighet och antagande – viskade i hans öron. Framför kungen stod förtal avbildad som en vacker kvinna. Med sin vänstra hand höll hon en fackla och med sin högra drog hon en ung man i håret. En blek missbildad och sjuk man – Envy – visade förtal vägen. Två skötare – Malice och Deceit – stöttade förtal och dekorerade hennes hår för att förbättra hennes skönhet. Nästa figur var omvändelse. Hon grät medan hon såg på den sista figuren som sakta närmade sig. Den sista siffran var sanning.

1 800 år senare beslutade Sandro Botticelli (ca 1445-1510 e.Kr.) att väcka det förlorade mästerverket till liv igen. Botticellis Apelles förtal förblev trogen Lucians beskrivning och resultatet (se bilden ovan) var häpnadsväckande . Figurerna påminner oss om några av Boticcellis mest kända verk som Venus födelse och Vår. Särskilt intressant är sanningens figur målad naken som varje sanning måste vara.