Den korta men extraordinära konströrelsen från Der Blaue Reiter Group

Blue Horse I (Blue Horse I) av Franz Marc , 1911, via Lenbachhaus-museet, München; Franz Marc fotografi 1910; Utkast till omslag till Der Blaue Reiter Almanac av Wassily Kandinsky , 1911, via Lenbachhaus-museet, München; Wassily Kandinsky fotografi , via Leicester Museum

Början av 20thårhundradet förde med sig revolutioner och framsteg i sättet att betrakta och skapa konst. Der Blaue Reiter eller The Blue Rider Group grundades i München, Tyskland som svar mot traditionella konstmetoder. Deras konst utforskade relationerna mellan konst, musik, färg och spiritualism. Trots att gruppen var kortlivad bidrog deras konst och idéer till utvecklingen av den tyska expressionismen.

Början av The Blue Rider

Det blå berget av Wassily Kandinsky , 1908/09, via Guggenheim-museet, New York

Gruppen grundades av en blandning av ryska emigranter och infödda tyska konstnärer 1911. Några av gruppens mest kända namn inkluderar Wassily Kandinsky och Franz Marc som var de viktigaste medlemmarna som formade gruppens övergripande vision. Andra artister inkluderar Alexei Von Jawlensky , Gabriele Munter , Marianne von Werefkin , August Mack , och Paul Klee . De bildade gruppen för att avvisa en annan tysk konstnärlig rörelse, Neue Künstlervereinigung München (Münchens nya konstnärsförbund). De strävade efter att skapa en ny våg av modern konst som skilde sig från sina föregångares konventionella och konformistiska konst. De blev intresserade av att skapa konst som uttryckte känslor snarare än att avbilda bokstavliga scener. Medan varje enskild konstnär närmade sig ämne och teknik på olika sätt, delade de alla samma idéer om att skapa konst som en koppling till det andliga genom att använda färg.

Betydelsen bakom namnet Der Blaue Reiter

Den blå ryttaren av Wassily Kandinsky, 1903

Namnet på gruppen kan förenklas genom att Marc gillade hästar och Kandinsky gillade ryttare, så tillsammans skapade de namnet Der Blaue Reiter. Det finns dock mer substans i anledningen till att hästar, ryttare och färgen betydde så mycket för denna grupp och bidrog till deras namn och bestående identitet.

Målningen Den blå ryttaren ses som den målning som blev grunden för namnet på Der Blaue Reiter-gruppen. Kandinsky målade bilden 1903, och det är en av de första målningarna där han övergick till en mer abstrakt stil. Ryttaren i namnet kom att symbolisera övergången från den fysiska världen till den andliga. Denna idé kommer från de medeltida kristna krigarna och riddarna, som Saint George, som inspirerade gruppen. Historien om Saint George som dödar en drake spelar en stor roll i Kandinskys tidiga verk. För dem representerade detta de gamlas död och födelsen av en början. Ryttaren är bäraren av ett gudomligt uppvaknande och en återfödelse av konsten. Medlemmarna i Der Blaue Reiter såg sin tids materialism som ett block mot den andliga förståelsen av sinnet och själen.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

De stora blå hästarna av Franz Marc , 1911, via Walker Art Center, Minneapolis

Färgen blå blev den bokstavliga manifestationen av det transcendenta och gudomliga som dessa konstnärer använde i sin konst. Blått sågs som den mest andliga och lugnande färgen som konsekvent ses i en mängd av gruppens konstverk. Blått användes ofta i samband med Franz Marcs hästar eftersom de tillsammans representerar den materiella världens resa till en mer himmelsk. Blått är också kopplat till maskulinitet medan gult var mer feminint. Rött representerade den fysiska och naturliga världen jämfört med den överjordiska färgen blå. Kombinationen av blått och ryttaren representerar kampen mellan gott mot ont. För dem, ondskan i början av 20-taletthtalet var modern teknologi, vetenskap och urban industrialism.

Den blå ryttarens almanacka

The Blue Rider Almanac omslag av Wassily Kandinsky, Franz Marc och Jean Arp , 1914, via Art Gallery of Ontario, Toronto

The Blue Riders Almanacka är en samling essäer, illustrationer och musik som har blivit grunden för gruppens mål. På bokens omslag finns gruppens emblem Saint George. Den första upplagan omfattade 1200 exemplar med 50 deluxe-utgåvor som inkluderar träsnitt av Wassily Kandinsky och Franz Marc. Träsnitten i begränsad upplaga med titeln (bågskytt) bågskytt , av Kandinsky; och Fabletier (fantastisk varelse) , av Marc förekommer endast i den första upplagan. Gruppen publicerade bara denna första bok eftersom första världskriget avbröt planerna för en andra. Boken innehåller också partitur av Arnold Schönberg och Alexander Scriabin med Schönberg som bidrar med en essä samt noter till tre kompositioner. Kandinskys Yellow Sound (Der gelbe Klang) ingår också. Boken innehöll inte bara bilder av gruppens arbete, utan andra konstnärer inklusive Pablo Picasso , Vincent van Gogh , och Henri Matisse .

Den blå ryttaren av Franz Marc och Wassily Kandinsky , 1912, via Museum of Fine Arts Boston

Det finns också bilder av medeltida, renässans, folkkonst och icke-europeiska konstverk. Detta inkluderade afrikanska statyer, asiatiska bläckteckningar, folkkonst och omvända glasmålningar från Bayern. De outbildade konstnärerna och folkkonstnärerna vars konst skulle ha kallats primitiv under den tiden inspirerade deras konst. Den enkla abstraktionen av former och ämne fick medlemmarna i gruppen att skapa bilder som avledde mer och mer från den naturliga världen. Det som gör den här boken viktig är det samarbetsarbete som lades ner på att skapa den. Genom att placera bilder av konst från ett brett spektrum av kulturer, konstnärer, musiker och kritiker visade det att all konst kunde leva samtidigt i ett utrymme. Det visar att det finns plats för alla typer av konst och hur mycket var och en påverkar den andra.

Färgens inflytande

Ung flicka med en blommig hatt av Alexei Von Jawlensky , 1910, via Albertina Museum, Wien (vänster); med Fyra tjejer (fyra tjejer) av August Macke , 1912/13, via Museum Kunstpalast, Düsseldorf (höger)

Färg spelade en stor roll i Der Blaue Reiters verk. Som framgår av målningen ovan är det en tydlig skillnad mellan färgtillämpningar mellan olika medlemmar i samma grupp. Fauvism har kopplingar till Der Blaue Reiter-gruppen, särskilt med Gabriele Münter och Alexej Von Jawlensky. I likhet med en målarbok skulle de placera färg inom tjocka, mörka linjer så att det skapar kontrast och dimension. Jawlenskys porträtt visar detta samband mellan färg och känsla. Han fokuserade i första hand på figurernas huvuden snarare än helkroppsporträtt. Han använde råa livliga färger för att visa upp hur färg kan bli essensen av ens varelse.

Lady in a Park av August Macke , 1914, MoMA, New York (vänster); med Den blå mantillan av Alexei Von Jawlensky , 1913, via Israel Museum, Jerusalem (höger)

En annan inspiration kom från verken av Robert Delaunay och Orphism , vilket skulle inspirera August Macke och Franz Marc. De slogs av Delaunays användning av färg där den splittras i fragment av färg. Rytm spelar en stor roll i detta, eftersom Delaunay trodde att färger rörde sig före ens syn lika mycket som den naturliga världen. Detta påverkade Macke att måla former som skärs i sektioner med mycket distinkta kantiga former. Hans ämnen inkluderar kvinnor i varuhus, promenader i parker eller grupper av kvinnor i aktivitet som han tillämpar denna teknik på. Jämfört med Alexej Von Jawlensky använder Macke mycket distinkta former som är nästan kubistiska medan Jawlensky använder mer uttrycksfulla penseldrag fritt.

Färg flyttade gränserna för expressionism som konstnärer använde det för att visa de innersta andliga känslor de kände när de målade. Användningen av färger blev friare och mindre utsatt för verklighetens matthet. Det tänjde på de yttre gränserna för vad som ansågs lämpligt för traditionellt måleri. Färg spelade också stor betydelse för Kandinsky som använde den i samband med att uttrycka känslor med ljud.

Musikens färg

Impression III (Konsert) av Wassily Kandinsky , 1911, via Lenbachhaus-museet, München

Musik och dess koppling till färg spelar en nyckelroll i Wassily Kandinskys abstrakta målningar. Synestesi, förmågan att höra, smaka eller lukta färg, är ett koncept som introducerade Kandinsky till att använda färg som en representation av fysiska sinnen. Varje färg representerade också olika delar av en orkester och tillsammans skapar dessa färgkombinationer en färgsymfoni. Detta påverkade också konstnären Paul Klee och hans utveckling till abstrakt konst. Musik var också en stor inspiration för honom eftersom både han och Kandinsky studerade musik i sin ungdom.

Kandinsky-baserade färger med specifika känslor och till och med instrument. Hans målningar är symfonier av färg där varje färg framkallar en annan känslomässig respons. Gult är en jordisk färg, och ju ljusare gult är desto mer kaotiska och gälla känslor främjar det. Blått är lugnande och himmelskt vilket hjälper till att dämpa de gula. Röda är kraftfulla och dynamiska som symboliserar djupa trummor eller trumpeternas crescendo. Grönt är den lugnaste färgen som återspeglar de mjuka tonerna hos en violin. Violer är melankoliska och liknar den sorgliga musiken från horn eller säckpipa. Slutligen representerar svart finalen av ett musikstycke medan vitt däremot är när alla andra ljud stängs av.

Även om hans målningar kan verka spontana och verka som om Kandinsky fullbordade det på plats, är detta faktiskt falskt. Precis som en kompositör som arrangerar noter på ett musikpartitur, målade Kandinsky som om tonerna var målarfärg och duken var noter. Varje färgplacering var avsiktlig och det skulle ibland ta år för honom att färdigställa dessa typer av musikmålningar.

Kvinnorna i den blå ryttaren

Självporträtt (Självporträtt) av Marianne Von Werefkin , 1910, via Lenbachhaus-museet, München (vänster); med Självporträtt av Gabriele Münter , 1908, Nationalmuseet Thyssen-Bornemisza, Madrid (höger)

Inom Der Blaue Reiter fanns kvinnliga artister inklusive Marianne Von Werefkin, Gabriele Münter, Natalia Goncharova och Clotilde von Derp. Både Werefkin och Münter spelade avgörande roller när det gäller stilen och de framsteg de gjorde för kvinnliga expressionistiska konstnärer. Båda dessa artister var partner med andra medlemmar i gruppen: Werefkin med Jawlensky och Münter med Kandinsky under denna tid. Werefkin skulle till och med sätta tillbaka sin egen karriär och förkämpe Jawlensky som konstnär, till och med skapa en utställning för honom. De var kvinnor inom en grupp män och de led av gränserna för att vara kvinnor. Men de kunde fortfarande producera verk som banade väg för framtida expressionistiska kvinnliga konstnärer.

Jawlensky och Werefkin av Gabriele Münter , 1908/09, via Lenbachhaus-museet, München

Gabriele Münters arbete kännetecknas av att hon använder djärva färger och att hon skisserar sina motiv med svarta, tjocka linjer. Hennes målningar har ett komprimerat perspektiv som registreras som platt för betraktaren. Hon fokuserar på färgsammansättningen av hennes motiv och fyller dem med levande färger som liknar de franska fauvisterna. Oavsett om det är porträtt eller landskap, har Münters verk förenklade former som reflekterar hennes inspiration från traditionell folkkonst från Bayern och till och med barnmålningar. Hon gick aldrig helt abstrakt som Wassily Kandinsky, utan skapade snarare figurativ konst som fortfarande liknade verkligheten. Detta steg mot ett enkelt och barnlikt utseende är representativt för gruppens önskan att gå tillbaka till att skapa konst som var primitiv. Hon skapade också stilleben med bilder av traditionella bayerska artefakter eller religiös ikonografi.

tvättkvinnor av Marianne Von Werefkin , 1909, via Lenbachhaus-museet, München

Marianne Von Werefkins konst skulle fokusera på bilder av kvinnor och de fattiga i hennes verk. Hennes arbete visar skillnaden i hur kvinnor representerades under början av 19thårhundrade. Jämfört med sin samtid, skildrade hon kvinnor arbetande och som hopbuktade mot en bakgrund av färgströmmar. Hennes användning av färg och uttrycksfulla penseldrag var influenser från Edvard Munch och Vincent Van Gogh som också använde färg för att uttrycka själen. Hon använde en mörkare färgpalett med djupare toner av rött och svart, särskilt för kvinnors kläder. Werefkin visar upp kvinnorna som var arbetare och i arbetskraften under industrialismens framväxt. Hennes målningar kombinerade kvinnors hårda realiteter under hennes tid med den övernaturliga prakten i hennes landskap.

Der Blaue Reiters enda amerikanska medlem

Stilleben III av Albert Bloch , 1914, via Des Moines Art Center

Albert Bloch är en amerikansk målare som flyttade till Tyskland 1909. Han gick med i Der Blaue Reiter-gruppen 1911 efter att Wassily Kandinsky och Franz Marc besökt Blochs ateljé. Han var den enda amerikanska artisten som gick med i gruppen. Under vistelsen i Tyskland utvecklade han sin egen stil precis som resten av medlemmarna gjorde. Han använde ofta bilder av dansande harlekiner, clowner som spelade instrument samt framförande av Pierrots. Detta var Blochs tolkning av hur man kunde se musik i en bildkonstform. Jämfört med andra medlemmar i gruppen är Bloch inte lika känd eller erkänd för sitt arbete inom modern konst. Han flyttade så småningom till Kansas där han undervisade vid University of Kansas fram till sin pensionering.

Målningen ovan är ett exempel på Blochs verk och hans koppling till Der Blaue Reiter. Hans Stilleben III har ingen synlig förgrund eller bakgrund och istället representerar Bloch objekt som till synes flyter i luften. De representerar blandningen av gränser mellan de andliga och fysiska världarna. Bananerna och andra frukter verkar vara inneslutna i sina egna auror som ger liv åt till synes livlösa föremål. Hans linjer är mycket flytande och vågiga vilket också lutar åt en mer andlig representation av ett stilleben. Han behöll alltid stilen och filosofin från Der Blaue Reiter även efter dess slutliga slut.

Slutet på Blue Rider

Kornfeld bei Carantec (Cornfield at Carantec) av Alexei Von Jawlensky , 1905, via Albertina Museum, Wien

Början av första världskriget var faktiskt slutet för gruppen. Kriget uppslukade Europa och medlemmarna i Der Blaue Reiter. Ryska medlemmar i gruppen inklusive Wassily Kandinsky, Alexej Von Jawlensky och Marianne Von Werefkin skickades tillbaka till Ryssland på grund av deras nationalitet. Både Franz Marc och August Macke värvades till den tyska armén där de båda, tyvärr, dödades.

Efteråt flyttade Jawlensky till Schweiz och 1924 skapade han gruppen Die Blaue Vier (The Blue Four) som inkluderade Paul Klee, Lyonel Feininger och Kandinsky. Bloch återvände till USA i slutet av första världskriget där han började en karriär inom undervisning. De flesta av de verk som han skapade i Europa förstördes under andra världskrigets bombningar. Han tog bara tillbaka några få av sina Europea-målningar. De visas nu bara i hans egna personliga register, som inkluderar fotografier av de förlorade målningarna.

Under andra världskriget blev modern konst ett mål för den nazistiska regimen under 1930-40-talet där den ansågs degenererad och befanns vara ett brott mot regimen. Münter fortsatte att skapa modern konst under denna tid även om hon mötte motreaktioner och restriktioner. Medan nazisterna försökte konfiskera konstverk gömde hon sina målningar samt målningar av Kandinsky och hennes andra med Der Blaue Rider-medlemmars målningar i sitt eget hem i Murnau. Under nazistregimen togs Jawlensky, Klee och andra medlemmar av gruppens konst och placerades i utställningen Degenerate Art 1937.