Echoes of Religion and Mythology: Trail Of Divinity In Modern Music
Musiken i sig representerar en form av religiös utövning för en stor majoritet av människor. Många kända musiker projicerar elementen av religiösa referenser och bilder mellan raderna i deras texter. Några av dem använder sin musik som ett modus för att frammana eller utmana gudarna. Inom modern musik finner många artister också inspiration bland den antika mytologins arv, folksagor och mystik. Man skulle kunna hävda att det är lätt att se bandet mellan mytiska tragedier och musikaliska uttryck. Detta kraftfulla band återspeglas ofta i opusen hos många framstående musiker. Med hjälp av sitt musikaliska språk kan de skildra något oförklarligt och gudalikt.
1. Berättelsen om Orfeus i modern musik
Orfeus och Eurydike av Marcantonio Raimondi , ca. 1500–1506, via The Metropolitan Museum of Art, New York
Ett grekiskt ordspråk lyder: Medan Hermes uppfann lyran, fullkomnade Orfeus den.
Myten om Orfeus berättar en berättelse om en så begåvad musiker att han kunde charma alla vilda djur och till och med få med sig träden och stenarna för att dansa. När han gifte sig med sin kärlek, Eurydice, fick de glada psalmerna han spelade för henne fälten under dem att svaja med i rytm.
När hans älskare drabbades av ett tragiskt öde gick han för att leta igenom underjorden för att hämta sin älskade. En myt skapades om denna berättelse som kan ses i nutid även i modern musik.
Gillar du den här artikeln?
Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration
Tack!Orpheus föddes till Apollo , gud för musik och poesi, och musan Calliope. Apollo lärde honom att spela lyra så vackert att han kunde charma allt på jorden med kraften i sitt instrument.
Tragedin börjar med Eurydices död. När Orfeus hittade hennes livlösa kropp formade han all sin sorg till en sång som fick till och med gudarna ovanför honom att gråta. Och så skickade de ner honom till underjordens riken, så att han kunde försöka förhandla med Persephone och Hades för Eurydices liv.
Orfeus och Eurydike av Agostino Carracci , ca. 1590–95, via The Metropolitan Museum of Art, New York
På väg ner charmade han med sin lyra alla hänsynslösa bestar som stod på hans väg. När Hades och Persephone såg hur stor hans smärta var, gav de honom ett erbjudande. Han fick leda henne från underjorden, under ett villkor. Hon var tvungen att följa efter honom hela vägen, och han fick inte vända sig om för att se henne. Om han vågade se tillbaka, skulle hon vara förlorad för alltid mitt i underjordens intighet. De kom nästan till slutet när Orfeus i ett ögonblick av svaghet vände sig tillbaka för att titta på Eurydike. Hon föll i det ögonblicket och var förlorad för alltid, dömd att tillbringa sin evighet i underjorden.
Många musiker inom modern musik finner fortfarande en del av sig själva i Orfeus och hans öde. Nick Cave är inget undantag. Han vrider på det här grekisk tragedi i hans sång Orfeus lyra . Låten kom ut 2004 och visar Caves mörka och satiriska syn på myt . I sin tolkning uppfinner Orfeus lyran av tristess, bara av en slump när han snubblar på uppfinningsrikedom.
Nick Cave av Ashley Mackevicius , 1973 (tryckt 1991), via National Portrait Gallery, Canberra
Man skulle kunna hävda att Cave sjunger om den kreativa processen i allmänhet och potentialen för sårbarheter som följer med den. Han tar upp faran i kraften med charmiga människor med musik och konstnärliga uttryck. I sången tar Orpheus denna makt för långt och väcker guden ovan, som sedan tar ner honom till helvetet. Där möter han sin kärlek, Eurydice, och överger sin musik till förmån för familjelivet och dömer sig själv till sin personliga version av helvetet.
Denna lirlärka är till för fåglarna, sa Orfeus,
Det räcker att skicka dig fladdermöss.
Låt oss stanna här nere,
Eurydice, kära,
vi kommer att ha ett gäng skrikande brats.
Hur ironiskt och dyster det än låter, här drog Cave den starkaste parallellen mellan honom och Orpheus, som ligger bakom att varje musiker bär på ett fragment av myten inom sig.
2. Rhiannon: En walesisk gudinna som tar över Stevie Nicks
Stevie Nicks av Neal Preston , CA 1981, via Morrison Hotel Gallery, New York
Det finns ett manuskript från 1300-talet i biblioteket vid Oxford University som heter Den röda boken av Hergest , innehållande talrika walesiska dikter och prosastycken. Bland dessa skrifter inkluderar vi också Mabinogion, den äldsta kända samlingen av walesisk prosa, myter och sagor. En av de mest anmärkningsvärda och fängslande figurerna som nämns i denna antika text är en gudinna som heter Rhiannon.
När Stevie Nicks skrev den allmänt kända Fleetwood Macs hit, Rhiannon, hade hon aldrig tidigare hört talas om Mabinogion. Hon lärde känna karaktären Rhiannon när hon läste romanen Triad , skriven av Mary Leader. Romanen berättar en historia om en modern walesisk kvinna, besatt av sitt alter-ego som heter Rhiannon.
Hennes förvåning över namnet inspirerade Nicks att skriva en låt som beskrev hennes visualisering av Rhiannon. Intressant nog föll Stevies version av karaktären mer i linje med mytologin bakom gudinnan från Mabinogions bok. I den antika texten beskrivs Rhiannon som en fantastisk och magisk kvinna som flyr från sitt otillfredsställande äktenskap in i armarna på en walesisk prins.
Fleetwood Mac av Norman Seeff , CA 1978, via Morrison Hotel Gallery, New York
Nicks Rhiannon är lika vild och fri, en förkroppsligande av all musik som betydde för henne personligen. Viktigt är också elementet av sjungande fåglar som, för Stevie, representerar frihet från livets smärtor och plågor. I den skriver hon:
Hon styr sitt liv som en fågel på flykt
Och vem blir hennes älskare?
Hela ditt liv har du aldrig sett
Kvinna tagen av vinden
Denna legend om Rhiannon handlar om fåglarnas sång som tar bort smärtan och lindrar lidande. Det är vad musik är för mig.- ( Stevie Nicks , 1980)
Fåglarna kan också hittas mellan raderna i den walesiska myten. Gudinnan har tre fåglar bredvid sig som väcker de döda på hennes befallning och lägger de levande i sömn.
Efter att ha skrivit låten fick Nicks reda på myten och de kusliga likheterna mellan de två versionerna av Rhiannon. Snart började hon kanalisera den magin i sina liveframträdanden av låten. På scenen var Stevie kraftfull, hisnande och gåtfull, till synes belägrad av gudinnans otämjda ande. Genom att använda inflytandet från sitt musikaliska uttryck lyckades Stevie Nicks härleda Rhiannons uråldriga kraft till den moderna musikvärlden.
3. Gud och kärlek: Den oförbryllade Cohen som komponerar Hallelujah
David ger Uria ett brev till Joab av Pieter Lastman , 1619, via The Leiden Collection
På hebreiska talar Halleluja om att glädjas över lovprisningen av Gud. Ordet förekommer först i kung Davids psalmer, som utgör en serie på 150 kompositioner. Känd som musiker, snubblade han över ett ackord som kan bära Hallelujas kraft. Frågan är vad egentligen Halleluja är?
Cohens Halleluja klarar tidens tand som hans mest kända kärlekssång, till och med utropad av många som en av de vackraste och ärligaste kärlekssångerna i modern musiks historia. Det framstår verkligen som den mest uppenbara blandningen av kärlek och religion i hans karriär. Hans musikaliska opus svämmar över av religiösa referenser, men ingen låt skulle någonsin kunna mäta sig med andan och budskapet i Halleluja .
I själva kärnan av låten erbjuder Cohen sin tolkning av den hebreiska frasen. Många fortsätter att ständigt söka efter ordets sanna betydelse och vad det verkligen representerar. Här kliver Cohen in och försöker förklara vilken betydelse denna fras har för honom. Men det hela faller hårt och tungt genom hela texten i denna bittra klagan. Han talar till sin älskare och alla som söker efter det hemliga ackordet. Upplösningen finns inom, och innebörden finns någonstans långt bortom musik och ord.
Simson av Valentin de Boulogne , ca 1630, via The Cleveland Museum of Art
Han använder en referens till kung David och Batseba, liksom Simson och Delila. Bland orden jämför han sig själv med David genom handlingen att jaga en kvinna som han inte kan ha.
Din tro var stark, men du behövde bevis
Du såg henne bada på taket
Hennes skönhet och månskenet störtade dig
Efter att ha sett Batseba badande skickade David iväg sin man i krig i hopp om hans död. På det sättet skulle Batseba tillhöra honom.
Cohen drog också paralleller mellan honom och Simson , en annan biblisk figur. I denna metafor uppmärksammar han den oundvikliga sårbarhet som kommer med kärlek. Simson blir förrådd av Delila, kvinnan han älskar och som han offrade allt för. I sin kärlek till henne berättar han för henne om källan till hans styrka - hans hår. Hon klipper sedan av håret medan han sover.
Hon band dig
Till en köksstol
Hon bröt din tron och hon klippte ditt hår
Och från dina läppar ritade hon Hallelujah
Cohen sjunger hur Delilah bröt sin tron. Simson var ingen kung; därför symboliserar tronen hans känsla av självvärde. Hon bröt honom tills han inte hade något kvar, och först i det ögonblicket kunde han gripa den renaste formen av Halleluja.
Porträtt av Leonard Cohen , via MAC Montreal Exhibition
Båda berättelserna talar om män brutna av kärlek, och Cohen porträtterar sig själv direkt i det konceptet. Genom att anpassa dessa berättelser från Gamla testamentet återuppväcker han en kraftfull insikt från en biblisk berättelse i modern musik.
Och även om
Allt gick fel
Jag ska stå inför sångens Herre
Med inget annat på tungan än Halleluja
Här förkunnar han att han är villig att försöka igen. Cohen vägrar att ge upp, behåller sin tro, både i kärlek och Gud själv. För honom är det oviktigt om det är ett heligt eller ett trasigt Halleluja. Han vet att han kommer att möta båda, gång på gång.
4. Slutet på en era i modern musik
Adam och Eva av Albrecht Dürer , 1504, via The Metropolitan Museum of Art, New York
En gammal tro säger att svanar, när de står inför dödens närhet, sjunger den vackraste sången efter en livstid av tystnad. Ur detta kom en metafor av svanesången till, som definierade en sista uttryckshandling strax före döden. 2016, några månader före sin död, skanderade David Bowie, en kameleont i modern musik, ut sin hemska svanesång med släppet av sitt album Svart stjärna .
I ett album som är vanligt med experimentell jazz kombinerar Bowie minnesvärt rädslan från svunna tider med modern musik. Han är mycket medveten om närheten till hans död och accepterar dess oundviklighet. Han vet att den här gången är hans öde ur hans händer. I videon för Svart stjärna , han har ögonbindel med bandage, vilket anspelar på det faktum att historiskt sett bärs ögonbindel av dem som står inför avrättning.
I Villan Ormen
I Villan i Ormen
Står ett ensamt ljus
I centrum av det hela
David Bowie av Lord Snowdon , 1978, via National Portrait Gallery, London
På svenska står ordet Ormen för en orm. I Christian teologi, en orm frestar Eva att äta från Kunskapens träd . Denna handling leder till mänsklighetens fall, där Gud förvisar Adam och Eva från paradisets evighet till jordelivet.
Bowie har aldrig varit religiös, och det ändrades inte med Svart stjärna . Orden som han lämnade efter sig kan läsas som hans utforskning av begreppet dödlighet på ett sätt som ses i religionen. Han använder också Kristus-liknande bilder genom hela sången och videon.
Något hände dagen han dog
Spirit reste sig en meter och steg åt sidan
Någon annan tog hans plats och grät tappert
Jag är en Blackstar
Bowie utför en optimistisk sista akt genom att omfamna sin dödlighet och finna räddning i vetskapen om att en annan stor artist kommer efter hans död. Ännu en briljant Blackstar. Hans återfödelse kommer i form av att påverka och inspirera andra, fullt medveten och nöjd, med det faktum att hans odödlighet finns kvar genom hans oefterhärmliga arv.