Richard Serra: The Steely-Eyed Sculptor

Richard Serra styr tid och rum sömlöst genom stålskulptur. Från sin hembygds stadsbild i San Francisco till avlägsna områden i Nya Zeeland har konstnären befolkat pittoreska panoramabilder över hela världen med sina formidabla installationer. Hans kraftfulla personlighet fortsätter att väcka jämförbar nyfikenhet.

Richard Serras tidiga liv

Richard Serra , 2005, Guggenheim Bilbao

Richard Serra växte upp en fri ande i San Francisco under 1930-talet. När han frossade bland sanddynerna på sin egen bakgård, exponerades han inte mycket för konst tidigt i livet. Han tillbringade tid med sin invandrarfar från arbetarklassen, en rörmontör på ett lokalt marinvarv. Serra minns ett av sina första minnen på basen när han bevittnade en oljetankers sjösättning, där han omedelbart blev förtrollad av sin stora omgivning. Där tittade han längtansfullt på fartygets skrov och beundrade dess robusta kurva medan det susade i vattnet. Allt det råmaterial jag behövde finns i detta minnes reserv, hävdade Serra på sin höga ålder. Detta äventyr stärkte i slutändan hans självförtroende tillräckligt för att börja rita och experimentera med hans häftiga fantasi. Senare i livet skulle han återvända till dessa fascinationer genom uppenbara anspelningar på sina dagar tillsammans med sin far på Marine Shipyard i San Francisco.

Där han tränade

Interaktion av färg förbi Josef Albers , publicerad 1963, Yale University Press

Kalifornien fungerade på samma sätt som hemmabas under hela hans tidiga träning i slutet av 1950-talet. Serra tog en engelsk examen från UC Berkeley innan han flyttade till Santa Barbara campus, där han tog examen 1961. Hans intresse för konst ökade särskilt när han gick i Santa Barbara, med tanke på hans studier under de kända skulptörerna Howard Warshaw och Rico Lebrun. Därefter erhöll han sin M.F.A. från Yale, under vilken han träffade samtida Chuck Close, Brice Marden och Nancy Graves. (Han ansåg dem alla mycket mer avancerade än han själv.) På Yale tog Serra också stor inspiration från sina lärare, främst den världsberömde abstrakta målaren Josef Albers. 1963 stimulerade Albers Serras kreativitet genom att begära att han skulle granska sin sakkunnig. Interaktion av färg, en bok om undervisning i färglära. Samtidigt arbetade han också tröttsamt på stålverk för att försörja sig själv under hela sin utbildningstid. Denna unika sysselsättning skulle lägga grunden för Serras välmående skulpturkarriär.

Big Femme III av Alberto Giacometti 1960, och Delat hörn: Square av Richard Serra , 2013, gemensam utställning av Gagosian Galleries och Fondation Beyeler, Basel

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

1964 fick Serra ett Yale Traveling Fellowship för att studera utomlands i Paris i ett år. Genom att hålla kontakten med sina klasskamrater hemifrån fick han också en enkel introduktion till stadens samtida sfär. Hans blivande fru Nancy Graves hade presenterat honom för kompositören Phil Glass, som tillbringade tid med dirigenten Nadia Boulanger. Tillsammans besökte gruppen Paris legendariska intellektuella vattenhål, Kupolen , där Serra först träffade den schweiziske skulptören Alberto Giacometti. Han upptäckte snart en ännu värdigare källa till inflytande. På National Museum of Modern Art tillbringade Serra timmar med att skissa grova idéer i den avlidne skulptören Constantin Brancusis rekonstruerade studio. Han tog också livliga teckningskurser på Academy of the Grande Chaumière , dock råder få reliker från denna tidsperiod. Omgiven av nya medier vaknade konstnären kreativt i Paris och lärde sig på egen hand hur elegant en skulptur kan diktera det fysiska rummet.

Hans första misslyckade solo-show

Broschyr för Solo-show på La Salita Gallery av Richard Serra , 1966, SVA Arkiv

Ett Fulbright-stipendium tog Richard Serra till Florens 1965. I Italien lovade han att helt överge måleriet, istället rikta sin uppmärksamhet mot skulptering på heltid. Serra spårar sin exakta förvandling till när han besökte Spanien och snubblade över guldålderns mästare Diego Velazquez och hans ikoniska Las Meninas . Från och med då beslutade han sig för att undvika komplex symbolik, oroad över materialitet, och mindre så med tvådimensionella illusioner. Hans efterföljande skapelser kallade assemblages, bestod av trä, levande djur och taxidermi, ställda intill för att framkalla extrema känslomässiga reaktioner. Och Serra gjorde just det när han ställde ut dessa burprovokationer under sin första soloutställning någonsin på galleriet i Rom Vardagsrummet 1966. Inte bara gjorde det Tid Skriv en svidande recension av det hemska debaclet, men offentlig upprördhet från lokala italienska artister visade sig också vara för mycket för Rom att bära. Den lokala polisen stängde ner La Salita snabbare än vad Richard Serra orsakade hans mycket publicerade uppståndelse.

När han flyttade tillbaka till USA

Verblista av Richard Serra 1967-68, MoMA

New York träffade Richard Serra med mer entusiasm senare samma år. Han bosatte sig på Manhattan och värmde snabbt upp till stadens avantgardescen, då dominerad av minimalister som legitimerade skulptur som i sig värdefull, oavsett dess förmåga att uttrycka sina inre elände. Faktum är att föregångaren Robert Morris till och med bjöd in Serra att delta i en minimalistisk gruppshow kl Leo Castelli Gallery ; och han stödde sitt verk tillsammans med inflytelserika röster som Donald Judd och Och Flavin. Det konstnären saknade i proportionerlig glitter tog han dock igen i svindlande grus. Som Serra sa själv, skilde sig hans arbete i grunden från sina kamrater eftersom han ville det gå ner och smutsa ner. För att sticka ut från mängden myntade han sedan en nu legendarisk litania av intransitiva verb med titeln Bländande , klottrade med manuella åtgärder som att dela, att rulla och att kroka. Denna Process Art-prekursor skulle också fungera som en enkel plan för Serras lukrativa karriär som kommer.

Första 1960-talsskulpturer

One Ton Prop förbi Richard Serra 1969, MoMA

För att testa sin experimentella filosofi vände Serra sig till eklektiska material som bly, glasfiber och gummi. Hans multimediamiljö hade också djupt påverkat hans syn på skulptur, särskilt dess benägenhet att driva tittare bortom en målnings visuella gränser. Mellan 1968 och 1970 skapade Serra en ny skulpturserie, Stänk , genom att hälla smält bly över ett hörn där hans vägg och golv krockade. Så småningom fångade hans rännor den hängivna Jasper Johns uppmärksamhet, som sedan bad honom att återskapa sin serie i John's Houston Street-studio. Samma år avslöjade Serra också sin berömda One Ton Prop , en fyrpläterad bly- och legeringsstruktur staplad för att likna ett instabilt korthus. Även om det verkade kunna kollapsa var det i själva verket fristående. Man kunde se igenom den, titta in i den, gå runt den, kommenterade Richard Serra om sin tänkta geometriska produkt. Det går inte att komma runt det. Det här är en skulptur.

1970-talets platsspecifika förändring

Flytta av Richard Serra 1970-1972

Richard Serra nådde mognad under 1970-talet. Hans första metodologiska divergens går tillbaka till när han hjälpte Robert Smithsonian med Spiral Jetty (1970), en virvel konstruerad av sex tusen ton svarta stenar. Serra gick framåt och övervägde skulptur som relaterad till platsspecificitet, och funderade över hur fysiskt utrymme korsar medium och rörelse. Provocerar en känsla av gravitation, vitalitet och massa, hans skulptur från 1972 Flytta visar bäst denna avvikelse mot storskaliga utomhusarbeten. Ändå skapades de flesta av dessa tidiga arketyper inte i USA. I Kanada installerade Serra sex betongplattor på konstsamlaren Roger Davidsons gård för att accentuera dess karga landskaps konturer och sicksack. Sedan, 1973, installerade han sin asymmetriska skulptur Snurra ut på Kröller-Muller Museum i Nederländerna. Stålplåtstrion tvingade förbipasserande att pausa, reflektera och flytta för att uppfatta det korrekt. Från Tyskland till Pittsburgh, Richard Serra rundade sitt decennium med betydande framgångar runt om i världen.

Varför Richard Serra orsakade kontroverser

Lutad båge av Richard Serra , 1981

Men kontrovers drabbade honom på 1980-talet. Efter att ha åtnjutit ett positivt mottagande över hela USA, väckte Serra uppståndelse på sina Manhattan-tomter 1981. Beställd som en del av en U.S. General Services Art-in-Architecture initiativ, installerade han en 12 fot hög, 15 ton stålskulptur, Lutad båge , dissekera New Yorks Federal Plaza i två alternativa halvor. Istället för att fokusera på optiskt avstånd, försökte Serra helt förändra hur fotgängare navigerade på torget, och med tvång eliminerade trögheten för att driva på aktivitet. Offentliga protester undvek omedelbart intrånget på en redan hektisk morgonpendling, men krävde att skulpturen skulle tas bort innan Serra ens slutfört bygget. Tilted Arc's internationell granskning pressade oundvikligen Manhattans kommunala regering att hålla offentliga utfrågningar om att avgöra dess öde 1985. Richard Serra vittnade övertygande om skulpturens eviga sammanflätning med dess omgivning och proklamerade sitt mest kända citat hittills: att ta bort verket är att förstöra det.

Tilted Arc Defense Fund förbi Richard Serra , 1985, Foundation For Contemporary Arts, New York City

Tyvärr kunde inte ens ett övertygande axiom få New York-bor att få blod. Trots att Serra stämt U.S. General Services, fastställdes upphovsrättslagen Lutad båge tillhörde regeringen och bör således hanteras därefter. Lagerarbetare demonterade följaktligen hans beryktade platta 1989 för att transportera till utomstatligt lager, för att aldrig återuppstå igen. Serras debacle väckte ändå större frågor inombords offentlig konsts kritiska diskurs , främst vad gäller tittarnas deltagande. Vem är publiken för en utomhusskulptur? Kritiker ansåg att föremål tillverkade för offentliga torg, kommunala parker och minnesplatser borde ta ansvar för att förbättra ett visst samhälle, inte avbryta det. Supportrar upprätthöll ett konstverks plikt att vara djärv och oförlåtande. Medan han omprövade sin publiks socioekonomiska, utbildningsmässiga och etniska variationer, kom Serra ur händelsen med en tydligare uppfattning om exakt vem han skulle skapa konst för. Han gav sig sedan iväg för att särskilja sin nya repertoar under de följande decennierna.

Nya skulpturer

Torqued Ellipse förbi Richard Serra , 1996, Guggenheim Bilbao

Richard Serra fortsatte att skapa storskaliga Cor-Ten stålskulpturer under 1990-talet. 1991 bjöd Storm King in honom att pryda deras egendom med Schunnemunk Fork, fyra stålplåtar bland läckra böljande kullar. Serra tog också ökande impulser från japanska Zen Gardens under denna period, fascinerad av begreppet skulptur som ett oändligt spel av kurragömma, som aldrig kan förstås vid första anblicken. Likaså hans 1994 Orm dekorerade Guggenheim Bilbao med serpentinvägar smidda av stål, vilket uppmuntrade tittarna att slingra sig negativt utrymme. Mellan monumentala bågar, svindlande spiraler och runda ellipser reformerade Serra också sina strukturella utsikter. Hans konstnärliga vokabulär svämmade över av kurvlinjära former medan han sökte igenom sina italienska minnen och utarbetade en ny Torqued Ellipse (1996) serier. Double Torqued Ellipse , hans mest populära, motverkar romerska kyrkan San Carlo alle Quattro Fontanes kantiga fasad genom att innesluta åskådare i en flytande, cirkulär behållare. Nyfunnen lugn skapade Serras banbrytande skulpturala oas.

Joe förbi Richard Serra , 2000, Pulitzer Art Foundation, St. Louis

Byggande på momentum från hans väl mottagna ellipser, formade Serras stärkta instinkter hans praktik under 2000-talet. Han började sitt decennium med en spin-off-serie Vridna spiraler, invigdes genom en elliptisk skulptur i valsat stål tillägnad Joseph Pulitzer. Kontrasterande glada blå himmel med hans mediums lynniga färgpalett, Joe (2000) inkapslade en autonom värld inom Pulitzer Art Foundation, utsatt för ebb och flod i vardagen. 2005 återvände Serra till sitt hemland San Francisco för att installera sin allra första offentliga skulptur i staden, Ballast. Samma år firades också Guggenheim Bilbao Frågan om tid, en permanent utställning som visar Serras sju ellipser. Där åberopade slingrande passager bristande säkerhet hos utsatta målgrupper, och förrådde logiken trots en till synes stabil konstruktion. Sedan dess har han också aktualiserats skulpturer i Qatar, och firade roterande utställningar på blue-chip gallerier som Gagosisk. Hans samtida karriär består idag även vid 80 års ålder.

Vad är Richard Serras kulturella arv?

Richard Serra bredvid sin lutande båge förbi Arthur Mones , 1988, Brooklyn Museum

Nu anses Richard Serra allmänt vara en av USA:s största skulptörer från 1900-talet. Både konstnärer och arkitekter citerar honom som motivation för att ständigt driva offentlig installation till avantgardets framkant, och ping-pong dess syfte från institutionell till utilitaristisk. Men trots kritisk framgång tror vissa feministiska historiker att Serras macho bravader är en patriarkal prototyp av USA efter kriget. Efterföljande modernistiska banbrytare, som Judy Chicago, avvisade dessa maskulina ideal som föråldrade, och omplacerade skulpturer för att verka imponerande trots användningen av storslagna material. Trots motgångar från efterföljande generationer är Serras framstående showpieces fortfarande svåra att ignorera, en direkt, påtaglig biprodukt av hans mäktiga konstnärliga närvaro. Tittare över hela världen vandrar i dessa meditativa helgedomar varje dag i hopp om att förstå hans komplexa geni igen och minnas vår kroppslighet med uppfriskande insikter varje gång. Richard Serra tornar upp sig som ett lockande bevis på konsten som en samhällelig funktion, sublim men aldrig helt statisk, för alltid frammanande det extraordinära.