8 kända konstverk från Young British Artist Movement (YBA)
Den fysiska omöjligheten av döden i sinnet på någon som lever av Damien Hirst, 1991 (vänster); med Bevara 'skönhet' av Anya Gallaccio, 1991 – 2003 (mitten); och Den heliga jungfru Maria av Chris Ofili, 1996 (höger)
The Young British Artists (YBA) är en grupp unga konstnärer som växte fram på 1980-talet. Damien Hirst , Tracey Emin ,och Garry Hume är bara tre av namnen som blev kända under rörelsens gång. Det har aldrig funnits något manifest eller officiell sammanslutning av Young British Artists. Det var snarare yttre omständigheter och ett konstnärligt samförstånd som förenade gruppen. Många av de unga brittiska konstnärerna studerade vid Londons Goldsmith College och ställde ut sina verk i Saatchi Gallery of konstsamlaren Charles Saatchi . Den så kallade Freeze-utställningen, kurerad av den då 22-årige konststudenten Damien Hirst, nämns ur dagens perspektiv ofta som gruppens födelse.
Young British Artist Movement (YBAM): Syftet med provokation
Den konstnärliga konsensus från Young British Artist Movement var en gemensam vilja att provocera. Med djurkadaver, pornografi och konstverk gjorda av vardagsföremål och fyndmaterial positionerade sig konstnärerna politiskt – både inom ett konservativt samhälle och inom 1980- och 1990-talens konstvärld. En annan viktig aspekt av bildandet av YBAM är dess entreprenöriella inställning till att visa och marknadsföra sitt arbete. Att det låg mer än ren provokation bakom de postmoderna verken bevisades inte minst av nomineringar och utdelningen av det omtalade Turnerpriset till flera YBA:er.
Här presenterar vi 8 kända konstverk av Young British Artists.
1. Damien Hirst, Dödens fysiska omöjligheter i sinnet på någon som lever (1991)
Dödens fysiska omöjligheter i någon som lever av Damien Hirst , 1991, via The Independent
Damien Hirsts Dödens fysiska omöjligheter i någon som lever (1991) även känd som The Shark är förmodligen YBA-gruppens mest kända konstverk. När den unga konstnären skapade verket 1991 chockade han många tittare. Konstverket visar en tigerhaj i formaldehyd. Verket visar döden på ett okonventionellt och explicit sätt. Som titeln redan antyder hänvisar Damien Hirst också betraktaren till sin egen död, eller snarare till omöjligheten att föreställa sig sin egen död – även med ett dött djur framför sig.
Gillar du den här artikeln?
Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration
Tack!
Den fysiska omöjligheten av döden i sinnet på någon som lever av Damien Hirst , 1991, via Fineartmultiple
Det är i denna mening som tigerhajen, trots kunskapen om den, inte nödvändigtvis verkar vara död, utan på sätt och vis också levande. Efter att hajen började sönderfalla efter mer än ett decennium fick djuret bytas ut 2006. Med utbytet av djuret och genom att ändra konstverket väckte konstnären frågor om ett konstverks originalitet.
2. Tracey Emin, Min säng (1998)
Min säng av Tracey Emin , 1998, via Christie's
Min säng (1998) är ett verk av konstnären Tracey Emin som har skapat en hel del kontroverser. Med verket, som ställdes ut på Tate Gallery 1999, tog Tracey Emin in sin egen säng i sitt ursprungliga skick i ett gallerirum. Detta efter att hon enligt egen utsago tillbringat fyra dagar i denna säng under den depressiva fasen av ett uppbrott och inte konsumerat annat än alkohol. Tomma spritflaskor, använda kondomer och smutsiga underkläder samlades runt sängen. Min säng är ett typiskt provocerande och personligt verk av konstnären. När verket nominerades till Turnerpriset 1999 skapade det en kontroversiell debatt i brittisk media.
Provocationen av verket kulminerade i en handling av japanska performancekonstnärer Cai Yuan och Jian Jun Xi , som engagerade sig i ett kuddslagsmål i Emins säng under utställningen. Arbetet Min säng inte bara vände upp och ner på den konventionella föreställningen om ett konstverk genom att använda vardagliga material. Det utmanade också den klassiska föreställningen om 'lämpligt' beteende hos en ung kvinna på 1990-talet på ett postmodernt sätt.
3. Tracey Emin, Alla jag någonsin har legat med 1963 – 1995 (nittonhundranittiofem)
Alla jag någonsin har legat med 1963 – 1995 av Tracey Emin , 1995, via Widewalls
Alla jag någonsin har legat med 1963 – 1995 (1995) är ett annat verk av konstnären Tracey Emin. Verket bestod av ett tält där konstnären publicerade alla namn på personer som hon någonsin legat med fram till 1995, i sexuell och även i icke-sexuell mening. Totalt hittades 102 namn i tältet.
Konstnären förklarade sitt arbete på följande sätt: Vissa hade jag haft en shag med i sängen eller mot en vägg, andra hade jag precis sovit med, som min mormor. Jag brukade ligga i hennes säng och hålla hennes hand. Vi brukade lyssna på radio tillsammans och nicka till sömns. Du gör inte det med någon du inte älskar och inte bryr dig om. Den berömda konsthandlaren och galleristen Charles Saatchi köpte verket då. När Saatchis lager brann ner 2004 förstördes konstverket tillsammans med andra.
4. Michael Landy, Marknadsföra (1990)
Marknadsföra av Michael Landy , 1990, via Thomas Dane Gallery, London
Installationen Market (1990) av konstnär Michael Landy , en av de unga brittiska konstnärerna, är ett samhällskritiskt verk. Till konstverket arrangerade Michael Landy delar av typiska London marknadsstånd med konstgräs i en utställningslokal. Med sin installation hänvisade konstnären till utrotningen av typiska London-matmarknader och en tradition av individuell försäljning och köp av livsmedelsprodukter. Utställningsutrymmet där installation ursprungligen ställdes ut illustrerar återigen denna tematiska referens: Landy ställde ut sitt verk Marknadsföra 1990 i en gammal kakfabrik. Även om även i detta fall utställningen av vardagliga material som konst kan ses som formkritisk, mötte denna installation långt mer förståelse från allmänheten än till exempel konstnären Tracey Emins feministiska konstverk.
5. Anya Gallaccio, Bevara 'skönhet' (1991–2003)
Bevara 'skönhet' av Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, London
Arbetet Bevara (skönhet) av konstnär Anya Gallaccio har också ett feministiskt och kritiskt-emancipatoriskt förhållningssätt. Hundratals vackra röda blommor invävda i en matta av blommor – så här dök Anya Gallaccios installation upp för första gången i hennes första utställning i Karsten Schubert Gallery på 1990-talet. Genom att ställa ut sitt installationsobjekt exponerade konstnären blommorna för förfall och anspelade därmed uttryckligen på vanitastemat i konsthistorien. Med tiden blev blommornas förfall både synligt för besökarna på galleriet och märkbart för dem via en unken lukt. Verket skildrar ett tidsmässigt förfall i realtid, som Renässansmålningar i ämnet kunde bara föreslå. Med Bevara (skönhet) , hänvisar konstnären också till mänskligt förfall och får åskådarna av hennes konstverk att tänka på sin egen förfallsprocess.
6. Angus Fairhurst, Pietà (första versionen) (nitton nittiosex)
Pietà (första versionen) av Angus Fairhurst , 1996, via Tate, London
Även om de unga brittiska konstnärerna regelbundet lät ut gränserna för tidigare existerande konst med sin konst, var deras konstverk inte helt fristående från traditionell konst. Anya Gallacios Bevara (skönhet) redan bevisat detta och Angus Fairhursts Medkänsla (1996) visar också detta.
Pietà är känt som ett klassiskt religiöst motiv i konsthistorien, som har använts i verk av en mängd olika konstnärer genom århundradena. Med sitt självutlösarfotografi leker även konstnären Angus Fairhurst med detta motiv. Naken som Jesus ligger han dock inte i den heliga moderns armar, utan i knäet på en utklädd gorilla. I denna ensemble fungerar självutlösarens synliga kabel som ett tekniskt tecken på livlighet, medan konstnärens slutna ögon är tänkta att förmedla livlöshet. Gorillan är ett återkommande motiv i Fairhursts verk.
7. Jenny Saville, Planen (1993)
Planen av Jenny Saville , 1993, via Art Market Monitor
Målningen Planen (1993) av konstnär Jenny Saville rör sig i ett spänningsfält mellan klassisk teknik och moderna kroppsbilder. I sin målning ser Saville ner på betraktaren och förvandlar genom att applicera topografiska linjer hennes kropp till en karta som betraktaren kan utforska genom att titta på målningen. Det som betraktaren ser är inte på något sätt polerat och perfekt som många är vana vid att se i måleriet. Istället visar kroppen på bilden mjuka former och bucklor. Konstsamlaren Charles Saatchi fick kännedom om målaren på 1990-talet, köpte alla hennes målningar som presenterades på en utställning i Edinburgh och tog henne sedan under ett 18-månaderskontrakt för att ge henne möjlighet att måla nya bilder.
8. Chris Ofili, Den heliga jungfru Maria (nitton nittiosex)
Den heliga jungfru Maria av Chris Ofili , 1996, via MoMA, New York
Chris Ofili s arbete Den heliga jungfru Maria (1996) var en av de mest kontroversiella i den så kallade Sensations-utställningen av Young British Artists 1997. Det är en representation av den heliga jungfru Maria, ett multimediaverk gjord av ganska profana material: glitter, bilder från pop kultur och ett bröst bildat av elefantdynga. Du kan föreställa dig: det senare ansågs vara respektlöst av många tittare och kritiker. Konstnären Chris Ofili, å sin sida, försvarade integreringen av detta material i sin målning genom att säga att elefantdynga i Zimbabwe, där Ofili tillbringade ett studiebesök, står för fertilitet.
Sammanfattning av den unga brittiska artiströrelsen
Bevara 'skönhet' av Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, London
Okonventionellt och provocerande men också uttryckligen politiskt – så kan man kort sammanfatta Young British Artists (YBA) arbete. Detta urval av åtta konstnärer gör det tydligt att alla deltagare i denna postmoderna konstnärsrörelse hade sitt unika förhållningssätt, och ändå råder det enighet bland dem.