Barnett Newman: Andlighet i modern konst

Barnett Newman var en amerikansk målare som arbetade under mitten av 1900-talet. Han är mest känd för sina målningar med långa vertikala linjer, som Newman kallade blixtlås. Förutom att överbrygga klyftan mellan abstrakt expressionism och målning med hårda kanter, involverar Newmans verk en djup känsla av andlighet som skiljer honom från andra målare på den tiden. Läs vidare för att lära dig mer om den berömda konstnären.

Barnett Newman och abstrakt expressionism

Onement, I av Barnett Newman , 1948, via MoMA, New York

Barnett Newman s mogna målningar kan identifieras av platta rutor i enfärgade, skurna med tunna, vertikala ränder. Newman kom till denna stil relativt sent i sin karriär, som började på ett prototypiskt sätt i slutet av 1940-talet och blev mer fullt utvecklad i början av 50-talet. Innan detta arbetade Newman i en surrealistiskt angränsande stil jämförbar med några av hans samtida, som t.ex. Arshile Gorky och Adpolh Gottlieb , med löst tecknade, improvisationsformer spretande över ytan. Efter att ha upptäckt kompositionskraften hos dessa nya zip-målningar, skulle de helt dominera Newmans praktik för resten av hans liv.

Det första stycket där Newman målade en vertikal linje från toppen till botten av sin duk var Onement, I från 1948. Detta verk behåller den måleriska touchen från Newmans tidigare verk, som skulle minska under de kommande åren. Bara fyra år senare, in Onement, V kanterna har stramats åt betydligt och färgen har plattats till. Under hela 50-talet skulle Newmans teknik bli ännu skarpare och mer exakt geometrisk, grundligt hårdkantad i slutet av det decenniet. En sak är säker, Newman överbryggade klyftan mellan abstrakt expressionism och målning med hårda kanter.

Onement, V av Barnett Newman , 1952, via Christie's

Utseendet på Newmans verk från 1950-talet och framåt komplicerar hans verks förhållande till den konstnärliga trenden. Abstrakt expressionism , som han ofta identifieras med. Men är Newman verkligen en konstnär kopplad till abstrakt expressionism? Termen 'expressionism' är inte nödvändigtvis relevant för Newmans verk, åtminstone vad gäller dess typiska betydelse i konsten. Dessa abstrakta målningar har förvisso en känslomässig dimension, men saknar den spontanitet, intuition och kraft som förknippas med abstrakt expressionistiskt måleri. Newman skulle minska synligheten av den mänskliga beröringen i sina målningar allt eftersom hans karriär fortskred.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Som ett resultat är mycket av det arbete som Newman producerade från 1950-talet fram till sin död svår att betrakta som enbart abstrakt expressionism. Med dessa målningar spår Newman mitten av seklet abstrakt konst , som går från mer uttrycksfulla tendenser till en negation av verket som ett konstgjort objekt. Newman förfinar dock alltid sitt tillvägagångssätt till denna enda komposition: En fast grund, delad med dragkedjor.

Andligheten i Newmans verk

En ädel heroisk man av Barnett Newman , 1950-51, via MoMA, New York

När de går bortom sina formella egenskaper och istället talar om syftet och effekten av Barnett Newmans målningar, är de lika nära besläktade med bysantinsk och Renässans religiös konst om Newmans samtidas verk. En parallell kan också dras till Romantisk 1800-talets målare, som t.ex Caspar David Friedrich , och deras strävan efter det sublima genom naturen. Faktum är att Newmans platta färgvidder försökte framkalla en känsla av andlig vördnad, men naturligtvis på något annat sätt än förmoderna målare av religiösa scener, eller genom romantikernas konventionella representationer av den naturliga världen.

Newman själv förklarade denna skillnad mycket väl när han skrev att en önskan att förstöra skönhet var modernismens hjärta. Det vill säga en spänning mellan ett uttryck och dess förmedling i iakttagande av estetisk skönhet. I praktiken betyder detta att Newman tog bort alla hinder för och ombud för andliga, sublim erfarenhet, för att driva sin konst så nära en egen andlig upplevelse som möjligt. Figurer eller representationer av något slag är övergivna i Newmans verk; symboler och berättelser är onödiga, eller till och med skadliga, för att uppnå närhet till gud. Snarare såg Newmans föreställning om det sublima uppfyllelse i förstörelsen av representation och referenser till verkligt liv. För honom var det sublima endast tillgängligt genom sinnet.

Moment av Barnett Newman , 1946, via Tate, London

I en intervju med konstkritikern David Sylvester 1965 beskrev Barnett Newman det tillstånd som han hoppades att hans målningar skulle framkalla hos betraktaren: Målningen bör ge människan en känsla av plats: att han vet att han är där, så han är medveten om sig själv. I den meningen relaterar han till mig när jag gjorde målningen eftersom jag var där... För mig har den där känslan av plats inte bara en känsla av mystik utan också en känsla av metafysiska fakta. Jag har kommit att misstro det episodiska, och jag hoppas att min målning har effekten av att ge någon, som den gjorde mig, känslan av sin egen helhet, av sin egen separatitet, av sin egen individualitet och samtidigt av hans koppling till andra, som också är separata.

Barnett Newman var intresserad av målningens kraft att hjälpa en att räkna med sina egna existentiella förhållanden. Reduceringen av bilden kan alltså förstås som en negation av varje försök att förlora sig själv mitt i en falsk version av världen. Istället borde det föra tittaren djupare in i sig själv och sanningen om världen omkring dem.

Newman och avgudadyrkan

Första stationen av Barnett Newman , 1958, via National Gallery of Art, Washington

Barnett Newmans förhållningssätt till andlighet i konsten var och är särskiljande, drar starkt på modernismens innovationer och föregår utan tvekan ytterligare utvecklingar. Ändå övergav han inte den religiösa konstens historia i sin praktik; detta samband återfinns i titlarna på Newmans målningar. Många av hans verk är uppkallade efter bibliska figurer eller händelser, som serien Stations of the Cross.

Även om bitarna är abstrakta snarare än fantasifulla, är dessa titlar en rest av de narrativa och figurativa idéer som har informerat Newman och hans praktik. Dessa titlar hjälper Newman att upprätthålla en öppen koppling till andlighet, vilket placerar honom i den långa linjen av abrhamisk religiös konst. I en analys av Newman, konstkritikern Arthur Danto skrev :

Abstrakt målning är inte utan innehåll. Snarare möjliggör det presentation av innehåll utan bildmässiga begränsningar. Det är därför, från början, ansågs abstraktion av dess uppfinnare vara investerad med en andlig verklighet. Det var som om Newman hade hittat ett sätt att vara målare utan att bryta mot det andra budet, som förbjuder bilder.
(Danto, 2002)

Abraham av Barnett Newman , 1949, via MoMA, New York

I en mening har Barnett Newman löst frågan om avgudadyrkan genom att göra målningar på specifika bibliska teman som saknar representation. Även om Newman kanske inte skapar representativa bilder av de bibliska figurerna och berättelserna som hans titlar minns, är hans föremål i en annan mening en mycket större form av avgudadyrkan än representationsmålningar av bibliska figurer; Newman-målningar är föremål som är avsedda att komma åt det sublima och skapa en andlig upplevelse på sina egna villkor, vilket innebär att hans målningar blir föremål för dyrkan.

Barnett Newmans tillvägagångssätt här kan ställas i kontrast till religiösa traditioner där avgudadyrkan är förbjuden, såsom islam, där abstrakta, dekorativa mönster och kalibrering är vanliga konstformer. Newman rör sig helt specifikt förbi dessa målmedvetet intellektualiserade abstraktioner av språket för att eftersträva en estetik närmare de första männens fullt känslomässiga uttryck. Som Newman uttrycker det : Människans första uttryck, liksom hennes första dröm, var ett estetiskt uttryck. Tal var ett poetiskt ramaskri snarare än ett krav på kommunikation. Den ursprungliga mannen, som ropade sina konsonanter, gjorde det i skrik av vördnad och ilska över sitt tragiska tillstånd, över sin egen självmedvetenhet och sin egen hjälplöshet inför tomrummet. Newman är intresserad av att hitta det mest väsentliga, grundläggande tillståndet i mänsklig existens och uttrycka det estetiskt. Detta är vad som leder honom till att reducera sina kompositioner så grundligt, tills bara några få segment av separerade färger återstår.

Barnett Newman: Faith in Painting, Faith in Humanity

Svart eld jag av Barnett Newman , 1961, via Christie's

Barnett Newmans behandling av måleriet som något med kraften att existentiellt lyfta och uppfylla skiljer honom från de flesta andra konstnärer från mitten av 1900-talet. Mitt i de dystra konsekvenserna av andra världskriget var många konstnärer oförmögna att upprätthålla mening på detta sätt, utan använde istället sitt arbete som ett sätt att bearbeta eller artikulera en ny, nihilistisk syn på världen. Som ett exempel på Newmans övertygelse om motsatsen sa han en gång: om mitt arbete förstods ordentligt skulle det vara slutet på statskapitalismen och totalitarismen. Det som var speciellt för Newman i detta klimat var hans förmåga att fortfarande investera konst med andlighet och ett genuint syfte trots världens omöjliga fasor.

Skönheten och styrkan i Barnett Newmans arbete är denna orubbliga självförtroende, som anlände vid en tidpunkt då något sådant aldrig var svårare att upprätthålla. Newman spekulerade en gång i ursprunget till detta nästan illusionsmässiga engagemang för konst: Vad är raison d'etre, vad är förklaringen till människans till synes vansinniga drivkraft att vara målare och poet om det inte är en akt av trots mot människans fall och ett påstående att han återvände till Adam i Edens lustgård? För artisterna är de första männen. (Newman, 1947) Trots djupet av mänsklighetens fall, eller skräcken i deras handlingar, kommer Newman alltid ihåg vad som kan vara. Genom att måla matar han denna vision och samlar modet att se andra känna den.