Bruce Nauman: Anti-Art Apostate

Hundra lever och dör , Bruce Nauman 1984, NY Times

Bruce Naumans kreativa geni har prytt alla tänkbara medium. Den kameleontliknande konstnären, som är allmänt känd för sina respektlösa ljusinstallationer, har ingen typisk stil, utan förvandlas till sitt material som om det vore förutbestämt. Från oroande skulptur till fotografi, video och teckning fortsätter Bruce Nauman idag att trotsa beskrivningen lika intensivt som hans tillkomst för sextio år sedan.

Bruce Naumans tidiga liv och arbete

Ofrälse, Bruce Nauman, 1965, SFMoMa

Naumans turbulenta barndom började på 1940-talets Fort Wayne, Indiana. Hans far var ingenjör, konstnären drev från en podunkstad i Mellanvästern till nästa, men passade aldrig riktigt in. Han visade väldigt lite intresse för bildkonst, men gynnade istället musikinstrument, ett tidigt bevis på hans mångsidighet i media. Under 1960-talet studerade han matematik och fysik med ett biämne i målning vid University of Wisconsin fram till sin examen 1964. Två år senare avslutade han sin MFA från UC Davis. Bland hans instruktörer fanns avantgardepionjärerna Manuel Neri, William T. Wiley och Robert Arneson, skulpturella icke-konformister som driver området genom en avslappnad och bred läroplan. Nauman beslutade sig också för att överge målningen helt och hållet medan han gick på Davis, och hävdade helt enkelt dess rikliga material kom i vägen. Smal med en dämpad färgpalett, hans sista duk Ofrälse (1965) påminner föga om det livfulla verk som konstnären är känd för idag.

Det sena 1960-talet markerade en experimentell tid för Bruce Nauman. Han skapade sina första glasfiberskulpturer 1965 och tog ett okonventionellt tillvägagångssätt för gjutning och formning. Med hjälp av polyesterharts skapade Nauman en Ofrälse serie som bedömer hans nya mediums fysiska potential, monokromatiska modeller gjutna två gånger i glasfiber. Eftersom den var baserad på en handgjord lerprototyp tog han också en stor risk att hantera dess bräcklighet. Hans chansning skulle dock oundvikligen löna sig. Nauman arbetade outtröttligt vid sin karriärs början på 1960-talet för att fokusera på en idé som han samtida konceptualister hade börjat postulera: kreativa tekniker ersatte slutresultat som en källa till betydelse. Jag var en konstnär och jag var i studion, då måste vad jag än gjorde i studion vara konst, Bruce Nauman en gång anmärkte om hans första år. Vid det laget blev konsten mer av en aktivitet och mindre av en produkt.

Hur processkonst inspirerade Nauman

Mitt namn som om det var skrivet på månens yta, Bruce Nauman , 1968, WikiArt

Nauman tillskriver en konstnärlig genre hyperfokuserad på metodik. Dubbade processkonst, stilen gynnar teknik framför efterverkningar, och ser manuellt arbete som kreativitet i sig själv. Många krediterar dess tillkomst till det monumentala ögonblicket Jackson Pollock droppade färg på en tom duk, även om processkonst går tillbaka till rötterna i Dadaism. Istället för att fixera vid slutresultat, njuter processartister av deras medias fysiska karaktär och njuter av en rutin från början till slut. Montering, klassificering och mönstring var alla lika viktiga aspekter för att skapa ett mästerverk. Reduplikering var särskilt viktig genom hela Naumans mixade mediaarbete under slutet av 1960- och 1970-talen. Liknar forskaren Marshall McLuhans berömd fras, hans medium var verkligen hans budskap. Nauman formulerade tusentals nyanserade berättelser genom ljus-, video- och ljudinstallationer, samtidigt som han undersökte sin konstnärliga roll medan han fullgjorde den.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Naumans första New York-utställning

Neonmallar av den vänstra halvan av min kropp tagna med tio tums mellanrum , Bruce Nauman, 1966

Leo Castelli Gallery var värd för Nauman's första New York-utställningen 1968. Han fyllde det lilla utrymmet med sina nyfunna experiment och visade upp rudimentära ljus- och videoinstallationer för att demonstrera sin konstnärliga skicklighet, som hans nu berömda Neonmallar av den vänstra halvan av min kropp tagna med tio tums mellanrum (1966). Hur mycket tro Castelli än hade för honom, mötte kritiker dock hans arbete med blandade recensioner. Europeiska curatorer visade en stark samhörighet med Nauman sedan starten. Dissidenter i Amerika, särskilt New York, var inte alls lika snälla. Skriver i relation till sin show på The Leo Castelli Gallery, historiker Robert Pincus-Witten proklamerade Naumans utgående infantila narcissism. Sannolikt ledde hans status som utomstående från San Francisco till territoriell svartsjuka. Eller, kanske New York City helt enkelt inte var redo för sin naturliga framsynthet. Nauman skulle ändå bevisa att motståndarna hade fel under sitt nästa decennium i Kalifornien.

Varför Bruce Nauman undvek minimalism

Den sanna konstnären hjälper världen genom att avslöja mystiska sanningar (Fönster eller väggskylt), Bruce Nauman, 1967, National Gallery of Australia

Minimalism ockuperade hegemonisk prestige under Bruce Naumans 1960-tals uppstigning till berömmelse. Av samma anledning försökte skulptören medvetet motverka den rådande kreativa ordningen, som inkluderade framstående figurer som Barnett Newman och Donald Judd. Då hade arketypen av en konstnär blivit en nykter karikatyr av perfektionistiska tendenser, ett fenomen som Nauman beskrev som alltmer självförhöjande. Jag blev förvånad över hur dåligt gjorda de var, han kritiserade en gång Judds tidiga arbete i en New York Times intervju. I jämförelse med stela, abstrakta och platt formalistiska tekniker var Naumans verk uppenbart lättsamt, en defekt spegel som skildrade hans autentiska konstnärsresa. Fast aldrig bekräftad, historiker hypoteser till och med att hans utarbetade titlar är en direkt subversion av konformistiska tendenser att märka ett stycke utan titel. Fastspänd med sin dynamiska multimediaarsenal skakade provokatören moderniteten till dess kärna genom att lova att följa sin egen uppförandekod.

I början av 1970-talet höjde Naumans karriär till oöverträffade höjder. Han flyttade till Pasadena, kastade sig in i konstens performativa aspekt och började förgrena sig i sina sociala kretsar. Bland hans inspirerande kamrater fanns musiker och dansare, av vilka Nauman lärde sig att ytterligare finslipa sin kreativa process. Hans neonblå och röda ljusskulptur Den sanna konstnären hjälper världen genom att avslöja mystiska sanningar (fönster- eller väggskylt) (1967) bäst exemplifierar denna period, dess titel klottrade i en svindlande spiral. Genom att blanda fantasifullt språk med kommersiellt producerat material, framkallade konstnären sin matematiska bakgrund genom betraktarens rumsliga relativitetsteori. På avstånd verkade det röda neonfodret vara nummer sex, med Naumans inskription som visualiserades först vid närmare granskning. Uppmärksammat i internationella forum som t.ex Konsthall Bern och den Kommunalt museum, Naumans institutionella intriger kulminerade 1972, när han erbjöds sin första officiella museumsretrospektiv.

Första Bruce Nauman retrospektiv

La Brea/Konsttips/Råttspytt/Tjärgropar, Bruce Nauman 1972, LACMA

Los Angeles Art Museum och The Whitney samkurerade Nauman's turnerande extravaganza. Marcia Tucker och Jane Livingston, som reste över landet från New York till Los Angeles, organiserade det med ambitioner att nå Europa. Utställningens samling innehöll nya verk som Nauman färdigställde under slutet av 1960-talet och början av 1970-talet, inklusive hans första storskaliga utomhusinstallation. Tänkt för att omringa LACMA, hans La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972) uppflugen i anslutning till de förhistoriska La Brea Tar Pits, upplysta i neonrött och grönt. Som hans titel kan antyda, innehöll stycket anagram av La Brea, ett kvickt men till synes meningslöst lek-på-ord. Ändå var trivialitet exakt Naumans mål. Han använde djärva färgkontraster och lyfte fram språkliga pussel för att blanda ihop vardagliga fraser och konnotationer. Trots hans innovativa prestationer demoniserade viss press ändå Naumans retrospektiv som tom. En ökad mediamalström fick konstnären att ompröva sin flygväg.

Naumans sista år i Kalifornien

Silver Livres, Bruce Nauman 1974, MoMA

Bruce Nauman är en ökänd privatperson. Vare sig det var positivt eller negativt, avskydde han rampljuset, hans paranoia ökade med hans stjärnstatus. I mitten av 1970-talet gjorde framträdande plats det värsta av honom, och han minskade kraftigt sin konstnärliga produktion. Ur denna avskildhet uppstod emellertid en otrolig originalitet, inklusive Naumans nu berömda textbaserade media. I själva verket tänkte han på sin neonskylt från 1974 Silver Livres i ett försök att återta kontrollen över sina egna metoder, en motsvarighet till en storskalig utställning han firade i Paris. Överlappande uppsättningar av röda och gröna slangar avslöjade franska anagram för termen böcker, eller böcker. För att markera slutet på en minnesvärd era skapade han också sitt sista skulpturverk i Pasadena Studio Piece 1979. Skalmodellen samlade tidigare material genom vilka Nauman utforskade sina geometriska lutningar. Med det tog han ett nostalgiskt farväl av sitt hemland Kalifornien, på vägen mot en nystart i New Mexico.

När Nauman flyttade till New Mexico

Violiner Våld Tystnad, Bruce Nauman , 1981, Tate Modern

Nauman skapade sig ett romannamn på 1980-talet. Bland San Miguel Countys ljuvliga böljande kullar byggde han en ny studio i en liten by strax söder om Santa Fe som heter Pecos . Där utvecklade han också ett avancerat bildspråk som ersatte sina förenklade neonljus med mer olycksbådande uttryckssätt. I Violins Violence Silence (1981) , gult och rosa neonrör placerar sex ord i en löst formad triangel, och motverkar musikalitet med lugn. År 1983 drev Nauman sina idéer av Stuart Foundation, som så småningom reste sin glödande Laster och dygder på fasader i hela San Diego år senare. Utan tvekan hans mest kända verk, Naumans genombrottsdecennium nådde sin topp med hans 1984 Hundra lever och dör. Fyra höga kolumner, 100 meningslösa fraser och ett mix av fluorescerande pigment var ett perfekt uttryck för vår paradoxala mänskliga upplevelse. En komplex algoritm upplyste utvalda ord när andra mörknade för att skapa en visuell eufoni av språk.

Medan allmänhetens uppfattningar om avantgardet metamorfoserades, gjorde Naumans stigande rykte det också. Han firade flera väl mottagna soloshower under 1980-talet, inklusive insatser i Baltimore, Tyskland, och London. År 1987 hade han befäst sitt växande intresse för tittarnas deltagande med verk som Clown tortyr , en projektion av groteska videor centrerade kring hans karaktäristiska motiv. Övervakning, stress, sondering och ordlekar kombinerade i det oändliga för att desorientera publiken, vilket anspelar tillbaka på Naumans grundläggande besatthet: upprepning. Efter ett uppehåll på nästan tjugo år återvände han också till gjutning med sitt arbete från 1988 Utan titel (Två vargar, två rådjur), tillverkad med hjälp av sönderdelad taxidermi från en närliggande butik i New Mexico. Anatomiskt uppträdde de Frankenstein-liknande varelserna överjordiska och kretsade kring en karusell som påminde om ett slakteri. Nauman trivdes på höjden av sin multimediatillverkning. 1989 gifte han sig med en konstnär Susan Rothenberg, och paret flyttade till en gård i närliggande Galisteo, där de fortfarande bor.

Senaste verk av Nauman

Installationsvy av Mata mig/Anthro-Socio , Bruce Nauman, 1993, The Guardian

Video blev Naumans främsta sysselsättning under 1990- och 2000-talen. Genom att utforska sin egen kommunikativa kraft testade han systematiskt det kontextuella förhållandet mellan kropp och omgivande rum, nyfiken på tid som ett relativt begrepp. Till exempel hans arbete från 1993 Mata mig/Anthro-Socio innehöll en snurrande skådespelare som skrek mata mig, hjälp mig, äta mig, skada mig, ofullständig utan en tittares fördjupning. Till skillnad från hans samtida formade Naumans utvalda ämnen situationsmässigt hans videoinstallationer, inte vice versa. 1999 belönades han individuellt med ett Guldlejon på 48:e Venedigbiennalen, högsta pris för filmbidrag. American Academy of Arts and Letters valde in honom som medlem 2000, och 2004 fick han en Imperialistiskt pris. Utmärkelsen tilldelades av Japan Art Association och utmärker konstnärer som har bidragit avsevärt till utvecklingen av internationell konst och kultur. Bruce Nauman hade uttryckt vad det innebar att betraktas som en global galjonsfigur.

Contrapposto Studies, I till VII, Bruce Nauman , 2016, Philadelphia Museum of Art

Idag lever han ett ödmjukt liv på sin farm i New Mexico. Få skulle misstänka hans anspråkslösa komplex för att hysa en studio i ett litet skjul, angränsande gröna betesmarker för hästbete. Även om hans konst fortfarande spelar en viktig roll, har Nauman expanderat till andra affärssektorer, till och med ibland sålt vilda djur. Han har ändå mognat kreativt under sin tid i Galisteo. Ett av hans senaste verk, Contrapposto Studies, I Through VII (2016) , undersöker ljud och video genom att föreställa Nauman slående en motsatt utgör. Agerar som dubbelgångare till sin första berömda Promenera med Contrapposto (1968), de digitalt manipulerade medierna återgav hans rörelser i positiv och negativ film, framåt respektive bakåt. Även när han står inför det oundvikliga åldrandet, har Naumans fokus på kroppslighet inte förändrats mycket under åren. Snarare har hans grepp om sin biologiska klocka gjort plats för mer intima undersökningar av hans psyke. Hans framtid kan innehålla ännu större insikter.

Bruce Naumans kulturella arv

Bruce Nauman i New Mexico , Alec Soth, 2018, NY Times

Bruce Naumans arbete fungerar som ett kusligt samhälleligt lackmustest. Oavsett hur aggressiv, provocerande eller rent av hemsk, fortsätter artisten att expandera både sina intellektuella och fysiska begränsningar till att förvirra, förhäxa och beklaga en internationell publik. Vid åttioett år gammal har han motstått hatisk kritik, överväldigande beröm och till och med nästan dödlig tarmcancer, av vilka ingen har stoppat hans stadiga uthållighet. Hans antikonst har lett till djupt mentalt obehag och har lättat upp det allmänna medvetandet på gott och ont, och transporterat oss ställföreträdande genom hans kreativa strävan efter frihet. Bruce Nauman kommer att fortsätta att polarisera tittarna långt efter hans sorgliga bortgång.