De 9 mest ikoniska dokumentärfotografierna genom tiderna

Shell-chockad US Marine, The Battle of Hue av Don McCullin, 1968, tryckt 2013; med Black Power Salute av John Dominis, 1968; och med A Man on the Moon av Neil Armstrong, 1969

Dokumentärfotografier är en av de mest direkta och konfronterande konstformerna, som tar en ögonblicksbild innan den försvinner för alltid. Till skillnad från andra typer av fotografi är dokumentära fotografier mer omedelbara och svarar på händelser utan iscensättning eller konstgjordhet. Det betyder att fotografen måste vara på rätt plats vid rätt tidpunkt och vänta på vad den store fotografen Henri Cartier-Bresson kallade det avgörande ögonblicket.

Place de l'Europe, Gare Saint Lazare, Paris, Frankrike av Henri Cartier Bresson , 1932, via Victoria & Albert Museum, London

Förutom att fånga dessa avgörande ögonblick i historien, finns det ofta en brutal ärlighet till dokumentära fotografier som kan göra det svårt att se. De avslöjar obekväma sanningar som vi kanske hellre vänder oss bort från, och knyter det nära till fotojournalistik. Det är denna grymma, brinnande egenskap som gör mediet så viktigt, som uppmuntrar oss att tänka djupare om tillståndet i världen där vi lever. Då och då dyker det upp ett dokumentärt fotografi som kortfattat fångar tidsandan, och det är dessa bilder som blir en permanent markör för vår historia. Författaren Susan Sontag beskriver dessa fotografier i sina radikala essäer På fotografi, 1977, eftersom bilder (som) inte verkar vara påståenden om världen så mycket som delar av den.

Dokumentärfotografiernas historia

Fotografi av interiören av Crystal Palace i Sydenham av Philip Henry Delamotte , 1854, via Victoria & Albert Museum, London

Dokumentärfotografiets historia är nästan lika gammal somfotografisig själv, med anor från runt mitten av 1800-talet när fotografer började ta kameror ut i världen som ett verktyg för dokumentation. Den brittiske fotografen Philip Delamotte nämns ofta som ett tidigt exempel på fotografi i dokumentärstil. Han fångade demonteringen av Crystal Palace i Hyde Park, London 1852, och dess rekonstruktion och expansion i Sydenham i Londons förorter 1854. Hans fotoarkiv var en viktig uppteckning av denna imponerande ingenjörsprestation, särskilt efter förstörelsen av Crystal Palace i brand 1936.

Den amerikanske fotografen Matthew Brady var en av de första som använde fotografi som ett rekord för att fånga upprörande politisk oro och dokumentera amerikanska inbördeskriget 1861 och skildrar några av de mörkaste dagarna i historien från frontlinjen.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Bandits Roost av Jacob Riis , 1888, via Riksfonden för humaniora

Vissa tidiga fotografer använde dokumentärfotografi som en agent för social förändring, och dokumenterade ohälsosamma bostäder eller dåliga levnadsförhållanden för att öka medvetenheten om deras kamp för en bredare publik. Amerikansk fotograf Jacob Riis dokumenterade de trånga, smutsiga levnadsförhållandena i tidiga New York i sin publikation Hur den andra hälften lever, 1890.

Stäng nr. 28, Saltmarket, Glasgow by Thomas Annan , 1868, via Christie's

Den skotske fotografen Thomas Annan fotade på gator, vindar och närområden i gamla Glasgow i slutet av 1800-talet och avslöjade hur svåra dessa människors liv verkligen var. Tillkomsten av tidningar inklusive TID, Vanity Fair , och LIV i början av 1900-talet gjorde mycket för att främja dokumentärfotografers arbete som Annan, Riis och Cartier-Bresson; med regelbundna fotografiska och journalistiska inslag om dagens viktigaste orsaker, särskilt under de två världskrigen.

Sedan denna tid har fotografer fortsatt att utforska rollen av dokumentärfotografier som ett kraftfullt verktyg för att fånga historiska ögonblick och öka medvetenheten om en politisk sak. Låt oss ta en titt på några av de mest varaktiga fotografierna från historien, som förblir tankeväckande bevis på tiden då de togs.

1. Alfred Stieglitz, Styrningen, 1907

Styrningen av Alfred Stieglitz , 1907, via TIME Magazine

Alfred Stieglitz Styrningen, 1907, är en komplex uppsjö av rörelser när passagerare går ombord på ett fartyg på väg mot Europa. Å ena sidan väckte verket uppmärksamhet för sin kortfattade förmåga att kontrastera de fuktiga nedre styrrummen dit de fattigaste passagerarna var tvungna att åka med den rena ordningen och den öppna luften hos de förstaklassresenärerna ovanför dem.

Dessutom har fotografiet också fått mycket beröm för sin förmåga att förmedla det komplexa språket Kubism i fotografisk form när oordnade former, linjer och texturer blandas och fångar den ökande fragmenteringen av den modernistiska tidsåldern.

2. August Sander, Murare, 1928

Murare av August Sander , 1928, via TIME Magazine

Den tyske fotografen August Sander's Murare, 1928 är en av 1900-talets mest ikoniska bilder. Den förmedlar efterkrigsgenerationens beslutsamma grus och orubbliga hårt arbete i ett enkelt, välkomponerat porträtt. Sander gjorde den här bilden som en del av sin enorma undersökningsserie 20-talets människor th Århundrade , som dokumenterade människor från alla delar av det tyska livet. Han tog medvetet ett passionerat, opartiskt öga i serien och fotograferade människor från alla sociala skikt. Han inkluderade soldater, cirkusartister och politiker och tillfångatog dem alla på samma sätt för att ge alla sina undersåtar lika stor vikt och betydelse.

3. Okänd fotograf, Lunch på toppen av en skyskrapa, 1932

Lunch på toppen av en skyskrapa, av Lewis W. Hine , 1932, via TIME Magazine

Det gravitationstrotsande Lunch på en skyskrapa, 1932, är en av de mest återgivna bilderna genom tiderna, som prydligt kapslar in den himmelsbundna stadsbilden i det modernistiska Amerika. Männen ställde sig betänkligt upp längs en balk och njöt av sin lunch och höll på att bygga Rockefeller Center . Fotografiet togs som ett reklamverktyg för att marknadsföra skyskrapakomplexet. Fotografiet främjade också en djärv ny amerikansk anda, en som var vågad och motståndskraftig inför kriget och den stora depressionen.

4. Dorothea Lange, Migrerande mamma , 1936

Migrerande mamma av Dorothea Lange , 1936, via Detroit Institute of Arts

Dorothea Langes Migrant mamma, 1936, förblir än i dag ett universellt emblem för mänskligt lidande. Fotografiet togs på en migrantgård i Nipomo, Kalifornien, och porträtterar Florence Owens Thompson som håller en bebis med två av hennes små barn som kurar intill varandra. En mamma till totalt sju barn, Thompsons ansikte är etsat av oro när hon blickar mot en oviss framtid. Från det ögonblick den publicerades i en tidning i San Francisco 1936 kom bilden att inkapsla den fruktansvärda fattigdom som många migrantamerikaner utstod. Under den stora depressionen kämpade många för att arbeta på improduktiv mark efter förödelsen av dammskålen .

5. Alfred Eisenstaedt, V-J Day på Times Square, 1945

Alfred Eisenstaedt, V-J Day på Times Square av Alfred Eisenstaedt , 1945, via LIFE Magazine

Alfred Eisenstaedts V-J Day på Times Square, 1945 är ett världsomspännande emblem som symboliserar den glada andan av att fira i slutet av kriget. Fotografiet togs under en gatufest efter tillkännagivandet att andra världskriget officiellt var över, och en sjöman från den amerikanska flottan tar tag i och lutar tillbaka en ung sjuksköterska och kysser henne på läpparna.

På den tiden kapslade bilden in ögonblickets passionerade och ohämmade glädje. Men på senare tid har vissa föreslagit att sjuksköterskan kanske inte var välkomnande till hans framsteg. Trots det är budskapet bakom bilden ett av hopp och tro som är sant idag.

Folk säger till mig att när jag är i himlen kommer de att minnas den här bilden, sa Eisenstaedt.

6. John Lord Black Power Salute, 1968

Black Power Salute av John Dominis , 1968, via The Washington Post

John Dominis Black Power Salute, 1968, fångar ögonblicket när två afroamerikanska idrottare, Tommie Smith och John Carlos, tog guld- och bronsmedaljer vid de olympiska spelen i Mexico City. Båda idrottarna böjde sina huvuden och höjde sina svarthandskade nävar högt när den amerikanska nationalsången spelades upp och arrangerade en kraftfull tyst protest mot rasism. Deras tysta, diskreta motståndshandling har blivit en universell symbol för svart makt, och många aktivister har sedan dess replikerat samma ställning.

7. Don McCullin, Shell-chockad US Marine, The Battle Of Hue, 1968, tryckt 2013

Shell-chockad US Marine, The Battle of Hue av Don McCullin , 1968, tryckt 2013, via Tate Gallery, London

Många dokumentärfotografer trotsade Vietnamkrigets brutalitet för att fånga de verkliga grymheterna, men den engelske fotografen Don McCullins Shell-chockad US Marine, 1968, är en av de mer upprörande. Han vänder kameran bort från handlingen och mot enskilda soldaters psykologiska trauma.

Det här fotografiet togs under slaget vid Hue, en av de värsta och mest destruktiva konflikterna under Vietnamkriget. Den förbluffade, granatchockade soldaten, som ses hålla i sitt gevär och stirra in på medeldistansen, visar krigets långvariga fasor som lever kvar långt efter att striderna har tagit slut.

8. Neil Armstrong, En man på månen, 1969

En man på månen av Neil Armstrong , 1969, via TIME Magazine

Den världsberömda astronauten Neil Armstrong tog sitt ikoniska fotografi, En man på månen, 1969, av hans medresenär Buzz Aldrin. Paret skrev historia genom att ta första stegen på månens yta .

Även om Armstrong tekniskt sett var den förste att ta de betydelsefulla stegen, har detta något ostadiebildade, informella fotografi av Aldrin stått sig genom tiderna och fångat de dammiga fotspåren och den ostadiga upptäckarens fotfäste. Samtidigt kan Armstrong ses titta tillbaka i Aldrins reflekterande visir.

9. Nan Goldin Nan och Brian i sängen, 1983

Nan och Brian i sängen, New York City av Nan Goldin , 1983, via Vogue Magazine

Nan Goldins till synes informella fotografi Nan och Brian i sängen, 1983, förblir en av de mest hyllade bilderna i den moderna eran, som prydligt kapslar in det smärtsamma maktspelet mellan två älskare. Det finns en rå intimitet i hjärtat av bilden – Goldin är kvinnan på sängen och tittar på sin partner Brian med en blandning av misstänksamhet och längtan. Samtidigt sitter han borta från henne och blickar ut mot den gyllene solnedgången, vilket tyder på att deras förhållande sakta och stadigt avtar.

Dokumentärfotografier och deras roll idag

I skymningen av Boris Mikhailov , 1994, via Tate Gallery, London

I slutet av 2000-talet har de roller som dokumentärfotografiet en gång spelade till stor del ersatts av tv-reportage och digitala medier. Men det finns fortfarande stor efterfrågan på dokumentärfotografi idag i tidningar, tidningar och galleriväggar. Det förblir ett arresterande medium med makt att framkalla starka reaktioner och politiska reformer. Många dokumentärer senare tiders fotografer fortsätta att spela in konflikter när de händer runt om i världen, som den sydafrikanska artisten Guy Tillim, som dokumenterar de oroliga regionerna i Afrika söder om Sahara. Andra skapar en brännande kritik av dagens samhälle, som den ukrainska konstnären Boris Mikhailov, som skildrar marginaliserade människor som kämpar för att klara sig på kanten av det postsovjetiska samhället, och sätter dem mitt i ett grubblande, atmosfäriskt blått ljus för att förstärka deras känslomässiga inverkan.