Förstå Ashcan School of Artists i 6 fakta och 7 målningar

Riverfront nr 1 av George Bellows , 1915, via Columbus Museum of Art, Columbus

Ashcan School var en löst definierad grupp amerikanska konstnärer som arbetade vid 1900-talets början. Deras arbete började i Philadelphia mot slutet av 1800-talet, men de är mest kända för de verk de producerade senare, efter att de flyttade till New York i början av 1900-talet. Även om rangen av Ashcan-skolan inte är strikt definierade, Robert Henri anses ofta vara den ledande kraften i Ashcan School of Art, med några av de andra mest framstående medlemmarna inklusive John Sloan , George Bellows , Everett Shinn , George Luks , och William Glackens .

1. Ashcanskolan utövade en ny sorts realism

Kaffelinjen av John Sloan , 1905, via Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

Ashcanskolan åtog sig att omdefiniera realism . Men denna realism eftersträvades inte nödvändigtvis av ren likhet, som i verken av Gustave Courbet och det tidiga Franska realistiska målare i början av 1800-talet . Snarare, för Ashcan-konstnärerna upptäcktes realism i taktilitet; I deras målningar upplöses den visuella avgränsningen av motiven och scenerna. De ofta obekväma, vidsträckta utrymmena av stadslandskap, interiörscener och porträtt i dessa verk visar att verism inte uppnås med typiska medel.

Däremot ägnas stor uppmärksamhet åt kvaliteten på ljus och stämning i dessa bilder. Detta tillvägagångssätt exemplifieras i John Sloans Kaffelinjen , där den titulära raden av arbetare som väntar på kaffe tidigt på morgonen är nästan oigenkännlig som sådan. Istället är Sloan intresserad av att skapa en känsla av plats. Tjocka färgklickar virvlar runt på botten av duken: smutsig snö som tovats på stadens gator och reflekterar gatlyktornas svaga sken.

Ashcan-skolans konst föreslår att en bild som fångar, om inte annat, den viscerala responsen är viktigare, mer verklig än ett studerat och flitigt återgivet utrymme. Så då, medan Ashcan-konstnärerna åtog sig att sanningsenligt måla livet runt dem, kommunicerar de snabbt borstade målningarna den sanningen främst genom omedelbar sensation och haptisk vädjan.

2. Ashcan Art var kollektivistisk

Stag på Sharkey's av George Bellows , 1909, via Cleveland Museum of Art

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

För Ashcan School of artists är kropparna som upptar deras bilder inte så mycket personer som närvaro. Rörelse av dessa kroppar genom rymden kommuniceras med allvarliga effekter, men kropparna själva är i huvudsak okända bortsett från den omgivande känslan av närvaro. Tänk i George Bellows Stag på Sharkey's hur särdragen hos själva boxarna knappast är närvarande, istället ligger fokus på det muskulösa penselarbetet som fungerar som känslan av kraft och handling i målningen. De enda igenkännliga ansiktena är små, lösa karikatyrer utspridda i folkmassan, som fungerar mer som en antydan om närvaron av ett stort hav av personer än som en representation av någon enskild individ.

Medan de flesta av Ashcan-konstnärerna åtminstone ibland arbetade med porträtt, ofta sittande för varandra i dessa fall, undviker dessa porträtt fortfarande frågan om att beskriva en individ. Ämnena i Ashcan-porträtt beskrivs nästan undantagslöst utan gester eller tecken på karaktär och personlighet. Sittaren är typiskt stoisk, centrerad mot en mörk bakgrund som tär på kanterna av deras form. Lite eller inget sammanhang tillhandahålls, vilket innebär att betraktaren är mycket sämre förmögen att prydligt definiera motivet i dessa bilder än i nästan alla andra exempel på porträtt. Som en effekt förstås porträtten istället som representationer av en bredare uppsättning personer.

3. Ashcan Art handlade om vardagen

Cliff Dwellers av George Bellows , 1913, via LACMA

Termen 'Ashcan-konst' kommer från en kommentar, hånfullt riktad mot Robert Henri och hans krets på grund av deras val att måla och rita bilder av askburkar och flickor som knäpper på sig kjolar på Horatio Street. Skildringen av en mängd olika människor i stadens ofiltrerade miljö och ignoreringen av förmedlad skönhet var radikal. Tavlor som t.ex Cliff Dwellers av George Bellows fångar till synes omärkliga scener av stadslivet. Men den omsorg som tas när man målar en sådan scen är en handling av vördnad mot en klass av människor som ofta inte syns i konsten.

Detta engagemang för varje dag, och specifikt livet för arbetande människor, kan spåras tillbaka till franska realister från början av mitten av 1800-talet, som ofta målade scener av bönder eller andra arbetare. Medan temat för varje dag förs vidare in i Impressionism , blev utbudet av livsstil som representerades begränsad till överklassen. Inom impressionismen inkluderade vanliga scener kvinnor i överdådig klänning slappa, eller på deras fåfänga , baletter , jockeys , båtfolk , och luncher . Denna förskjutning bort från ämnet arbetande människor, som kritiker i Frankrike hade beskrivit som vulgärt i realisternas målningar, mot skildringen av en livsstil av högre klass, som förvisso var en bekvämare miljö för konstens beskyddare, vändes i Ashcan-konstnärernas verk.

4. Ashcan Art var journalistisk

Hester Street av George Luks , 1905, via Brooklyn Museum

Många av Ashcan-konstnärerna arbetade som tidningsillustratörer. Kanske på grund av denna förening får många av dessa målares verk en journalistisk kvalitet. Naturligtvis föddes realistiskt måleri ur en önskan att spela in och kommunicera sanningen om livet. Som Gustave Courbet skrev i Realistiskt manifest : Att veta för att göra, det var min idé. Att vara i stånd att översätta sederna, idéerna, utseendet på min tid, enligt min egen uppskattning; att inte bara vara en målare utan också en man; kort sagt att skapa levande konst – det är mitt mål.

Tydligen var Courbet fast besluten att måla på ett sätt som speglar den tid han levde. Så, det som skilde Ashcan-skolan från varandra var en vilja att spegla sin omgivning utan samma skiljedom som tidigare realister hade praktiserat.

Medan det tidigare realistiska måleriet var mycket mer sammansatt och fokuserat, tenderar ashcan-konstnärernas dukar mer till det verkligas stökighet. Vi ser livliga gator, mörka och osäkra interiörer, allt vimlar av kroppar staplade över varandra. Denna effekt kan observeras i George Luks Hester Street , en bild som inte verkar ha någon direkt urskiljbar handling eller motiv bortom den överväldigande skaran som sträcker sig över bildplanet.

5. Ashcan-konstnärer bekämpade akademisk realism och impressionism

Skrattande barn av Robert Henri , 1907, via Whitney Museum of American Art, New York

Robert Henri uppskattade impressionismen under sin utbildning i Frankrike på 1880-talet. Han skulle dock föraktfullt hänvisa till stilen som en ny akademism 1895. Vid denna tidpunkt var impressionismen väl etablerad i Amerika likaså, med målare som William Merrit Chase bland de mest kända och högt ansedda i landet. Rörelsens uppror i början hade försvunnit, eftersom impressionisterna fann mainstream acceptans, omdefinierades som en apparat för den akademiska målning de ursprungligen hade kämpat mot.

Även om det verkligen finns paralleller i den lösa hanteringen av material i Ashcan-dukarna och impressionisternas, var målen för Ashcan-målarna distinkta och deras verk avvek från impressionismen på flera betydande sätt. Ashcanskolans värderingar återspeglas på många sätt i deras arbete. Paletten och färganvändningen är bland de tydligaste uttrycken för detta. Istället för impressionismens överdrivna färg som föregick dem, eller den sprudlande och godtyckliga färgen hos Fauvist , Neo-impressionist , och Postimpressionist måleri som utvecklades parallellt med dem i Frankrike, vände sig Ashcan-konstnärerna till en mycket mörkare, mer dämpad palett, uttryckligen inspirerad av konstnärer som t.ex. Thomas Eakins , Edouard Manet , och Frans Hals . För att bara välja ett av de många utmärkta exemplen i Robert Henris verk, porträttet Skrattande barn demonstrerar denna jordnära palett och den omfattande användningen av svart eller nästan svart färg i Ashcan konst.

6. Ashcanskolan var inte rädd för fulhet

Slaktarvagnen av George Luks , 1901, via The Art Institute of Chicago

Även om det fanns prejudikat för uttrycksfull, målerisk blomstring, var det inget som vid sekelskiftet konkurrerade med livskraften och grovheten hos Ashcan-skolans dukar. Toleransen för uttrycksfulla borstar i rörelser som impressionism berodde ofta på den upplevda förmågan till skönhet med sådan behandling. Den lösare stilen lånade sig till överdrift och förvrängning av färg och form, vilket vanligtvis eftersträvades till slutet av estetiskt tilltal.

Ashcan-stilen och processen överlappade verkligen impressionismen i vissa avseenden, men syftet med dessa val var helt olika mellan de två rörelserna. Vitalitet och ärlighet var viktiga frågor för Ashcan-skolan, och därför målade de med kraftfulla, snabba drag för att fånga flyktiga ögonblick av intresse i den rastlösa staden de bebodde. Medan i den akademiskt assimilerade impressionismen från sekelskiftet hade den impressionistiska stilen effektivt formaliserats till lite mer än en estetisk preferens. Med sin egen grova, målande stil informerande visioner av stadslivet som helt saknade impressionismens kräsna pompa, döptes Ashcan-konstnärerna till fulhetens apostlar av kritiker.

Som en förklaring om ashcan-konstnärernas tolerans för fulhet både i ämne och behandling, George Luks Slaktarvagnen är en passande målning att avsluta på. Luks målar, med enastående direkthet, en del av stadens föga smickrande infrastruktur. Även om bilden är lika löst återgiven som någon Ashcan-målning, är denna strävhet mer än en förvirring av motivet, ett sätt att understryka det. Det fula i målningen håller på att bli föremålet.