The Dark Side of Life: Paula Regos skandalösa samtida konst

Paula Regos samtida konst skär rakt in i benet, skakar publiken med skandalöst konfronterande ämnen som speglar det mörka djupet av mänskligt lidande och uthållighet. Hon väver detta subversiva material med en estetik inspirerad av bistra barns berättelser och folkloren från hennes hemland Portugal, och skapar övertygande makabra bilder med en känsla av obehag som ibland kollapsar i full fasa. Mycket av Paula Regos senaste konst är idag allmänt erkänd för sin orubbliga, brännande kommentar om feministiska frågor, utforskande av kvinnors kroppar som symboler för förtryck och våld, men också för otrolig styrka och trots. Under sin imponerande 70-åriga karriär har hon skapat ett häpnadsväckande stort arkiv av konst som nu finns på museer över hela världen. Låt oss ta en titt genom decennierna på utvecklingen av Paula Regos samtida konstpraktik och några av de mest övertygande konstverken under hennes produktiva karriär.

Tidigt arbete: politik och subversion

Porträtt av Paula Rego , via The Calouste Gulbenkian Foundation, Lissabon

Paula Rego föddes i Lissabon 1935 och växte delvis upp av sina portugisiska morföräldrar, som först introducerade henne för gotiska sagor, myter och folklore. Fyllda med illvilligt makabra blodiga detaljer tände de upp hennes unga fantasi och skulle senare spilla ut i hennes konst. En stor del av hennes barndom överskuggades av det fascistiska ledarskapet Anthony av Oliveira Salazar , och hon var mycket medveten om det oroliga sociopolitiska klimatet runt henne. Konst blev ett kraftfullt sätt att uttrycka hennes djupt kände oro och trauman, föra dem ut i det fria för att lindra deras känslomässiga påverkan. Om du sätter skrämmande saker i en bild, då kan de inte skada dig, reflekterade hon senare.

Förhör av Paula Rego , 1950, via Fad Magazine

Den tidiga målningen Förhör, 1950, gjordes när Rego bara var 15 år gammal och förutspådde arten av hennes mogna arbete med en djupgående analys av tortyren och fängslandet som händer i det fascistiska Portugal. En ung mans kropp befinner sig i en smärtsamt förvrängd härva av inre ångest när två auktoritära gestalter olycksbådande närmar sig honom bakifrån och håller vapen i sina händer. I ett försök att avlägsna sin dotter från den fascistiska regimen skickade Regos föräldrar henne till en avslutande skola i Kent, England, när hon var 16 år gammal. Därifrån gick hon vidare till konststudier på Slade School of Art i London, och under åren som följde blev hon vän med olika ledande artister. Rego var den enda kvinnan förknippad med School of London målare vid sidan av David Hockney , Lucien Freud och Frank Auerbach. Hon träffade också sin man, målaren Victor Willing , som hon skulle få tre barn med.

Brandmännen från Alijo av Paula Rego , 1966, via Tate Gallery, London

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Under 1960-talet återvände Rego till Portugal med sin familj, och hennes samtida konst fortsatte att reflektera över oroande aspekter av portugisisk politik. Hennes språk blev allt mer fragmenterat och svårfångat, vilket speglade instabiliteten och osäkerheterna i ett samhälle i politiskt kaos. Hon gjorde dessa bilder genom att rita olika figurer, djur och andra former på pappersark innan hon våldsamt klippte isär dem och arrangerade dem som collagerade element på duk. I Brandmännen från Alijo, 1966, märkliga, monstruösa varelser blandar sig med djur och människor för att bilda ett trassligt nätverk av sammanhängande former som tycks sväva i rymden, vilket återspeglar de tidiga Surrealist arbete av Marcel Duchamp . Rego säger att målningen var löst relaterad till en grupp fattiga brandmän som hon såg under vintern kurrade ihop sig i grupper med bara fötter, svarta ansikten och rockar fyllda med halm. Hennes nyfikna, surrealistiska målning gjordes som en hyllning till dessa mäns magiska tapperhet, som outtröttligt arbetade som obetalda frivilliga för att rädda liv.

Moget arbete: Obehagliga berättelser

Dansen av Paula Rego , 1988, via Tate Gallery, London

Från 1970-talet och framåt skiftade Regos stil till en mer realistisk skildring av människor och platser målade direkt på duk. Men samma hemska förskjutna kvalitet investerades i hennes konst, uppnådd genom förvrängda kroppar och kusliga, skarpa ljuseffekter. I den berömda och ambitiöst stora målningen Dansen, 1988, folk tycks dansa på en månbelyst strand slarvigt, men deras kroppars munterhet underskärs av det kalla blåa ljuset och skarpa, klara skuggor runt dem.

Även om Rego har lämnat någon direkt innebörd i verket otydlig, har vissa kritiker föreslagit att varje dansgrupp relaterar till de olika identitetsrollerna en kvinna kan ta på sig, från den oberoende solofiguren till vänster till de två kopplade parningarna, där en kvinna är gravid . Till höger finns en trio av kvinnor gjorda av barn, mor och mormor, vilket antyder att kvinnors traditionella roll som barnbärare överförs från en generation till nästa. På så sätt kan målningen jämföras med den hemsökta Symboliken av Edvard Munch.

Maria Manuel Lisboa, specialist på portugisisk kultur, tror att byggnaden i fjärran av denna målning är baserad på ett militärfort på Estorilkusten i Caxias, nära där Rego föddes. Används som ett fängelse och tortyrplats under hela Salazars styre, dess mörka, hotande närvaro lägger till ett ytterligare lager av förtryckande obehag till bilden, vilket kanske kritiserar den restriktiva karaktären hos samhällsroller som påtvingas unga kvinnor under hela den fascistiska diktaturen.

Kvinnor: Lidande, styrka och trots

Ängel av Paula Rego , 1998, via Art Fund UK

Sedan 1990-talet har Rego utforskat en mängd kraftfulla feministiska teman som reflekterar över komplexiteten i modern kvinnlig identitet. När hon gick bort från färg började hon istället arbeta med pasteller, ett medium som gjorde att hon kunde manipulera materialet med sina bara händer, en process som hon liknar vid skulptur snarare än att måla. Hennes kvinnor är starka, muskulösa och ibland öppet aggressiva även inför lidande, vilket undergräver det förflutnas ödmjuka och undergivna idealiseringar.

Denna egenskap kan ses i det heroiska Ängel, 1998, som skildrar ett alternativt helgon, som bär ett svärd i ena handen och en rengöringssvamp i den andra och stirrar ner oss med en blick av orubbligt självförtroende. I Paula Regos Dog Woman-serie från samma era utforskar hon hur kvinnor kan liknas vid hundar – inte på ett undergivet, nedsättande sätt, utan som en symbol för ursprunglig instinkt och inre styrka. Hon skriver: Att vara en hundkvinna är inte nödvändigtvis att bli nedtrampad; det har väldigt lite med saken att göra. På dessa bilder är varje kvinna en hundkvinna, inte nedtryckt, utan kraftfull. Hon tillägger: Att vara bestialisk är bra. Det är fysiskt. Att äta, morra, alla aktiviteter som har med känsla att göra är positiva. Att föreställa sig en kvinna som en hund är helt trovärdigt.

Brud (från Hund kvinna serie) av Paula Rego , 1994, via Tate Gallery, London

En annan lika subversiv serie från samma period är Regos upprörande abortserie, som gjordes 1998 när en folkomröstning för att legalisera abort i Portugal misslyckades. Regos teckningar fokuserar på situationen för kvinnor som tvingas genomgå illegala aborter i smutsiga, farliga miljöer. Hon förmedlar dem hukade som djur över gamla hinkar, knäppta med knäna höjda i ångest, eller liggande med benen grovt hållna isär av metallstolar, vilket understryker brutaliteten i deras desperata situation.

Rego argumenterar för sin serie teckningar om ämnet ... framhäver rädslan och smärtan och faran med en illegal abort, vilket är vad desperata kvinnor alltid har tillgripit. Det är väldigt fel att kriminalisera kvinnor utöver allt annat. Att göra aborter olagliga tvingar kvinnor till backstreet-lösningen. Sådan var kraften i Regos budskap; hennes samtida konst är delvis krediterad för att ha påverkat den allmänna opinionen i en andra folkomröstning 2007.

Namnlös Nej I (från Abort-serien ) av Paula Rego , 1998, via The National Galleries of Scotland, Edinburgh

Senare konst: Sagor och folklore

Krig av Paula Rego , 2003, via Tate Gallery, London

Från 2000-talet och framåt har Rego utforskat mörkt subversivt material som ofta är inspirerat av sagor, mytologi och religion. Hennes rikt komplexa teckning Krig, 2003, kombinerar djur, unga flickor och leksaker, och åberopar de bistra barnberättelserna från hennes egen barndom, som ofta hade hemska eller olyckliga förtecken. Rego gjorde det här arbetet som svar på ett upprörande fotografi taget under de tidiga stadierna av Irakkriget av en flicka i en vit klänning som setts springa från en explosion. Hennes tolkning av barn som lider i krig är att föreställa sig skräck sedd genom ett barns ögon, med makabra blodfläckade kaninmasker som slumpmässigt vinglar på barnens huvuden.

Get Girl av Paula Rego , 2010-2012, via Christie's

Det surrealistiska trycket Get Girl efterliknar den traditionella stilen viktorianskt barnböcker med lösa tvättar av blek färg och skissartad räckning. Hennes tryck är löst relaterat till den grekiska sagan om getflickan, som föddes som en get men kunde ta bort sin hud för att bli en vacker kvinna. Rego njuter av karaktären av en halvt berättad historia här, som förstärker de obehagliga visuella effekterna med läskiga kantiga kroppar, en hybrid människa-djur och skarp, gotisk belysning som ger scenen en atmosfär av hotande hot.

Paula Regos inflytande på samtidskonst i dag

Bindestreck av Jenny Saville , 1999, via America Magazine

Med Paula Regos internationellt framgångsrika karriär som sträcker sig över nästan sju decennier är det kanske ingen överraskning att hennes inverkan på utvecklingen av samtidskonst har varit långtgående. Hon har inspirerat konstnärer från hela världen att utforska hur figurativt måleri och teckning kan reflektera över dagens mest angelägna sociopolitiska frågor. Konstnärer som har fortsatt i hennes arv inkluderar den brittiska målaren Jenny Saville , vars orubbliga undersökning av vällustiga kvinnors kroppar är lika direkt som de kommer, pressade nära duken och förstorade till en monstruöst enorm skala. Som Rego, amerikansk målare Cecily Brown förmedlar unidealiserade, sexualiserade kroppar som blir köttiga passager av uttrycksfull färg. Sydafrikansk konstnär Michael Armitage samtida konstmålningar står också i tacksamhetsskuld till Rego, som delar samma fragmentariska, förskjutna berättelse och underströmmar av politisk oro, skapade genom att lägga ihop personliga och politiska referenser till en rikt komplex väv av idéer.