4 konstnärer från viktoriansk tid som gjorde konst för konstens skull

Detaljer från Flammande juni av Sir Frederic Leighton, 1895; och Dagsdrömmen av Dante Gabriel Rossetti, 1880

Frasen konst för konstens skull kan låta enkelt – men dessa fyra ord inledde en helt ny konströrelse i den viktorianska eran i London. Konst för konstens skull uppstod som en engelsk översättning av den franska sloganen konst för konst . På 1860-talet populariserades konceptet av Walter Pater , en inflytelserik brittisk konstkritiker. Hans arbete bidrog till att lägga grunden för den estetiska rörelsen, som förenade en mångsidig grupp av avantgardistiska viktorianska konstnärer, hantverkare och poeter under mottot konst för konstens skull.

Konst för konstens skull: En bakgrund

Walter Pater var känd för att ha använt blommig prosa i sina konsthistoriska essäer och kritiska recensioner av viktoriansk konst och litteratur. Hans arbete fokuserade ofta på önskan om skönhet, kärleken till konst för konstens skull, och han predikade ofta att den bästa konsten kommer till dig som uppriktigt bekänner att du inte ger något annat än högsta kvalitet till dina stunder när de passerar, och helt enkelt för dessa ögonblicks skull. Dessa filosofier motsatte sig direkt de månghundraåriga traditionerna hos de prestigefyllda Royal Academy of Art och viktorianska eran sociala normer.

Symfoni i vitt, nr III av James Abbott McNeill Whistler , 1865-67, via Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

I 1800-talets Storbritannien dikterade mainstreamkulturen strikt moral. Konst användes främst för att uttrycka etiska, politiska, sociala eller religiösa budskap. Samtidigt lärde Royal Academy fortfarande ut en hierarki av konst som gynnade Klassisk och Hög Italiensk renässans ämnen och stilar. Byggd på konceptet konst för konstens skull, strävade den estetiska rörelsen för att störta allt detta och insisterade på att konstnärer inte skulle behöva motivera sitt arbete utöver dess inneboende värde.

Det var inom detta kulturella sammanhang som skapare inom olika discipliner antog konsten för konstens skull som sin trosbekännelse, inklusive Prerafaelitiskt brödraskap , Estetiska rörelsens målare ledda av James Abbott McNeill Whistler , inredningsarkitekter av Konst och hantverk rörelse ledd av William Morris , och Fleshly School-poeterna ledda av Algernon Charles Swinburne . De ansåg alla att deras valda medium borde få existera bortsett från vilken didaktisk eller utilitaristisk funktion som helst. Inom måleriet var ämnet och berättelsen inte längre relevanta – ett tillvägagångssätt som var revolutionerande för tiden – och konst för konstens skull födde en spännande ny konstgenre som inkluderade bidrag från dessa fyra anmärkningsvärda konstnärer från viktoriansk tid.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

1. James Abbott McNeill Whistler: Poetry of Sight

Arrangemang i grått och svart nr 1 (Porträtt av konstnärens mamma) av James Abbott McNeill Whistler , 1871,via Musée d'Orsay, Paris

Whistler var en amerikansk född konstnär som blev en av ledarna för den estetiska rörelsen. Även om han aldrig utmärkte sig särskilt i en akademisk miljö, studerade Whistler i Paris vid sidan av impressionister och bosatte sig sedan i London, där han umgicks med konstnärerna från den viktorianska eran avantgarde. Från dessa influenser hjälpte Whistler till att bana väg för konsten för konstens skull att verkligen fånga in.

Walter Pater hävdade det all konst strävar ständigt efter musikens tillstånd. Whistler drogs också till idén att musik är den mest exemplariska formen av konst för konstens skull. Detta beror på att ett musikstycke utan text – och därmed ingen definitiv berättelse eller ämne – bara kan uppskattas för sin skönhet. Whistler strävade verkligen efter att uppnå denna effekt inom bildkonst, och gick så långt att han döpte sina målningar inte efter deras ämnen, utan med musikaliska termer som Harmoni , Arrangemang , Nocturne , och Symfoni . Angående hans okonventionella namngivningsstil, Whistler förklarade , Som musik är ljudets poesi, så är målningen synens poesi, och ämnet har ingenting att göra med harmoni av ljud eller färg.

Även det ökända porträttet av Whistlers mor är främst ett estetiskt arrangemang av färger och former. Det är bara i vardagsspråk känt som ett porträtt av konstnärens mamma, medan dess officiella titel— Arrangemang i grått och svart nr 1 — föreslår att målningen inte är något annat än en estetisk komposition av dämpade färger.

Nocturne: Blue and Gold — Old Battersea Bridge av James Abbott McNeill Whistler , ca. 1872-75, via Tate, London

På liknande sätt målade Whistler ofta scener av den dimmiga Themsen på natten i en serie som han kallade Nocturnes . Varje Nocturne har en anmärkningsvärt platt och enkel komposition, en monoton färgpalett och breda, genomskinliga penseldrag. Slutresultatet är en drömsk visuell effekt av ljus och färg snarare än en konventionell landskapsmålning av en välbekant plats. Tittare från den viktorianska eran chockades över dessa målningars till synes oavslutade utseende och obestämda ämne – så mycket att en rättegång följde.

2. Albert Moore: Lugn lyx

Drömmare av Albert Moore , 1882, via Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham

Som ung konstnär fascinerades Moore av antik skulptur . Han tillbringade timmar med att studera och skissa Elgin Marbles , en samling antika grekiska skulpturer från Parthenon på British Museum i London. Hans akademiska skicklighet och Nyklassisk stil beviljade honom utställningsutrymme vid Kungliga Konsthögskolan — men hans våldsamma konstnärliga oberoende hindrade honom i slutändan från att delta fullt ut vid sidan av de mer traditionella akademikerna.

Moore är välkänd för sina dekadenta kompositioner av kvinnliga figurer i olika tillstånd av vila och avkoppling, vanligtvis poserade i en föreställd och mycket dekorativ, klassisk miljö. Till skillnad från den typ av konst som främjas av Royal Academy, innehåller Moores målningar inga historiska berättelser eller urskiljbara budskap. Kvinnofigurerna existerar inte som ämne, utan snarare som ett av många inslag i en estetisk komposition. Deras identiteter och till och med deras ansiktsuttryck är målmedvetet vaga - men de konstfullt återgivna kropparna, tygerna, texturerna och harmoniska färgpaletterna visar Moores förmåga att kombinera en mängd dekorativa detaljer för att uppnå en lyxig, men ändå lugn, effekt.

Granatäpplen av Albert Moore , ca. 1875, i Guildhall Art Gallery, London, via Art UK

Faktum är att de flesta av hans målningar, som t.ex Granatäpplen , är uppkallade efter vackra saker som blommor och frukt, eller tider på dygnet och årstider. Dessa titlar beskriver inte berättelsen eller ämnet, och de nämner inte ens de mest anmärkningsvärda föremålen i målningarna. Istället betonar de den övergripande dekorativa effekten målningen avser att uppnå. Medan varje del av Moores målningar representerar en igenkännbar form, är alla föremål och figurer så abstraherade från alla identifierande egenskaper så att de bara existerar för att fullborda en estetisk komposition som avnjuts för sin skönhet - ett utmärkt exempel på konst för konstens skull.

3. Dante Gabriel Rossetti: Sensuous Portraiture

Dagsdrömmen av Dante Gabriel Rossetti , 1880, via Victoria and Albert Museum, London

Både en målare och en poet, Rossetti är ihågkommen för sina mycket dekorativa kvinnoporträtt - av vilka många har poesi inskriven på ramarna eller inkluderade i kompositionen. Rossetti var en av grundarna av det prerafaelitiska brödraskapet och drogs som sådan till medeltida inspirationskällor som föregick Raphael ,Royal Academys favorit Gamle Mästare Renässansmålare. Rossetti var också intresserad av att experimentera med vad Walter Pater kallade bildpoesi, eller konstverk som får ett fullständigt uttryck genom att teckna och färglägga, istället för genom att berätta en historia.

Rossetti ställde inte ofta ut verk offentligt under sin livstid, men hans rykte växte ändå när besökarna i hans studio spred budskapet om hans djärva innovationer. Han var också ökänd för att ha haft sällskap med olika kvinnliga muser. Rossetti drogs specifikt till kvinnor som hade starka, kantiga drag, voluminösa frisyrer och en förförisk närvaro - mycket i motsats till Viktoriansk era ideal för känslig och prudish kvinnlighet.

Kyssade mun av Dante Gabriel Rossetti , 1859, via Museum of Fine Arts, Boston

Kyssade mun var det allra första av Rossettis signaturporträtt av singelfigurer. Inspirerad av ett italienskt ordspråk med samma namn, vars utdrag faktiskt är inskrivet på baksidan av duken, Kyssade mun föreställer Rossettis musa, modell och ibland älskarinna, Fanny Cornforth . I den här målningen smälter Cornforth och hennes omgivning samman för att skapa en estetisk effekt – hennes slående orange hår, sammetslena gröna kläder och gyllene accessoarer smälter samman med det blommiga arrangemanget i bakgrunden och den utsmyckade textilen i förgrunden, som båda är onaturligt tillplattade för att ytterligare betona vikten av sammansättningen som helhet. Det finns ingen igenkännbar plats, berättelse, person eller tidsperiod i Kyssade mun – det är helt enkelt ett skönhetsobjekt.

4. Frederic Leighton: Victorian Era Classicism

Mor och barn (Körsbär) av Frederic Leighton , 1865, via Blackburn Museum and Art Gallery

Leighton var kommersiellt framgångsrik under sin livstid på grund av sin klassiskt inspirerade och akademiskt tränade stil. Han studerade målning och skulptur i Florens och Paris, bosatte sig sedan i London, där han umgicks med olika viktorianska konstnärer och designade en överdådig bostad för han själv. Till skillnad från andra konstnärer från Aesthetic Movement, som höll sig till utkanten av Londons konstscene, blev Leighton fullvärdig medlem i Royal Academy of Art och fungerade till och med som dess president. Där kunde han främja konceptet konst för konstens skull inifrån etablissemanget.

Flammande juni av Sir Frederic Leighton , 1895, i Ponce Art Museum, via Google Arts & Culture

Anses vara den största målningen i Leightons karriär, den lysande Flammande juni återupptäcktes på 1960-talet efter att ha försvunnit från allmänheten efter konstnärens död. Medan Flammande juni visar upp Leightons akademiska utbildning i mänsklig anatomi, böjer han subtilt representationsreglerna för att använda kvinnans figur och resten av scenen som dekorativa verktyg snarare än övertygande illusioner. Monumentaliteten i kvinnans figur framhävs genom att förlänga hennes ben för att överfylla möblerna och överdriva den brinnande nyansen och dynamiska rörelsen i hennes draperi, som nästan inte går att skilja från hennes utspridda hår.

Som Albert Moores lugna kvinnor, Flammande juni Vilan gör henne till en passiv, kanske till och med livlös del av en drömlik dekorativ scen – även om hennes ställning troligen inte skulle vara vilsam om den görs ett försök i verkligheten. Även om Leighton perfekt skulle ha kunnat måla en mänsklig figur som drar sig tillbaka i tredimensionell rymd, Flammande juni visar hur hans intresse för konst för konstens skull kunde inspirera till en förståelse av klassicismen inte som en akademisk teknik eller historisk referens, utan som en formbar estetik.

Arvet av konst för konstens skull

Enligt James Whistler , bör konsten vara oberoende av alla klapper — bör stå ensam och tilltala den konstnärliga känslan av öga eller öra. Genom att utöva sin gemensamma tro på konst för konstens skull – och våga ge sig utanför gränserna för traditionell didaktisk konst – hjälpte dessa fyra viktorianska målare till att sätta scenen för 1900-talets modernister att tänja på konstens gränser ytterligare i decennier framöver.