4 ikoniska konst- och modesamarbeten som formade 1900-talet

Tre cocktailklänningar, hyllning till Piet Mondrian av Eric Koch , 1965, via Vogue Frankrike

Kopplingarna mellan konst och mode definierar specifika ögonblick i historien. Båda dessa medier speglar de sociala, ekonomiska och politiska förändringarna från det rytande tjugotalet till åttiotalets flamboyance. Här är fyra exempel på konstnärer och modeskapare som har hjälpt till att forma samhället genom sitt arbete.

1. Halston And Warhol: A Fashion Fellowship

Fyra porträtt av Halston , Andy Warhol, 1975, Privat samling

Vänskapen mellan Roy Halston och Andy Warhol är en som definierade den konstnärliga världen. Både Halston och Warhol var ledare som banade väg för att göra konstnären/designern till en kändis. De tog bort konstvärldens pretentiösa stigma och förde mode och stil till massorna. Warhol använde screentryck för att producera bilder flera gånger. Även om han verkligen inte uppfann processen, revolutionerade han idén om massproduktion. Halston använde tyger och mönster som var enkla och eleganta, men glamorösa med sin användning av paljetter, ultramocka och siden. Han var en av de första som gjorde amerikanskt mode tillgängligt och eftertraktat. Båda satte en definitiv prägel på konst och stil hela vägen genom 1960-, 70- och 80-talen som håller i sig än idag.

Samarbete och kommersiell framgång

Blommor av Andy Warhol , 1970, via Princeton University Art Museum (vänster); med Liza av Andy Warhol , 1978, via Christie's (mitten); och Blommor av Andy Warhol , 1970, via Tacoma Art Museum (höger)

Både Halston och Warhol samarbetade tillsammans i många olika projekt. Warhol skulle skapa annonskampanjer som innehöll Halstons kläder och till och med Halston själv. I ett mer direkt samarbete använde Halston Warhols blommönster på några av hans plagg, från en aftonklänning till ett set med loungewear.

Halston skulle använda enkla mönster i sina plagg, vilket gjorde dem mycket framgångsrika. De var enkla och lätta att bära, men kändes ändå lyxiga med sin användning av tyger, färger eller tryck. Warhol skulle också förenkla sitt material och sin process, vilket gjorde det lättare att reproducera hans verk och göra dem mer säljbara.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Aftonklänning av Halston , 1972, via Indianapolis Museum of Art (vänster); med Klänning och matchande cape av Halston , 1966, via FIT Museum, New York City (mitten); och Lounge Ensemble av Halston , 1974, via University of North Texas, Denton (höger)

Kommersiell framgång hade sina utmaningar för båda designers. Halston skulle vara den första att samarbeta med en detaljhandelskedja, JCPenney, 1982 som var tänkt att ge kunderna ett billigare alternativ för hans design. Detta var inte framgångsrikt för hans varumärke eftersom det verkade göra det billigare, men det banade väg för framtida designers att göra detsamma. Warhol möttes också av kritik eftersom hans produktion sågs som ytlig och ytlig. Båda moderniserade dock användningen av detaljhandel och marknadsföring i sina respektive utrymmen för att skapa varumärken att sälja till massmarknaden.

Glitter och glamour

Diamond Dust Skor av Andy Warhol , 1980, via Monsoon Art Collection, London (vänster); med Damklänning, paljett av Halston , 1972, via LACMA (höger)

Både Warhol och Halston var frekventa besökare på Studio 54. De festade, designade och producerade verk för kändisar som Liza Minnelli, Bianca Jagger och Elizabeth Taylor. Dessa utflykter återspeglas i deras verk när de inspirerade och definierade 1970-talets disco-era.

Halston är känt för att skapa aftonkläder i hel paljett. Han skulle lägga paljetter horisontellt på tyget. Detta skapar en skimrande effekt av materialet, som han skulle använda för att skapa ombre- eller patchworkdesigner. Hans design var enkla silhuetter som skapade lätthet och rörelse för dans. Hans användning av paljetter var mycket populär bland stjärnor, inklusive Liza Minnelli som skulle bära sina mönster för framträdanden och utflykter till Studio 54 .

Warhols serie Diamond Dust Shoes exemplifierar också nattlivet i Studio 54 och kändisinflytande. Diamond Dust är vad han använde ovanpå screentryck eller målningar, vilket skapade ett extra element av djup till pjäsen. Warhols skoavtryck var från början idén till en annonskampanj för Halston. Han använde till och med några av Halstons egna skodesigner som inspiration.

Designern som blev en kändis började med Warhol och Halston. Det handlade inte bara om vilka typer av konst och plagg de skapade utan även deras sociala liv. Nuförtiden finns det modedesigners och artister som är kändispersonligheter och det bidrar till framgången för deras varumärken.

2. Sonia Delaunay: Where Art Becomes Fashion

Sonia Delaunay med två vänner i Robert Delaunays studio, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Paris

Sonia Delaunay inte bara revolutionerade en ny form av Kubism men föreställde sig också kopplingarna mellan konst och mode. Både Delaunay och hennes man var pionjärer Orphism och experimenterade med olika former av abstraktion inom konsten. Hon var den första i sitt slag som använde sin egen konstnärliga stil och gick över till modevärlden med hjälp av sina ursprungliga textildesigner, tryck eller mönster. Hon är mer ihågkommen för sin konst och sin koppling till sin man snarare än sitt mode. Hennes plagg låg i framkanten av förändringen av kvinnors kläder på 1920-talet. Hennes klädkatalog är mer ihågkommen i fotografier och referenser till hennes konst snarare än de fysiska plaggen i sig. För Delaunay finns det ingen gräns mellan konst och mode. För henne är de en och samma.

Samtidigt och rebelliskt mode

Samtidiga klänningar (tre kvinnor, former, färger) av Sonia Delaunay , 1925, via Nationalmuseet Thyssen-Bornemisza, Madrid (vänster); med Samtidig Klänning av Sonia Delaunay , 1913, via Thyssen-Bornemisza National Museum, Madrid (höger)

Delaunay startade sin modeverksamhet på 1920-talet genom att skapa kläder för kunder och designa tyger för tillverkare. Hon ringde sitt märke Samtidigt och ytterligare avancerade hennes användning av färg och mönster på en mängd olika medier. Simultanism spelat en viktig roll i hennes designprocess. Hennes användning av tekniken är mycket lik ett lapptäcke eller textilier från Östeuropa. Färger överlappar varandra och mönster används för att skapa harmoni och rytm. Vanliga teman för henne är kvadrater/rektanglar, trianglar och diagonala linjer eller sfärer – som alla överlappar varandra i hennes olika design.

Tallrik 14 från Sonia Delaunay: Hennes målningar, hennes föremål, hennes samtidiga tyg, hennes mode av Sonia Delaunay , 1925, via National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay var en ung kvinna under Edwardian eran där korsetter och konformitet var normen. Detta förändrades på 1920-talet när kvinnor bar kjolar ovanför knäet och lösa, lådsittande plagg. Denna aspekt är något som kan ses i Delaunays design, och hon brinner för att skapa plagg för att passa kvinnors behov. Hon designade baddräkter som gjorde det möjligt för kvinnor att bättre delta i sporter som tidigare hämmade hur de spelade dem. Hon placerade sina textilier på rockar, skor, hattar och till och med bilar som gjorde varje yta till hennes duk. Hennes design skapade rörelsefrihet och uttrycksfrihet genom färg och form.

Delaunays övergång till film och teater

Le P'tit Parigot av René Le Somptier , 1926, via IMDB (vänster); med Kostym för 'Cleopatra' i Ballets Russes produktion av 'Cleopatra' av Sonia Delaunay, 1918, via LACMA (höger)

Delaunay gick över till film och teater under sin karriär. Hon designade kostymerna för filmen från 1926 Le P'tit Parigot ('The Small Parisian One) av Rene Le Somptier. Både Delaunay och hennes man bidrog till filmen och hennes man bidrog till scenografin som användes i filmerna. Till vänster är den rumänska dansaren Lizicai Codreanu avbildad i en av kostymerna designade av Delaunay. Hennes användning av sfärer, sicksackar och rutor är ett annat exempel på simultanism. Sicksackarna i bakgrunden smälter ihop med kostymernas leggings. Skivan som omger dansarens ansikte var ett återkommande tema i Delaunays mode.

Hon skapade också mönster för 'Kleopatra' , av Ballets Russes. I likhet med hennes samarbeten inom film skapade hon kostymerna och hennes man arbetade med scenografin. Båda samarbetade med varandra för att skapa en harmonisk upplevelse för betraktaren. Cleopatras kostym har flerfärgade ränder och halvcirklar som blandar hennes abstrakta stil från 1920-talet med traditionell balett.

3. Elsa Schiaparellis och Salvador Dalís samarbeten

Schiaparelli hattformad sko av Elsa Schiaparelli och Salvador Dalí , 1937-38, via Vogue Australien

Framkanten av surrealistisk konst matchas med ledaren inom surrealistiskt mode. Salvador Dali och modedesigner Elsa Schiaparelli samarbetat och inspirerat varandra under sina respektive karriärer. De skapade ikoniska bilder som Hummerklänning , Skohatten (Dalís fru, Gala ses ovan), och Tårklänningen , som chockade och inspirerade publiken inom både konst och mode. Dalí och Schiaparelli banade väg för framtida samarbeten mellan modedesigners och konstnärer då de överbryggade klyftan mellan vad som anses vara bärbar konst och mode.

Hummern och Dalí

Kvinnans middagsklänning av Elsa Schiaparelli och Salvador Dali , 1937, via Philadelphia Museum of Art (vänster); Salvador Dali av George Platt Lynes , 1939, via The Metropolitan Museum of Art, New York City (höger)

Medan en hummer är till synes ofarlig, är den faktiskt genomsyrad av kontroverser. Dalí använde hummer som ett återkommande tema i hans arbete och var intresserad av hummerns anatomi. Dets skal fungerar som ett skelett på utsidan, och det har en mjuk insida på insidan, motsatsen till människor. Hummern i Dalís verk har också sexuella toner, som härrör från kvinnlig-manlig dynamik.

Hummerklänningen är ett samarbete mellan de två konstnärerna där Dalí skissar på hummern som ska användas på klänningen. Det väckte många kontroverser när det först debuterade Vogue . För det första har den ett skirt livstycke och kjol gjorda av vit organza. Denna renhet, som visar den knappt synliga bilden av modellens kropp, var något helt nytt inom modet sett i stor skala. Användningen av det vita tyget står också i kontrast till det röda på hummern. Vitt kan anses vara jungfruligt eller betecknar renhet jämfört med det röda, vilket kan betyda sexualitet, makt eller fara. Hummern placeras bekvämt på kjolen för att täcka en kvinnas bäckenområde. Denna placering liknar fotot av Dalí ovan, vilket ytterligare betecknar kvinnors sexualitet kontra mäns reaktion på den.

Modellen som bar plagget i Vogue var Wallis Simpson, fru till Edward VIII, som abdikerade den engelska tronen för att gifta sig med henne. Detta är ännu ett exempel på att ta en kontroversiell figur eller bild i kulturen och förvandla den till något att vördas.

Ben-Chilling stil

Kvinna med ett huvud av rosor av Salvador Dalí , 1935, via Kunsthaus Zurich (vänster); med Skelettklänningen av Elsa Schiaparelli , 1938, via Victoria and Albert Museum, London (höger)

Skelett är ett annat tema som ses i surrealistisk konst och användes i fler samarbeten mellan Dali och Schiaparelli. Skelettklänningen var den första i sitt slag på grund av sitt ämne, men också på grund av sin teknik. Schiaparelli använde en teknik som kallas quiltad där två lager tyg sys ihop och skapar en kontur. Vadd infogas i konturen, vilket skapar en förhöjd effekt. Denna teknik skapar en strukturerad yta på det platta tyget som ger illusionen av att människoben sticker ut genom klänningen. Det orsakade en skandal eftersom klänningen var gjord av ett klängigt material som fastnade på huden. Fantasin i Dalis målningar och teckningar förverkligades i den fysiska tredimensionella världen av Schiaparellis plagg. Dali, som tidigare nämnts, var intresserad av anatomi, och detta översätts också i hans arbete.

4. Yves Saint Laurent: Där konst och inspiration kolliderar

Picasso-inspirerad klänning från Yves Saint Laurent av Pierre Guillaud , 1988, via Times LIVE (vänster); med Fåglarna av Georges Braque, 1953, i Louvren, Paris (höger)

Var går gränsen mellan imitation och uppskattning? Både kritiker, tittare, konstnärer och designers har kämpat för att avgöra var den gränsen dras. Dock när man diskuterar Yves Saint Laurent , hans avsikter var inget annat än smicker och beundran av de konstnärer och målningar som han använde som inspiration. Genom att titta på sin omfattande portfölj inspirerades Saint Laurent av kulturer och konst från hela världen, och han införlivade detta i sina plagg.

Även om Yves Saint Laurent aldrig träffade de konstnärer som inspirerade honom, hindrade detta honom inte från att skapa verk som en hyllning till dem. Laurent hämtade inspiration från konstnärer som t.ex Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,och Picasso . Han var en konstsamlare och hade målningar av Picasso och Matisse i sitt eget hem. Att ta en annan konstnärs bilder som inspiration kan ibland ses som en kontroversiell sådan. Saint Laurent skulle dock använda liknande teman som dessa konstnärer och införliva dem i bärbara plagg. Han tog ett tvådimensionellt motiv och förvandlade det till ett tredimensionellt plagg som hyllar några av hans favoritkonstnärer.

Popkonst och 60-talsrevolutionen

Cocktailklänning som bärs av Muriel, hyllning till Piet Mondrian, höst-vinter 1965 haute couture-kollektion av Yves Saint Laurent, fotograferad av Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Paris (vänster); med Aftonklänning som bärs av Elsa, Homage to Tom Wesselmann, Höst-vinter 1966 haute couture-kollektion av Yves Saint Laurent, fotograferad av Gerard Pataa, 1966 , via Yves Saint Laurent-museet, Paris (höger)

1960-talet var en tid av revolution och kommersialism och var en ny era för mode och konst. Saint Laurents design fick kommersiell framgång när han började hämta inspiration från Popkonst och abstraktion. Han skapade 26 klänningar 1965 inspirerade av Piet Mondrians abstrakta målningar. Klänningarna förkroppsligade Mondrians användning av förenklade former och djärva primärfärger. Saint Laurent använde en teknik där inga sömmar är synliga mellan tyglagren, vilket gör att det ser ut som om plagget var ett helt stycke. Saint Laurent tog Mondrians konst från 1920-talet och gjorde den bärbar och relaterbar till 1960-talet.

Klänningarna i mod-stil är klassiska exempel på 1960-talets stil där det praktiska blev ett större problem för kvinnor. De liknade 1920-talets plagg, som var mindre trånga och hade ärmar och fåll som visade mer hud. Saint Laurents boxiga silhuetter tillät lätthet och rörelse för kvinnor. Detta ledde också till hans inspiration från popkonstnärer som t.ex Tom Wesselmann och Andy Warhol. Han skapade en rad popkonstinspirerade mönster som innehöll silhuetter och utskärningar på hans plagg. Det handlade om att bryta begränsningar för vad abstraktion var i konsten och kommersialisera design. Laurent slog samman dessa två idéer för att skapa plagg för kvinnor som var frigörande och tilltalande för den moderna kvinnan.

Konstnärskap I Haute Couture Mode

Kvällsensembler, hyllning till Vincent van Gogh, bärs av Naomi Campbell och Bess Stonehouse, vår-sommar 1988 haute couture-kollektion av Yves Saint Laurent, fotograferad av Guy Marineau , 1988, via Yves Saint Laurent Museum, Taken

De Vincent van Gogh Jackor från Saint Laurent är ett exempel på hur Saint Laurent kombinerat inspiration från andra konstnärer och sina egna designtalanger. Liksom hans andra plagg kopierades inte de teman som rör konstnärer och klistrades in på Saint Laurents plagg. Det han istället valde att göra var att ta dem som inspiration och skapa stycken som speglade hans egen stil. Jackan är representativ för 80-talsstilen med sina starka axlar och en mycket strukturerad boxig look. Det är ett collage av solrosor broderade i Van Goghs målarstil.

Solrosjacka-detalj av Yves Saint Laurent , 1988, via Christie's (vänster); med Solros-detalj av Vincent van Gogh , 1889, via Van Gogh-museet, Amsterdam

Yves Saint Laurent samarbetade med huset av Hyreshus , en ledare inom haute couture-broderi. Solrosjackan är broderad med tubpärlor som kantar kanterna på jackan och solrosblad och stjälkar. Blommorna är fyllda med olika nyanser av orange och gula paljetter. Detta skapar en flerdimensionell texturbit som liknar Van Goghs teknik att lägga tjock färg på duk. Det uppskattas vara en av de dyraste haute couture-delarna som har tillverkats, och säljs för 382 000 euro från Christie's. Saint Laurent överbryggade vägen för hur man kunde bära mode som ett konstverk i sig.