6 ikoniska kvinnliga artister du borde känna

Mamma , en skulptur av konstnären Louise Bourgeois

Maman, en skulptur av konstnären Louise BourgeoisKonsthistoriens Walk of Fame är belagd med namn på manliga konstnärer, men börjar samla fler kvinnliga konstnärer. Den allmänna uppfattningen om en manlig mästare och mästerverk är starkt påverkad av att deras kvinnliga motsvarigheter nästan helt saknas i våra skolböcker och i de viktigaste museigallerierna.

Kvinnliga artister idag

I filmbranschen har underrepresentationen av kvinnor i ledande roller som regissörer och som producenter orsakat många vågor av upprördhet under de senaste åren. Hashtags som växer upp på sociala medier som t.ex #OscarsSoMale visa att det finns en stor efterfrågan på mer kvinnlig synlighet.

Detsamma gäller för konstbranschen, även om ramaskriet inte är lika högt som i Hollywood. En anledning till det kan vara att det, åtminstone inom modern och samtida konst, har skett en långsammare och stadigare förskjutning mot att representera fler kvinnor. Redan 1943 Peggy Guggenheim organiserade en utställning för endast kvinnor på sitt ökända galleri i New York Detta århundrades konst , inklusive bidrag från Dorothea Tanning och Frida Kahlo . Detta banbrytande företag, kallat 31 kvinnor , var den första i sitt slag utanför Europa. Sedan dess har mycket förändrats. Idag finns det många gallerier som representerar allt fler kvinnliga konstnärer. Det finns också fler kvinnor som bidrar på prestigefyllda konstfestivaler och de vinner viktiga priser.

Big Fatigue, Camille Henrot, 2013, via camillehenrot.fr

Kvinnliga konstnärer är dock fortfarande underrepresenterade i museilandskapet. Konstmarknadsinformationsföretaget Artnet avslöjade i en analys att mellan 2008 och 2018 var endast 11 procent av allt arbete som förvärvats av de främsta amerikanska museerna av kvinnor. När det gäller en historisk förståelse av konst finns det alltså fortfarande mycket arbete att göra för att öka synligheten för kvinnliga konstnärer och deras verk.

Här är en översikt över mina kvinnliga favoritkonstnärer över hela konsthistorien, fram till idag, som jag uppskattar för deras behärskning av flera medier, för deras konceptuella tänkande, för deras behandling av kvinnocentrerade ämnen och därmed för att skapa en anmärkningsvärd och unik œuvre .

Camille Henrot

Franskfödda, samtida kvinnliga konstnären Camille Henrot är känd för att arbeta med olika medier, allt från film till assemblage och skulptur. Hon har till och med vågat sig på Ikebana, en traditionell japansk blomsterarrangemangsteknik. Men det som gör hennes arbete verkligt anmärkningsvärt är hennes förmåga att kombinera till synes motsägelsefulla idéer. I sina komplexa konstverk ställer hon filosofi mot popkultur och mytologi mot vetenskap. Den underliggande, allomfattande idén med hennes konstverk är aldrig alltför uppenbar. Camille Henrot är en mästare i att slå in saker elegant och skapa subtila och mystiska atmosfärer. Det är först efter att du har fördjupat dig i dem som du kommer att kunna koppla ihop prickarna.

För att illustrera det bäst, låt oss ta ett exempel: Mellan 2017 och 2018 ställde Camille Henrot ut en Carte Blanche på Palais de Tokyo i Paris, med titeln Dagar är hundar . Hon ifrågasatte de auktoritets- och fiktionsförhållanden som bestämmer vår existens, och tog en av de mest grundläggande strukturerna i våra liv – veckan – för att organisera sin egen utställning. Medan år, månader och dagar är strukturerade av en naturlig given, är veckan däremot en fiktion, en mänsklig uppfinning. Ändå minskar inte berättelsen bakom dess känslomässiga och psykologiska effekter på oss.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, fotografi av Andy Keate via camillehenrot.fr

I ett av rummen ställde Camille Henrot ut sin installation Den bleka räven , som tidigare hade beställts och producerats av Chisenhale Gallery. Hon använde den för att representera veckans sista dag – söndagen. Det är en uppslukande miljö byggd på Camille Henrots tidigare projekt Grosse Fatigue (2013) – en film som belönats med Silverlejon vid den 55:e Venedigbiennalen. Medan Grosse Fatigue berättar historien om universum på tretton minuter, är The Pale Fox en meditation över vår gemensamma önskan att förstå världen genom de föremål som omger oss. Hon samlade på sig personligt material och lade på det i enlighet med ett överflöd av principer (kardinalriktningarna, livets stadier, Leibniz filosofiska principer), vilket skapade den fysiska upplevelsen av en sömnlös natt, en katalogiserande psykos. På sin hemsida uppger hon att jag med The Pale Fox hade för avsikt att håna handlingen att bygga en sammanhängande miljö. Trots alla våra ansträngningar och goda vilja, hamnar vi alltid med en sten fast i ena skon.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Haris Epaminondas

Fokus för den cypriotiska konstnärens verk fokuserar på expansiva collage och flerskiktsinstallationer. För den internationella utställningen på 58:e Venedigbiennalen , kombinerade hon hittat material som skulpturer, keramik, böcker eller fotografier, som hon använde för att noggrant konstruera en av sina karaktäristiska installationer.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografi av Tony Prikryl

I likhet med Camille Henrot avslöjar inte hennes kompositioner sina underliggande betydelser omedelbart. Det som dock skiljer hennes arbete från Camille Henrots är att hon inte bäddar in sina föremål i komplexa berättelser och konceptuella teorier. Istället är hennes installationer organiserade på ett mycket enklare sätt, vilket framkallar en känsla av minimalistisk ordning. Det är först efter att ha tittat närmare på de enskilda föremålen som du kommer att märka motsättningarna bakom en till synes perfekt estetik. För sina kompositioner använder Haris Epaminonda hittade föremål som i en traditionell uppfattning skulle vara helt konstiga för varandra. Till exempel kan du hitta ett bonsaiträd som står bredvid en grekisk kolumn på ett nästan naturligt sätt. Konstnären trasslar in sina föremål i ett nät av historiska och personliga betydelser som är okända för allmänheten och förmodligen även för henne själv. Även om Haris Epaminonda inte ignorerar de implicita berättelserna om sina föremål, föredrar hon att låta dem utöva sin kraft i sig.

VOL. 27:e, Haris Epaminonda, 2019, via moussemagazine.it

För sin trettio minuter långa video Chimera vann Haris Epaminonda den 58:e Venedigbiennalen Silverlejon pris som lovande ung deltagare och är sedan dess en av samtidskonstens internationella stjärnskott.

Akunyili Crosbys grepp

Njideka Akunyili Crosby är född i Nigeria och bor och arbetar för närvarande i Los Angeles. Som tonåring vann hennes mamma green card-lotteriet, vilket gjorde det möjligt för hela familjen att flytta till USA. I sina målningar speglar Akunyili Crosby sina erfarenheter som medlem av den samtida nigerianska diasporan. På gigantiska pappersytor applicerar hon flera lager för att avbilda porträtt och inhemska interiörer, tillsammans med djup och planhet.

Denna kvinnliga konstnär arbetar med en mixed-mediateknik som innehåller bland annat fotografiska transfereringar, färg, collage, pennteckning, marmordamm och tyg. På så sätt skapar konstnären extraordinära målningar som illustrerar ganska vanliga, inhemska teman där hon skildrar sig själv eller sin familj. Hennes arbete handlar egentligen om kontraster, både formellt och innehållsmässigt. Om du tittar närmare på detaljerna i hennes målningar, hittar du föremål som en gjutjärnsradiator som indikerar New Yorks kalla vintrar eller en paraffinlampa som ställs på ett bord, till exempel, som är hämtad från Akunyili Crosbys minnen från Nigeria.

Mama, Mummy and Mama (föregångare nr 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, via njikedaakunyilicrosby

Kontrasterna är dock inte bara begränsade till det ovan nämnda: År 2016 uppvägde en plötslig hög efterfrågan på Akunyili Crosbys arbete, som hon producerar långsamt, utbudet. Detta fick hennes konstverks priser att explodera på marknaden. Det kulminerade med att en av hennes målningar såldes på Sothebys samtida konstauktion i november 2016 för nästan 1 miljon dollar, vilket satte ett nytt artistrekord. Bara ett halvår senare såldes ett verk av en privat samlare för cirka 3 miljoner dollar Christies London och 2018 sålde hon en annan målning för cirka 3,5 miljoner dollar Sotheby's New York .

Louise Bourgeois

Den fransk-amerikanska konstnären är mest känd för sina storskaliga skulpturer, den mest kända är en gigantisk bronsspindel 'Louise Bourgeois Spider' med titeln Maman som ständigt reser runt i världen. Med en höjd på nio meter har hon skapat en överdimensionerad, metaforisk representation av sin egen mamma, även om konstverket inte alls handlar om att avslöja en tragisk mor-och-dotter-relation. Tvärtom: Skulpturen är en hyllning till hennes egen mamma som arbetade som gobelängrestauratör i Paris. Precis som spindlar förnyade Bourgeois mamma vävnad – om och om igen. Konstnären uppfattade alltså spindlar som skyddande och hjälpsamma varelser. Livet består av upplevelser och känslor. Föremålen jag har skapat gör dem påtagliga, sa Bourgeois en gång för att förklara sitt eget konstverk.

Mamma, Louise Bourgeois, 1999, via guggenheim-bilbao.eus

Förutom att skapa skulpturer var hon också en produktiv målare och grafiker. Under 2017 och 2018 har museum för modern konst i New York (MoMA) dedikerade en retrospektiv av konstnärens mindre kända verk, kallad An Unfolding Portrait, mest med fokus på hennes målningar, skisser och tryck.

My Inner Life, Louise Bourgeois, 2008, via moma.org

Oavsett vilket media den multibegåvade konstnären använde, fokuserade Bourgeois mest på att utforska teman som kretsade kring hemlighet och familjen, sexualitet och kroppen, såväl som döden och det omedvetna.

Gabriele Munter

Om du vet Wassily Kandinsky , Gabriele Münter borde inte vara något mindre namn för dig. Den expressionistiska kvinnliga konstnären stod i framkant i gruppen Den blå ryttaren (The Blue Rider) och arbetade tillsammans med Kandinsky, som hon hade träffat under sina klasser på Phalanx School i München, en avantgardistisk institution grundad av den ryske konstnären.

Porträtt av Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, via Wikimedia Commons

Kandinsky var den första att lägga märke till Gabriele Münters målarförmåga i början av 1900-talet. Deras professionella relation – som så småningom också blev en personlig – varade i nästan ett decennium. Det var under denna tid som Gabriele Münter skulle lära sig att arbeta med en palettkniv och tjocka penseldrag och tillämpa tekniker som hon hämtade från det franska Stora katter .

Med sina nyvunna kunskaper började hon måla landskap, självporträtt och inhemska interiörer i rika färger, förenklade former och djärva linjer. Efter en tid utvecklade Gabriele Münter ett djupare intresse för att måla den moderna civilisationens anda, ett vanligt tema för expressionistiska konstnärer. Precis som livet i sig är en ackumulering av övergående ögonblick, började hon fånga ögonblickliga visuella upplevelser, vanligtvis på ett snabbt och spontant sätt.

Det gula huset (Det gula huset), Gabriele Münter, 1908, via Wikiart

För att väcka känslor använde hon levande färger och skapade poetiska landskap som är rika på fantasi och fantasi. Gabriele Münter och Kandinskys relation påverkade starkt den ryska konstnärens arbete. Han började anamma Gabriele Münters användning av mättade färger och hennes expressionistiska stil i sina egna målningar.

Deras förhållande tog slut när Kandinsky var tvungen att lämna Tyskland under första världskriget och därför var han tvungen att åka tillbaka till Ryssland. Från den tidpunkten fortsatte både Gabriele Münter och Kandinsky med ett liv skilt från varandra, men deras ömsesidiga inflytande på varandras verk kvarstod.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp är förmodligen en av konsthistoriens mest mångbegåvade kvinnliga konstnärer. Hon arbetade bland annat som målare, skulptör, textil- och scenograf och som dansare.

Scenografi för König Hirsch (The Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fotografi av E. Linck Den schweiziska konstnären började som instruktör för broderi, vävning och textildesign vid konstuniversitetet i Zürich. 1915 träffade hon sin blivande make Jean Hans Arp , som hade flytt från den tyska armén under första världskriget och som hade anslutit sig till Dada-rörelse . Han introducerade henne för rörelsen och därefter deltog hon i föreställningar som organiserades av Dadaister i Cabaret Voltaire. Hon bidrog som dansare, koreograf och dockspelare. Dessutom designade hon dockor, kostymer och scenografier för sina egna och andra artisters framträdanden på Cabaret Voltaire .

Förutom att uppträda på Dada-evenemang skapade Sophie Taeuber-Arp textila och grafiska verk som är bland de tidigaste konstruktivistiska verken i konsthistorien, tillsammans med de av Piet Mondrian och Kasimir Malevich.

Gleichgewicht (Balans), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, via Wikimedia Commons. Hon var också en av de första konstnärerna någonsin att använda prickar i sina verk. Sophie Taeuber-Arp hade en framstående förståelse för sofistikerade geometriska former, för abstraktion och för användning av färger. Hennes verk ansågs ofta vara banbrytande och samtidigt glädjande.

1943 dog Sophie Taeuber-Arp på grund av en olycka i Max Bills hus. Hon och hennes man hade bestämt sig för att övernatta efter att det blivit sent. Det var en kall vinternatt och Sophie Taeuber-Arp tände den gamla spisen i sitt lilla gästrum. Nästa dag hittade hennes man henne död på grund av kolmonoxidförgiftning.

Sophie Taeuber-Arp och hennes man Jean Arp hade arbetat mycket nära tillsammans under olika ömsesidiga projekt. De var ett av få par i konsthistorien som inte passade konstnärens och hans musas traditionella roller. Istället träffades de i ögonhöjd och blev lika respekterade och uppskattade av sina artistvänner – Marcel Duchamp och Joan Miro är två av dem – och av konstkritiker för sina verk