Bridget Riley: Den kvinnliga konstnären som skapar optiska illusioner

Bridget Rileys verk blev ett känt exempel på Op-konst på 1960-talet. Hennes konst präglas av geometriska former, hög kontrast, svindlande optiska illusioner, svartvita former och livfulla färger. Trots att hennes målningar allmänt betraktas som abstrakta, framhåller Riley själv sin roll som målare och inte som abstrakt konstnär. Från sin barndom tillbringade Riley mycket tid med att titta på världen och naturen omkring sig. Hennes konstverk representerar hennes fokus på visuell upplevelse. Än idag skapar Riley fortfarande konst som uppmuntrar betraktaren att interagera med den.

Bridget Rileys verk: Vad är opkonst?

Blaze av Bridget Riley , 1964, via Tate, London

Termen Op art är en förkortning för optisk konst . Rörelsen blev populär på 1960-talet genom verk av konstnärer som Victor Vasarely, Bridget Riley , och Richard Anuszkiewicz. Konstnärer i rörelsen använde geometriska former för att skapa optiska illusioner i sina abstrakta konstverk. Målningar förknippade med Op art är också kända för sin tematisering av perception och hur färg påverkar betraktaren. Genom att manipulera målningens linjer, färger och former skapar konstnärer illusioner, tvetydighet eller känslan av rörelse och flimmer i sina målningar. Bridget Rileys verk Blaze är ett exempel på de visuella illusioner som skapas i Op art. Spiralen skapar en känsla av rörelse efter att betraktaren tittat på konstverket under en längre tid.

Vem är Bridget Riley?

Foto på Bridget Riley av Ida Kahr , 1963, via Phillips

Bridget Riley föddes 1931 i Norwood, London. Hon studerade konst vid Goldsmiths College och Royal College of Art. Från 1957 till 1958 arbetade hon som bildlärare i Harrow. Hon undervisade senare också vid Loughborough School of Art, vid Hornsey School of Art och vid Croydon School of Art.

I början av sin karriär skapade Riley figurativa målningar i en semi-impressionistisk stil. Omkring 1958 bytte hon till pointillist landskap. Det var inte förrän 1960 som Bridget Riley skapade sina första abstrakta op-art-verk som hon är mest känd för idag. Influerad av konstnärer som Victor Vasarely började Riley experimentera med geometriska former, abstrakta former, svarta och vita linjer och olika färger för att skapa optiska illusioner och rörelse i sina verk. Hon blev välkänd genom att visa sina verk bredvid konstnärer som Victor Vasarely och Josef Albers i den berömda utställningen Det lyhörda ögat på New Yorks Museum of Modern Art 1965.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Gala av Bridget Riley , 1974, via Sotheby's

Medan optiska illusioner fortsatte att vara en viktig egenskap hos Bridget Rileys verk, började konstnären använda mer färg 1967. De geometriska formerna i hennes verk ersattes ibland av böjda linjer som skapade en vågliknande rörelse. Ett exempel på dessa färgglada och våglika målningar med en nästan svindlande effekt heter Gala från år 1974.

Några år senare bearbetade Riley sina intryck av resor till platser som Egypten och Indien genom sin konst. Hennes målning Achæan från 1981 är inspirerad av antika gravmålningar och landskap som konstnären såg i Egypten. Ett annat verk ringde Nataraja från 1993 är en referens till hinduisk mytologi och guden Siva som ofta avbildas som dansens herre.

Förutom sina vanliga målningar har Bridget Riley också fått i uppdrag att skapa flera väggmålningar, inklusive interiören av Royal Liverpool Hospital 1983, en väggmålning för Chinati Foundation 2012 och en väggmålning som heter Budbärare för National Gallery i London 2019.

Optiska upplevelser och hur vi ser

Fall av Bridget Riley , 1963, via Tate, London

En av de viktigaste aspekterna av Rileys arbete är granskningen av perception och hur vi ser. Konstnären är känd för att utforska optiska upplevelser i sina målningar. Hennes verk är inspirerade av hennes egen uppfattning om omvärlden, naturen och konstverken. I en intervju med Sir John Leighton Riley sa, men innan jag började rita började jag titta. Hon tillade att hon faktiskt inte alls tänkte på att vara konstnär, men att hon behövde gå till en konstskola för att kunna utöva sin vana att titta ytterligare. De optiska illusionerna i Bridget Rileys målningar påminner ofta betraktaren om hur de ser, hur deras öga bearbetar visuella stimuli och att de saker vi uppfattar inte alltid är vad de verkar vara.

Kopia av Seurats bro i Courbevoie av Bridget Riley , 1959, via The Guardian

Kopplingen mellan Bridget Rileys konst och dess utforskande av visuell perception kan delvis förklaras genom hennes engagemang i impressionistiska och pointillistiska idéer och målningsmetoder. Utställningen Bridget Riley: Att lära av Seurat ägde rum 2015-2016 på Courtauld Gallery och undersökte detta förhållande mellan Seurats pointillism och Bridget Rileys På konst . Hennes arbete var avsevärt influerat av Georges Seurat och hans betoning på den optiska upplevelsen av konstverk.

1959 kopierade Riley Seurats Bron vid Courbevoie vilket var avgörande för hennes förståelse av färg. Genom att titta på Seurat lärde sig Riley hur man använder färg för att framkalla vissa effekter eller illusioner i sin konst. Pointillisttekniken bygger på målning av små och olikfärgade prickar som placeras bredvid varandra. De olika färgerna på prickarna som placerades mycket nära varandra resulterar i utseendet av en levande och lysande färg. Denna illusionistiska inställning till färg och konst finns också i Rileys verk.

3 oväntade målningar som inspirerade Bridget Rileys arbete

Ofrälse av Bridget Riley , 1964, via Tate, London

Trots att Bridget Riley är känd för sina geometriska och repetitiva former, optiska illusioner och vad som kan beskrivas som högst abstrakt konst, hämtar hon inspiration från konstnärer som målat i helt andra stilar. Riley sa en gång att hon inte skulle beskriva sig själv som en abstrakt konstnär utan som en målare först och främst, vilket gör dessa influenser mindre oväntade än de kan verka vid första anblicken.

Diana och Actaeon av Titian , 1556 – 1559, via National Galleries Scotland, Edinburgh

Målningen Diana och Actaeon förbi Tizian skildrar en myt från Ovidius Metamorfoser. Det visar ögonblicket i berättelsen där jägaren Actaeon upptäcker gudinnan Diana under hennes bad. Upprörd över Actaeons intrång, förvandlar Diana honom till ett rådjur. Eftersom han inte kan känna igen Actaeons tidigare jag, jagar och dödar hans egna hundar honom.

Bridget Riley, som är mycket uppmärksam på de visuella influenserna runt henne och är mycket intresserad av att utforska färg, skrev : Titians legendariska behärskning av sin palett, färgblandningen och hanteringen av hans crimsons, blues och gula ockrar, är här ansvarig för vad Delacroix senare kallade den första förtjänsten av en målning, att förbereda en fest för ögat.

Dedham Vale av John Constable , 1828, via National Galleries Scotland, Edinburgh

Känd för att visa romantiska landskap, John Constable gjort ett viktigt bidrag till genren landskapsmåleri. Constable föddes i Suffolk och skildrade ofta miljön omkring sig. Liksom Bridget Riley ägnade han stor uppmärksamhet åt sin naturliga omgivning. Konstapelns målning Dedham Vale visar ett av hans favoritämnen och skildrar utsikten mot Dedhams kyrka som låg nära hans fars vattenkvarn. Riley beskrivs målningen som en växelverkan av motstridiga och motstridiga naturkrafter och ett vackert och mycket speciellt ljushölje.

Målarlektionen eller målningssessionen av Henri Matisse , 1919, via National Galleries Scotland, Edinburgh

Titeln på Henri Matisses målning, Målarlektionen eller Målarpasset kan översättas som Målarlektionen eller Målarsessionen. Den visar en ung flicka böjd över en bok och en konstnär, möjligen Matisse själv, som målar på en duk. Riley, till synes lockad av det mystiska förhållandet mellan målningens två ämnen, beskrivs scenen på ett nästan poetiskt sätt: Bandet är omärkligt, ett mysterium som är klart synligt för alla att se och som på så sätt ökar i täthet och ogenomtränglighet. Tittaren fortsätter att titta, granskar hela situationen – ingenting avslöjas. Bridget Riley nämnde att Matisses konst och sättet han ritade alltid väckte hennes uppmärksamhet.

Bridget Rileys politiska arbete: att motstå kommersialisering och integrera tittaren

Foto på Bridget Riley bredvid hennes konstverk , 1963, via BBC

Bridget Riley började motsätta sig den kommersiella aspekten av konst- och modevärlden tidigt i sin karriär. När hennes verk användes som tryck för modeartiklar, besvärades hon av utnyttjandet av hennes Op-konst för kommersiella ändamål. Keith Moon, trummisen för bandet The Who bar en T-shirt med ett tryck av Rileys verk Bläs för ett fotografi framför unionens flagga 1966. På den tiden fanns det inget upphovsrättsligt skydd för artister i USA.

Bridget Riley ägnade sig också åt problemet med oöverkomliga arbetsplatser för unga konstnärer i London. Tillsammans med artistkollegan Peter Sedgley , Riley grundade PLATS , som står för Space Provision Artistic Cultural and Educational, 1968. När Sedgley och Riley besökte de postindustriella loften i New York som konstnärer använde för både arbete och boende, trodde de att de tomma lagren i London kunde användas i en liknande sätt.

Movement in Square av Bridget Riley , 1961, via The Guardian

I motsats till konst som för många känns som att den bara är gjord för en liten och elitistisk krets, inkluderar Riley åskådarna i sitt arbete och erbjuder dem en omedelbar optisk upplevelse. Bridget Rileys konst är tänkt att vara en social handling . Den integrerar betraktaren och fullbordas av allas erfarenhet och tolkning av verket. Hennes verk behöver både skaparen och åskådaren samt interaktionen dem emellan för att vara konst.

Riley sa att unga människor som tittar på hennes verk kan se att hennes konst handlar om hur hon tänker. Enligt Riley är det därför de tycker så mycket om hennes arbete eftersom de vet att de är en del av konstverket. Konstnären tillade att hon är det väldigt glada över att de känner sig inkluderade. När man går in i en utställning med Rileys verk blir man som åskådare en viktig del av själva konstverket.