Optisk konsts underverk: 5 definierande egenskaper

Peter Kogler installationsvy på Galerie Mitterand , 2016; med Epoff av Victor Vasarely, 1969; och Relativitet av M.C. Escher, 1953

Optiska illusioner har fascinerat konstnärer i århundraden, men det är först sedan 1960-talet som termen Optical Art, eller Op Art, blev erkänd som en verifierbar konströrelse i sin egen rätt. Denna del av konstpraktik utforskar optiska illusioners magiska underverk, stimulerar sinnena och stör våra fysiologiska och psykologiska uppfattningar med konstiga mönster som framkallar svullnad, skevhet och suddighet, eller skapar skrämmande illusioner av djup, ljus och rymd. Att titta på dessa konstverk kan vara en verkligt häpnadsväckande upplevelse, som lyfter oss ur den vanliga världen och in i det surrealistiska och fantastiska. I den här artikeln undersöker vi fem av de vanligaste egenskaperna som har definierat optisk konst i modern och samtida tid. Men först, låt oss ta en titt på den historiska utvecklingen av optisk konst och de konstnärer som banade väg för dagens utövare.

Den optiska konstens historia

Ambassadörerna av Hans Holbein den yngre , 1533, via The National Gallery, London

Även om vi kanske tänker på Optical Arts galna mönster och färger som ett samtida fenomen, har optiska effekter varit en viktig del av konsthistorien sedan renässansen. Vissa kanske till och med säger att upptäckten av linjärt perspektiv i den tidiga renässansen var den första optiska effekten som uppträdde i konsten, vilket gjorde det möjligt för konstnärer att skapa optisk illusion av djup och rymd som aldrig förr. Camera obscura var också ett populärt verktyg bland Renässanskonstnärer , vilket gör att de kan uppnå häpnadsväckande nivåer av realism genom att projicera det verkliga livet på duken genom en nålhålslins. Vissa experimenterade till och med med hur en mörkt rum kunde skapa konstiga, anamorfoseffekter i sitt arbete, som t.ex Hans Holbein den yngres berömd gåtfull målning Ambassadörerna, 1533, där en förvrängd skalle sträckt över förgrunden endast kan ses ordentligt från en sida-på-vinkel.

Ingång till hamnen av Georges Seurat , 1888, i Lillie P. Bliss Collection och Museum of Modern Art, via The New York Times

På 1800-talet, Pointillistiska konstnärer Georges Seurat och Paul Signac experimenterade med färgens optiska effekter och utforskade hur mönster av små prickar i ren, oblandad färg placerade sida vid sida kunde 'blandas' i ögat när de ses på avstånd. I Seurats målningar bildade dessa skimrande prickar ett svindlande och fascinerande 'värmedimma' som löste upp gränserna mellan föremål och utrymmet runt dem.

Andra konstnärer och illustratörer från samma tid lekte med surrealistiska dualiteter, där en enda bild kunde innehålla två olika referenspunkter, som t.ex. VI. Hill's Ung kvinna Gammal kvinna , och Edgar Rubins Vas, 1915 – bilder som dessa var populära sällskapsspel, snarare än seriösa konstverk. Men en av de mest fascinerande konstnärerna som förde in sådana idéer i konstvärlden var den holländska grafikern M.C. Escher, vars skickliga och omöjligt surrealistiska konstverk illustrerar ett svindlande komplext universum av tessella mönster och alternativa verkligheter.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Relativitet av M.C. Escher , 1953, via New Hampshire Public Radio

I mitten av 1900-talet exploderade intresset för optisk konst i hela Europa och utanför; konstnärer drogs alltmer till världarna av vetenskap, färg och optik i en tid då framsteg gjordes inom datorer, flyg och tv. På 1960-talet hade optisk konst vuxit fram som en egen konströrelse, med konstnärer inklusive Bridget Riley, Victor Vasarely och Jesus Rafael Soto som gjorde vågade experiment inom optikens sfär, var och en med sina egna distinkta språk av abstrakt geometri.

Optical Art uppstod i linje med Kinetisk konst, med båda stilarna delade fascinationerna för teknik och rörelse, men Optical Art var mer fokuserad på tvådimensionella snarare än tredimensionella konstformer. I samtida har allt förändrats eftersom dagens konstnärer har expanderat svindlande optiska effekter till ett brett spektrum av sammanhang, från gallerirum till stadsgator. Så, exakt hur ser Optical Art ut? Här är fem av de avgörande egenskaperna som utgör denna fascinerande arena, tillsammans med några av världens mest hyllade konstverk.

Konstig geometri

Epoff av Victor Vasarely , 1969, via Christie's

Geometriska mönster är en viktig komponent i mycket optisk konst, vilket gör att konstnärer kan experimentera med hur komplexa arrangemang av linjer, färger och mönster kan pulsera eller svälla av en plan yta. Som influerad av de alternativa verkligheterna i M.C. Escher, olika Op-artister från 1960-talet lekte också med upprepade tessellmönster, drog eller sträckte dem i vågade nya riktningar. Den banbrytande franske målaren Victor Vasarely gjorde bländande mönster under hela 1960- och 1970-talen som tycks expandera utåt från plan yta och utåt i utrymmet bortom, som man kan se i Epoff, 1969. Ibland känd som Op Arts 'farfar' är hans banbrytande målning nu världsberömd för sin tekniska och uppfinningsrika uppfinningsrikedom. Han observerade berömt, att uppleva närvaron av ett konstverk är viktigare än att förstå det.

Progression polykrom av Jean-Pierre Yvaralh , 1970, via Christie's

Vasarelys son Jean-Pierre Yvaral följde i sin fars fotspår på 1970- och 1980-talen och skapade komplexa färg- och ljusscheman som verkar nynna av glödande energi. Flödande horisontella och vertikala linjer antyder porlande rörelsevågor, medan subtila, flimrande moduleringar i ljus skapar skimrande, svindlande visuella effekter, som ses i Progression, polykrom, 1970.

Rörelse

Flytta av Bridget Riley , 1963, via Sotheby's

Rörelse har varit en nyckelfunktion för optisk konst sedan 1960-talet, med olika konstnärer som utforskar hur man framkallar rörelse på en plan yta genom dynamiska arrangemang av form och färg. Den brittiska konstnären Bridget Riley är en av de mest kända – under hela 1960- och 1970-talen fascinerades hon av den slående optiska effekten av hög kontrast, svartvit design, och utforskade hur svajande vågiga linjer och nära, återkommande mönster kunde framkalla den porlande känslan av rörelse. Hennes målningar var så visuellt kraftfulla att de kunde orsaka svullnad, skevhet, blinkningar, vibrationer eller till och med ostadighet, efterbilder och svimning. Riley fortsatte senare med att experimentera med färg och hämtade inspiration från Georges Seurats 'heat-haze'-effekter som skapades genom att placera komplementfärger sida vid sida, en praxis som hon införlivade i sina geometriska mönster.

Spirales 1955 (från Sotomagie Portfolio) av Jesus Rafael Soto , 1955, via Christie's

Den venezuelanske konstnären Jesus Rafael Soto var också fascinerad av anropandet av rörelse i konsten, experimenterande med hur korsande former och linjer kunde framkalla disiga, desorienterande visuella effekter i både två- och tredimensionella former. I hans serie spiraler, 1955 skapas rörelse genom att koncentriska vita cirklar överlappar en serie svarta. Motstående svarta tillplattade ovaler med vita, höga avlångar orsakar friktion och en radiell bluras om cirklarna har börjat snurra i rörelse.

Illusionen av djup

Marion Gallery, Panama väggmålning senast 1010 , 2015, via Arch Daily

En annan populär trop för Op-artister är illusionen av djup, en effekt som ibland är så extrem att den framkallar kraftfulla känslor av svindel. Denna gren av optisk konst är ett nyare fenomen som har dykt upp i en mängd olika sammanhang, från gathörn till galleriväggar. Anonym tysk graffitikonstnär känd som 1010 gör arrestering installationer på offentliga konstplatser som utökar Vasarelys förvrängda geometri. På platta väggar skapar han illusionen av grottformiga tunnlar eller grottor som drar oss mot dem med staplade lager av briljant ljusa färger och dramatisk chiaroscuro-belysning, som drar oss mot deras mörka och mystiska centrum.

Vantage av Aakash Nihalani , 2014, via Colossal Magazine

Den amerikanske konstnären Aakash Nihalani gör också djärva, bländande ljusa installationer som ser ut att öppna upp utrymme på ett annars platt plan. Genom att arbeta med enkla, geometriska former målade med tecknade konturer och syrligt ljusa färgpaneler skapar hans imaginära blixtar, lådor, fönster och ljusbrytare nya portar till vita väggar. Dessa element livar upp dem med en lekfull, löjlig och grovt överdimensionerad känsla av kul. Han tar ibland in tredimensionella, konstruerade element, som ses i Vantage, 2014, där en strimma av skenelektricitet gjord av målat trä förenar de två motsatta galleriväggarna.

Krockande färg och tryck

Dimension (baksida) av Jen Stark , 2013, via Installation Magazine

Bygger på Bridget Rileys och Victor Vasarelys arv, många av dagens Op-artister leker med den skakande dissonansen som skapas genom att ställa mot varandra krockande färger och tryck i ett enda konstverk. Den amerikanska konstnären Jen Stark är allmänt känd för sina fantastiskt ljusa arrangemang av mönster och färg, som tar inflytande från de visuella systemen för växttillväxt, evolution, oändlighet, fraktaler och topografier. Byggt upp i tredimensionella lager, hennes verk inbjuder till visning från flera vinklar, och uppmuntrar oss att flytta runt dem för att skapa flimrande och skimrande visuella effekter, som ses i Dimension (baksida), 2013.

Spatial kromointerferens av Carlos Cruz Diez , 2018, på Buffalo Bayou Park Cistern, via The Houston Chronicle

Den latinamerikanske konstnären Carlos Cruz Diez har också fört optisk konst till tredimensionella sfärer och utforskat hur kalejdoskopiska visningar av mönstrade färger kan förvandla vår förståelse av rymden. Samt skapa expansiva målade offentliga konstinstallationer med livliga Op Art-mönster har han också gjort labyrinter av färgat ljus som han kallar för kromaturationer, och kastar galleriutrymmen i prismatiska visningar av glödande mönster. Författaren Holland Cotter beskriver att se verken: Känslan är lätt desorienterande, svindlande, som om gravitationen hade manipulerats.

Ljus och rymd

La Villette in Suites av Felice Varini , 2015, via Colossal Magazine

Undvikande kvaliteter av ljus och rymd har införlivats i många av dagens mest kraftfulla Op Art-verk, särskilt i praktiken av den schweiziska konstnären Felice Varini. Ungefär som Op-artister från tidigare generationer, leker han med de geometriska språken i koncentriska cirklar, vågiga linjer och upprepade mönster, men han tar dessa föreställningar ut i den verkliga världen och expanderar utåt över enorma, vidöppna utrymmen. Målade med levande, syntetiskt ljusa färger på grå, industrialiserade utrymmen, ger hans flimrande mönster ljus, färg och liv till annars trista eller trista förbisedda utrymmen. Liksom Hans Holbeins anamorfos från 1500-talet, kommer Varinis noggrant målade färgränder bara samman när de ses från en viss utsiktspunkt, som man kan se i La Villette in Suites, 2015.

Framtiden för optisk konst

Peter Kogler installationsvy på Galerie Mitterand , 2016, via Galerie Mitterand, Paris

Med blicken mot framtiden, många av dagens samtida konstnärer undersöker hur digital teknologi kan förbättra omfattningen och utbudet av optisk konst samtidigt som den fortsätter att expandera till tredimensionellt utrymme. Ett utmärkt exempel är den österrikiska konstnären Peter Kogler, som tar med häpnadsväckande komplexa, skeva linjer och mönster till uppslukande och allomfattande miljöer som verkar svälla och pulsera in och ut ur platta väggar. Designade på en dator har hans unika mönster tagit en mängd olika format, inklusive tryck, skulptur, möbler, tapeter, belysningsarmaturer, collage och digitala installationer i rumsstorlek. Hans fantastiskt surrealistiska visioner är som att kika in i en okänd framtid, där vi kan gå rakt in i den virtuella verklighetens sfärer.