Fotorealism: Förstå behärskning av vardaglighet

Buss med reflektion av Flatiron Building av Richard Estes , 1966-67, via Smithsonian Magazine och Marlborough Gallery, New York

Fotorealism är en radikal konströrelse från 1960-talets Nordamerika som såg målare kopiera fotografier i minsta detalj på enorma, vidsträckta dukar. Genom hela den fotorealistiska rörelsen visade konstnärer en mästerlig teknisk virtuositet i måleriet som inte liknade någonting före det, och förenade de två motsatta medierna målning och fotografi på ett nytt sätt.

Så olika konstnärer som Malcolm Morley, Chuck Close och Audrey Flack anammade den fotorealistiska stilen för att observera efterkrigstidens glänsande stadskultur, och förvandlade ödmjuka eller banala ämnen som gamla vykort, stökiga bordsskivor eller skyltfönster till fascinerande konstverk . Men mest av allt signalerade den fotorealistiska konströrelsen en betydelsefull period i konsthistorien eftersom fotografiskt material sedan dess har spelat en avgörande roll i utvecklingen av det samtida måleriet.

Kameran: En målares verktyg för fotorealism

SS Amsterdam framför Rotterdam av Malcolm Morley , 1966, via Christie's

Sedan dess uppfinning på 19th-talets fotografi hade oundvikligen en inverkan på målningens natur och roll. Det var inte längre målningens roll att fånga livets noggrannhet, så målningen var fri att vara något helt annat: många har hävdat att denna förändring ledde 19thoch 20th-talets konst vidare in i abstraktionens sfärer , där färg kunde bete sig hur den ville. Men i början av 1960-talet började många konstnärer tröttna på att slänga runt färg för sin egen skull och istället leta efter något fräscht och nytt. Ange artisterna Malcolm Morley och Richard Estes. Den brittiske målaren Morley nämns ofta som den första konstnären som utforskade fotorealism och skapade minutiöst detaljerade kopior av vykort med idylliska oceanfartyg som kryssar genom det bländande blå vattnet i en stil som han kallade superrealistisk.

Diner av Richard Estes , 1971, via Smithsonian Magazine och Marlborough Gallery, New York

På Morleys klackar var den amerikanske målaren Richard Estes, som följde trenden med mödosamt återgivna skildringar av New Yorks glänsande fasad, från de polerade fönstren på 1950-talets matgäster till den metalliska glansen av helt nya bilar. De reflekterande ytorna han använde var ett medvetet skyltfönster för hans mästerliga behärskning i målning och skulle bli enormt inflytelserik på fotorealism. Denna nya målarstil såg till en början ut som en återgång till realismens traditioner, men i verkligheten var det en helt ny värld av okänt territorium. Det som skilde fotorealistiskt arbete från de mycket realistiska målarna från det förflutna var ett medvetet försök att replikera egenskaper som är unika för den fotografiska bilden, som beskrivs i publikationen Konst i tiden : Fotorealistiska konstnärer på 1960- och 1970-talen undersökte den typ av syn som var unik för kameran ... fokus, skärpedjup, naturalistiska detaljer och enhetlig uppmärksamhet på bildens yta.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Fotorealism, popkonst och minimalism

Järnhandlare av John Salt , 1981 , via National Galleries of Scotland, Edinburgh

Tycka om Popkonst och Minimalism, Fotorealism uppstod från 1950-talets Europa och USA som en reaktion mot de vilt känslomässiga språken i Abstrakt expressionism. Popkonsten kom först och banade vägen med ett fräckt fokus på reklamens gimmickiga glamour och kändiskulturen injicerad med syrliga ljusa färger och förenklade mönster. Minimalismen var cool och snygg i jämförelse, en avskalad, raffinerad version av abstraktion med repetitiva rutnät, geometri och begränsad färg. Den fotorealistiska rörelsen växte fram i en mellanting någonstans mellan dessa två delar, och delade tillägnandet av populärkultur med popkonst , och minimalismens rena, metodiska rationalitet. I motsats till Pop Arts fräcka nöje, observerade fotorealistiska konstnärer banala ämnen med en snett, dödlig ironi som saknade mänskliga känslor: en utmärkt kontrast kan ses mellan Andy Warhols ikoniskt popmotiv av Campbells soppburkar, 1962 och John Salts fotorealistiska observationer av ett järnskyltfönster i Järnhandlare , 1981. Fotorealism krockade också med minimalism genom att återge delar av berättande eller realistiskt innehåll i motsats till deras rena, rena språk av reduktiv enkelhet.

Ledande konstnärer

’64 Chrysler av Robert Bechtle , 1971, via Christie's

Under det tidiga 1970-talet tog fotorealismen fart och blev ett enormt fenomen över hela Nordamerika. Ledare i den nya stilen inkluderade de kaliforniska konstnärerna Robert Bechtle, Ralph Goings och Richard Mclean och i New York målarna Chuck Close, Audrey Flack och Tom Blackwell. Snarare än en enad grupp, arbetade varje konstnär självständigt och närmade sig en fotorealistisk stil inom sin egen konceptuella ram. Robert Bechtle målade scener som han kallade essensen av den amerikanska upplevelsen, och speglade reklams visuella ikonografi med vanliga förortsscener av familjer och deras pålitliga bilar som den ultimata symbolen för kapitalistisk lyx. Men hans fokus på den platta, glansiga fanéren är lite för perfekt, vilket tyder på att mörkret lurar bakom denna ytliga fasad. Richard Mclean producerade också en idealiserad vision av det amerikanska livet, men han presenterade ridsport eller nötkreatursämnen istället för förortsutbredningen, och dokumenterade smarta ryttare, djurförare och glansiga hästar i flammande solsken som den amerikanska drömmens sanna emblem.

Medaljong av Richard Mclean , 1974, via Guggenheim Museum, New York

En rörelse är född

Olika namn kastades till en början på denna brokiga besättning av spirande unga konstnärer, inklusive New Realism, Super-Realism och Hyper-Realism, men det var New York-galleristen Louis K Meisel som först myntade termen 'fotorealism' i katalogen för Whitney Museum utställning Tjugotvå realister, 1970. Efter framgången med denna show, uppfann Meisel sig själv som en enmanshejaklacksledare för fotorealism på 1970-talet, och ägnade sitt eget SoHo-galleri åt att främja fotorealistiska konstverk, samt publicerade en strikt fempunktsguide som beskriver i exakta detaljer hur ett fotorealistiskt konstverk borde se ut. Ett annat landmärke för den fotorealistiska rörelsen kom 1972 när schweizisk curator Harald Szeemann regisserat hela dokument 5 i Tyskland som ett skyltfönster för den fotorealistiska stilen med titeln Ifrågasättande av verkligheten – bildvärldar idag, med verk av hela 220 konstnärer som arbetar med fotografiska målarstilar.

Hur gjorde de det?

Big Self-Portrait av Chuck Close, 1967-68, via Walker Art Centre, Minneapolis

Fotorealistiska konstnärer utforskade en rad uppfinningsrika och ibland geniala knep för att uppnå så imponerande exakta resultat. New York-målaren Chuck Close gjorde enorma, minutiöst detaljerade porträtt av sig själv och sina vänner genom att kombinera flera revolutionerande tekniker. Den första var att applicera ett rutnät på en polaroidbild för att bryta ner den i en serie små komponenter, sedan måla varje liten del åt gången för att hindra honom från att bli överväldigad av den enorma uppgiften. Han jämförde detta metodiska tillvägagångssätt med 'stickning', eftersom bilden byggs upp metodiskt rad för rad. Stäng även applicerade delar av färg med en airbrush och skrapa in i den med rakblad för att uppnå finare områden av definition och till och med fäst ett radergummi på en elektrisk borr för att verkligen fungera i de mjukare områdena av ton. Förvånande nog gör han anspråk på sin ikoniska 7 x 9 fot Stort självporträtt, 1967-68 gjordes med endast en tesked svart akrylfärg.

Andra världskriget (Vanity) av Audrey Flack , 1977, via Christie's

Däremot skulle andra New York-konstnären Audrey Flack projicera sina egna fotografiska bilder på en duk som en guide för målning; det första av hennes verk som gjordes på detta sätt var Farb familjeporträtt, 1970. Att arbeta med projektion tillät henne att uppnå en bländande noggrannhetsnivå som inte skulle ha varit möjlig för hand. Flack skulle sedan applicera tunna lager av färg på hennes dukar med en airbrush, och därigenom ta bort alla spår av hennes hand i slutresultatet. I motsats till hennes samtidas fristående stilar, var Flacks målningar ofta försedda med djupare känslomässigt innehåll, särskilt hennes stillebenstudier som ekade memento mori-traditionen med noggrant placerade föremål som symboliserade livets korthet som dödskallar och brinnande ljus, som man kan se i verk som t.ex Andra världskriget (Vanity), 1977.

Hyperrealism

Man på en bänk av Duane Hanson , 1977, via Christie's

I kölvattnet av den fotorealistiska rörelsen dök en ny, uppblåst version av stilen fram under det senare 1970-talet som kom att kallas hyperrealism. I motsats till det allmänna mekaniska, fristående ögat hos fotorealistiska motiv fokuserade hyperrealismen på medvetet känslomässiga ämnen, samtidigt som känslan av vördnad och magnitud hos deras motiv ökade med enorma skalor, extrem belysning eller tips om berättande innehåll. Oberoende curator, författare och talare Barbara Maria Stafford beskrev stilen för Tate Gallerys tidning Tate Papers som något som är artificiellt intensifierat och tvingat att bli mer verkligt än det var när det fanns i den verkliga världen.

Skulptur var en särskilt viktig del av hyperverklig konst, särskilt de amerikanska skulptörerna Duane Hanson och John de Andreas glasfiberkroppsavgjutningar, som placerar otroligt verklighetstrogna figurer i poser eller scenarier som antyder outtalade historier under ytan. Den samtida australiensiska skulptören Ron Mueck har tagit dessa idéer till det yttersta under de senaste åren, och producerat surrealistiska figurativa emblem som talar om komplexiteten i det mänskliga tillståndet med förskjutna skalor som syftar till att förstärka deras känslomässiga påverkan. Hans enorma nyfödda bebis i En tjej, 2006, är över 5 meter lång och fångar med teatraliskt drama det mirakulösa underverket att föra ett barn till världen.

En tjej av Ron Mueck , 2006, via National Gallery of Melbourne, Australien och Atlanten

Nya idéer inom fotorealism

Loopy av Jeff Koons , 1999, via Guggenheim-museet, Bilbao

Fotorealismen nådde sin zenit på 1970-talet, men sedan dess har variationer av stilen bestått under de följande decennierna. Efter explosionen av informationsteknologi på 1990-talet antog en ny våg av konstnärer fotorealistiska sätt att arbeta, men många har tagit sig bortom bokstavligheten i den fotorealistiska konströrelsen genom att introducera element av kreativ digital redigering på datorprogram.

Namnlös (Ocean) av Vija Celmins , 1977, via San Francisco Museum of Modern Art

I amerikansk artist Jeff Koons kitsch, Easyfun-Ethereal serie, inklusive verket Loopy, 1999 skapar han digitala collage med förföriska utklippta utdrag från tidningar och reklamskyltar, som sedan skalas upp i färg av hans team av assistenter på enorma, väggstora dukar. I andra änden av spektrumet gör den amerikanska konstnären Vija Celmins små, utsökt observerade teckningar och tryck på papper i svart och vitt, och förmedlar havets vidsträckta vidder eller den stjärnfyllda natthimlen med små, repetitiva märken och fläckar som bara precis avslöja spåren av deras tillverkning.

Grunda dödsfall förbi Glenn Brown , 2000, via The Gagosian Gallery, London

Den brittiske målaren Glenn Brown tar ett helt annat tillvägagångssätt; med utgångspunkt i hyperrealismens surrealistiska språk gör han fotorealistiska kopior av kända expressionistiska konstverk som lyser med en aura av onaturligt ljus som om de sågs på en datorskärm. Browns komplexa process att kopiera i målning ett fotografi av en annan konstnärs konstverk avslöjar hur nära sammanflätade våra upplevelser av att se och göra målningar är med den digitala upplevelsen idag.