Popkonst: amerikansk vs. brittisk (berömda artister och ikonisk konst)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie's

En av de mest kända konströrelserna genom tiderna, Pop Art definierade den konsumentistiska ungdomskulturen på 1950- och 60-talen, vilket gjorde konsten Pop! som aldrig förr. Popkonstnärer sökte sig till populärkulturens sfärer för inspiration och tog lekfulla, färgstarka och vanvördiga bilder från reklam, serietidningar, tidningar och filmer och införlivade det i nya spännande konstformer.

Experimenterar med klipp-och-klistra-språket Dadaist och Surrealism , många artister utforskade collage på nya nya sätt. De hänvisar till den industrialiserade världen av kapitalism och konsumism med hånligt allvar. Andra anammade den växande tekniken med nya tekniker, inklusive tryckeri, fotografi ,och filmskapande, som gjorde det möjligt för konstnärer att producera multiplar och upprepa mönster, vilket tog bort anspråken kring det individuella, isolerade konstverket. Vissa fortsatte med traditionella medier för målning och skulptur men hittade sätt att införliva fotografiska eller tryckta element, eller stilar som efterliknade digitala effekter.

Marilyn Monroe-serien, Andy Warhol, 1967 och A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Popkonsten var huvudsakligen ett brittiskt och amerikanskt fenomen under 1950- och 60-talen, och popkonsten hade ett utbrett inflytande under de årtionden som följde, och inspirerade miljontals världsomspännande copycats. Faktum är att pop gifte sig med konst så framgångsrikt med handel att deras fackförening fortfarande står starkt idag. Det fortsätter att inspirera och informera otaliga kreativa tänkare.

Visste du att popkonst började i London, England?

Eduardo Paolozzi, Jag var en rik mans leksak, 1947

New Yorks Andy Warhol är Pops mest kända ikon, men många kanske inte vet att rörelsen faktiskt började i 1940-talets London. Den oberoende gruppen var ett band av likasinnade artister som träffades regelbundet i Londons Institute for Contemporary Art för att dela idéer. De förenades i sin fascination av amerikanska filmer, reklam och varumärken som hade tagit sig in i den brittiska kulturen. Medlemmar inkluderade Eduardo Paolozzi och Richard Hamilton, nu erkända som de första popartisterna någonsin. I ett fräckt collage av Paolozzi, med titeln Jag var en rik mans leksak, 1947, ordet Pop! kommer skjutande ur en leksakspistol, en nick mot den kreativa texten i serietidningar. Många ser nu detta konstverk som ursprunget till termen Pop Art, som Paolozzi använde som en förkortning av ordet populär, vilket refererar till gruppens fascination för populärkultur.

Richard Hamilton, Vad är det som gör dagens hem så annorlunda, så tilltalande?, 1956

Richard Hamiltons berömda collage Vad är det som gör dagens hem så annorlunda, så tilltalande? 1956, gjorde narr av det nya, idealiserade amerikanska liv som infiltrerade det västerländska samhället. Det var en löjligt överdriven bild av den perfekta mannen och kvinnan som visas med alla de senaste prylarna. Men de är ihåliga, ytliga emblem för konsumentism. Till skillnad från sin senare amerikanska motsvarighet kännetecknades brittisk popkonst av denna bitande satiriska kant som observerade amerikansk kultur på avstånd. Hamilton kallade skämtsamt deras nya stil, Populär, övergående, förbrukningsbar, lågkostnad, massproducerad, ung jippon, glamorös och Big Business.

Neo-Dada Och Pop I New York

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Jasper Johns, White Flag, 1955, The Met

I 1950-talets New York växte en Neo-Dada-kultur fram, som utforskade den vilt experimentella, klipp-och-klistra absurdismen från början av 20-taletthårhundrade Dada-rörelse . Framstående artister började dyka upp på scenen, inklusive Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein och Andy Warhol . I landmärkesutställningen kl Sydney Janis Gallery 1962 med titeln Nya realister , konstverken grupperades i flera återkommande teman, inklusive det dagliga föremålet, massmedia och upprepning. Den brittiska Amerika-baserade curatorn Lawrence Alloway upptäckte en koppling mellan brittisk och amerikansk konst. Han var den första som använde termen popkonst för att definiera gryningen av en ny era. I motsats till den brittiska popstilen levde amerikanska artister bland masskommunikationens och reklamens sfärer genom att observera det från ett insiderperspektiv med ett mindre kritiskt öga.

Många konstkritiker i både USA och Europa var bestörta över användningen av 'lågt' ämne inom 'hög' konst, och konstnärer mötte hård kritik medan rörelsen var i dess tidiga dagar. Men i mitten av 1960-talet hade många fler gallerier, konstnärer och köpare tagit upp den stigande trenden och det var tydligt att en ny stil var här för att stanna.

Warhol och Lichtensteins Americana

Andy Warhol, Campbells soppburkar, 1962

I 1960-talets New York var Andy Warhol affischpojken för amerikansk popkonst. Han utnyttjade populära, kända bilder från amerikansk kultur, inklusive Coca Cola, Campbell's Soup och ikoniska kändisar som Marilyn Monroe, Jackie Kennedy och Elizabeth Taylor. Hans favoritmedium var screentryck, vilket gjorde att han kunde producera slående, djärvt färgade bilder som multiplar och upprepade mönster, men han experimenterade också med ett brett utbud av andra medier inklusive målning, fotografi och filmskapande. Att etablera sin världsberömda verkstad i New York känd som Fabriken, han anställde ett team av assistenter för att hjälpa honom ta över konstscenen i New York. Även om Warhol ofta ses som en glansig symbol för Amerikas ytliga glamour, fanns det också en olycksbådande kant under många av hans konstverk, som framhävde den mörkare sidan av kändisskap och berömmelse, särskilt när skallar började dyka upp i hans konstverk.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Den amerikanske målaren Roy Lichtenstein tog sig också in i den kommersiella världen för ämnet. Ursprungligen inspirerad av hans barns Musse Pigg bubbelgummiförpackningar, som sågs i hans tidiga målning Titta Mickey, 1961, han började göra stora målade versioner av enstaka serietidningsramar, som han lade till och överdrev för att betona en ännu större dramatisk effekt. Vissa verk betonade den teatrala inverkan av onomatopoeisk serietidningstext, inklusive ord som Blam, Pop, Whaam och Varoom. De var alla ritade med överdrivna bokstäver och omgivna av vilt böljande rök, eld och lågor, eller linjer som antydde snabba rörelser. Dessa målningar var omedelbart kraftfulla och hade ett långvarigt inflytande på textkonsten på 1970-talet.

Roy Lichtenstein, Drowning Girl, 1963

Men Lichtenstein skrev verkligen historia med sin serie scener baserade på serietidningen med tonårsdrama Flickromanser , fånga ångestfyllda unga kvinnor som svepas bort av elake unga män, eller falla i pölar av förtvivlan som scenen i Drunknande flicka, 1963. Lichtenstein betonade och överdrev dessa unga kvinnors känslomässiga dramatik till en sådan grad att de blir skrattretande genom att lyfta fram den tryckta bildens ytliga karaktär. Replikerar bläckbesparingen Ben-day prick tryckteknik som användes för serier tjänade samma syfte och uppmärksammar den tillplattade bilden. Lichtenstein målad med platt, akryl Magna-färg genom en perforerad grill för att skapa denna syntetiska avpersonifierade estetik, med ett slutresultat som ser helt maskintillverkat ut.

Andra typer av popkonst

Arman, Långtidsparkering, 1982

I andra delar av Europa uppstod varianter av amerikansk och brittisk popkonst under olika namn. I Frankrike samlades en grupp konstnärer som kallade sig Nouveau Realistes (nya realister), med medlemmar som Arman, Cesar, Christo, John Tinguely och Yves Klein. Inspirerade av amerikansk och brittisk popkonst tog de in element av populärkultur i sin konst, men de utforskade också det mindre glamorösa avfallet i det dagliga livet, vilket gav sin konst en smutsigare, mindre polerad kant. Skulptören Arman tog med sig krossade eller övergivna bilar i sina enorma, monumentala samlingar, som man kan se i totemiken Långtidsparkering, 1982, medan Tinguely tillverkade skräpbutiksmaskiner av gamla hjul, muttrar och bultar, och injicerade i dem en klumpig, klingande ny livskraft.

Gerhard Richter, Party, 1963

En grupp konstnärer i Tyskland reagerade också på popkonstens fenomen på 1960-talet, bl.a. Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg och Manfred Kuttner. Skämtsamt annonserade sig själva som tyska popartister för att fånga uppmärksamheten, i själva verket var deras arbete mer komplext och kritiskt. Genom att slå samman delar av socialistisk realism från Östtyskland med den amerikaniserade kapitalismen i Västtyskland, uppfann de den sammanslagna termen Kapitalistisk realism för att beskriva deras mellanliggande hållning. Genom att lyfta bilder från nyhetsreportage, annonser och kändiskultur, hade deras bilder ofta en bitande, satirisk kant. Hos Richter Fest, 1963, till exempel förvandlas en grupp kändisar till hemsökande ghouls som sipprar blod i sina vinglas, medan i Sigmar Polkes Kaniner, 1966, Playboy's Bunny Girls reduceras till en pixlad, oskärpa av mönstrade och fläckiga prickar, som återspeglar Roy Lichtensteins prickiga språk.

Sigmar Sigmar Polke, Kaniner, 1966

Postmodernism, neo-pop och det superplatta

Sedan popkonstens tillkomst på 1960-talet har konstnärer fortsatt att reagera på allt mer äventyrliga sätt på massmediernas expanderande värld, ofta med en kritisk hållning. Under hela 1970-talet lekte postmoderna konstnärer med eller omarbetade bilder från allmänhetens ögon, och skapade ibland uppblåsta versioner av verkligheten för att betona de destruktiva egenskaperna hos konsumentism.

Cindy Sherman, Utan titel, 2010-12

Den amerikanska fotografen Cindy Shermans feministiska hållning gjorde skärpande observationer om samhällets ytliga, idealiserade arketyper riktade mot kvinnor genom filmer och tidskrifter. Utklädd till en rad karikatyrer med peruker, falska solbrännor, förhöjt smink och falska näsor, kritiserar hon det löjliga med feminina ideal genom att avslöja den mörka underlivet av plastikkirurgi och kosmetisk förbättring.

Jeff Koons, Lips, 2000, från serien 'Easyfun-Ethereal'.

Amerikansk konstnär Jeff Koons svarade på den kapitalistiska kulturen på 1980-talet med skenbara tidningsannonser och överdrivna skulpturer, förstorade kitsch, söta minnessaker till skrämmande överdimensionerade repliker. Hans serie av enorma 'Easyfun-Ethereal'-målningar är sammanslagningar av reklamsnuttar. De har glansiga kvinnors läppar och saftig våt frukt som svävar över tropiska landskap som framhäver reklamens överseende, sexualiserade karaktär. Detta snygga fotorealistiska språk är en stil som nu är känd som Neo-Pop. Liksom Warhol driver han en stor verkstad som sysselsätter team av assistenter som gör hans arbete åt honom. Mike Kelleys grovt överdimensionerade sammansättningar är ännu mer groteska, och klumpar ihop läskigt färgade mjukisleksaker till upphängda pälsbollar som talar om masskonsumtion, slöseri och överflöd.

Den japanska konstnären Takashi Murakami poserar med sin 'Superflat'-serie

Om postmoderna och neo-popartister tog en kritisk hållning till populärkulturen, japansk samtida konstnär Takashi Murakami har injicerat roligt igen. Konstkritiker kallar honom till och med Japans svar på Andy Warhol. Hans löjligt optimistiska värld är fylld av berusande blommönster och leende ansikten i godis-söta pastelltoner. Genom att använda termen Superflat för att definiera sitt syntetiska, dekorativa språk, drar han paralleller mellan gamla japanska träklossar och samtida anime- eller mangatecknade serier. Han säger att platt, dekorativ och blommig design har funnits i det japanska samhället i århundraden. Genom att föra popkonstens språk full cirkel, kombinerar han sina pråliga, leende blommor och fräcka, vänliga varelser till kommersiella föremål. Från sneakers och handväskor till telefonfodral och skateboards bevisar han hur tätt sammanflätade språken inom konst och handel fortsätter att vara.