Hur Clement Greenberg formade modernistisk konst

Newfoundland av Helen Frankenthaler , 1975, Privat samling

Den välkände konstkritikern Clement Greenberg var en av de 20 mest inflytelserika och respekterade rösternathårhundrade. Idag känd som amerikansk konsts röst, gjorde hans djärva och frispråkiga hyllning av amerikansk abstrakt konst på 1940- och 1950-talen till konstnärer som bl.a. Jackson Pollock, Willem de Kooning och Barnett Newman in i kända namn. Genom att tro att konst borde destilleras ner till dess renaste, enklaste och mest poetiska egenskaper av linje, färg och plan yta, påverkade Greenbergs idéer en hel generation, vilket ledde till att de skapade några av de mest ikoniska konstverken genom tiderna. Modernismen, skrev han, använde konst för att uppmärksamma konsten.

Clement Greenbergs tidiga idéer

Clement Greenberg , 1982, Konsttidningen

Clement Greenberg föddes i Bronx av judisk-litauiska immigranter och studerade engelsk litteratur vid Syracuse universitet. Efter examen gled han mellan jobben innan han hittade in i gruppen av författare och kritiker som kallade sig själva New York Intellectuals , inklusive Susan Sontag och Harold Rosenberg. Många var judar och förespråkade vänsterpolitik och integrerade litteraturteori med marxistisk tro, men de förkastade Stalin och lutade sig istället mot trotskismens liberalistiska idéer.

Många av Greenbergs idéer kom från början från Karl Marx, särskilt tron ​​att abstrakt avantgardekonst var ett djärvt och revolutionärt steg bort från förtryckande politiska regimer ledda av nazisterna eller kommunisterna. Ett annat stort inflytande på Greenbergs idéer var den tyske konstnären och pedagogen Hans Hofmann. 1938 och 1939 gick Greenberg på flera av Hoffmanns föreläsningar som betonade vikten av en formell förståelse inom konsten, där färg, linje, yta och förhållandet mellan plan på en plan yta ansågs viktigare än figurativt eller litterärt innehåll.

Vi firar avantgardet

Tillräckligt av Hans Hoffman , 1960, Privat samling

Mycket av Clement Greenbergs tidigaste kritiska författarskap dök upp i New Yorks liberala Partisan översyn , och var starkt influerad av Hans Hoffmanns idéer. Det var i Partisan översyn att Greenberg publicerade den första av sina mest inflytelserika essäer, med titeln Avantgarde och kitsch, 1939, vilket utgjorde grunden för många av hans framtida idéer.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

I uppsatsen hävdar Greenberg att avantgardekonsten från det tidiga 20-taletthtalet var den enda levande kulturen som fortfarande existerade, medan framväxten av kitsch, populärt eller massproducerat material var ett stort hot mot dess existens. Med argumentet att kitschbilder var en biprodukt av det klibbiga, billiga industrialiserade samhället, hävdade han starkt att både konst och litteratur borde erbjuda en väg till en högre sanning bortom detta förnedrade språk. Denna tro på den samhälleliga betydelsen för en hög avantgardistisk konst fokuserad på process och experiment var nyckeln i alla Greenbergs idéer om konst, som kom att informera hans framtida essäer om konstteori och konstpraktik.

Ett nytt Laocoon

Bara ett år senare publicerade Clement Greenberg den andra av sina instrumentellt viktiga essäer: Mot ett nyare Laocoon , 1940. Texten var en fortsättning på Gotthold Lessings berömda artikel Laocoon: En essä om gränserna för målning och poesi , publicerad 1766. Lessing hade börjat göra skillnader mellan olika konstnärliga medier inklusive poesi, målning och skulptur, och argumenterade för hur var och en hade sitt eget distinkta utvecklingsspråk som vi borde känna igen och uppskatta.

Med utgångspunkt i Lessings essä skisserade Greenbergs idéer en historisk logik som beskrev var ursprunget till det moderna måleriet hade kommit ifrån och vart det nu var på väg. Han hävdade att måleriet hade blivit allt mer tillplattat sedan historisk tid och gått bortom det berättande eller litterära innehållet mot en betoning på abstrakt mönster och yta, skrift, men viktigast av allt, bildplanet växer grundare och grundare, plattar ut och pressar samman fiktiva djupplan tills de möts som ett på det verkliga och materiella planet som är dukens faktiska yta.

Abstrakt expressionism

Gula öarna av Jackson Pollock 1952, Tate

Under hela 1940-talet bosatte sig Clement Greenberg i Greenwich Village-området i New York där han arbetade som redaktör för Partisan recension, biträdande redaktör för Kommentartidning och kritiker för Nationen . Han var en av de första att upptäcka och kämpa för arbetet i den spirande abstrakta expressionistiska skolan inklusive Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell och David Smith och genom hans författarskap lanserades dessa artisters karriärer i ett internationellt rampljus. I takt med att deras karriärer växte växte också Greenbergs och han blev en gigant på den amerikanska konstscenen, och tillträdde som föreläsare på Black Mountain College, Yale universitet, Bennington College och Princeton Universitet där han hade ett markant inflytande på nästa generation av kreativa tänkare.

Namnlös B av Robert Motherwell 1970, Tate

Bilden av staffliets kris

Flera essäer publicerade under 1940-talet lät Greenberg utöka sin argumentation för vikten av abstrakt måleri, bl.a. Abstrakt konst, publicerades 1944, och The Crisis of the Esel Picture, 1948. I den senare texten introducerade han det radikala och inflytelserika konceptet med helhetsbilden, och beskrev en tillplattad, repetitiv tendens i amerikansk konst som utövas av Jackson Pollock, Lee Krasner och Barnett Newman som en decentraliserad, polyfonisk, all-over-målning, som smälte in i ren textur, ren sensation. Han hävdade också att all-over-målning hade kommit till som en logisk reaktion på ett industrialiserat, kapitalistiskt samhälle, där alla hierarkiska distinktioner har uttömts … inget område eller erfarenhetsordning är varken i sig eller relativt överlägsen någon annan.

Gotiskt landskap av Lee Krasner 1961, Tate

Greenberg mot Rosenberg

En av Clement Greenbergs största rivaler var hans medkonstkritiker Harold Rosenberg; rykten säger att de ibland nästan hamnade i handbojor under sina häftiga debatter. Även om det fanns många överlappningar mellan deras idéer, berömde Rosenberg vad han kallade Action Painting, en abstraktion baserad på energiska, performativa gester som praktiserades av Jackson Pollock, Franz Kline och Arshile Gorky. Rosenberg stödde också olika abstrakta expressionistiska konstnärer som hade fört tillbaka figurativa eller narrativa element i sina fria, uttrycksfulla målningar som Willem de Kooning och Philip Guston.

Kvinna av Willem de Kooning , 1952, Metropolitan Museum of Art

Däremot drev Greenberg fram sitt stöd för en renare, renare abstraktionsstil, och avfärdade aktivt de Koonings senaste figurativa studier. Istället flyttade han sitt stöd till Washington Color School Painters som Barnett Newman, Kenneth Nolan och Anne Truitt, som praktiserade ett avskalat, minimalt språk baserat på de optiska förnimmelserna av platta färgmönster. I sin uppsats Målning av amerikansk typ, 1955 hävdade Greenberg att denna nya målarskola ledde en naturlig utveckling till sann modernistisk konst.

Modernistisk målning

När Clement Greenbergs idéer utvecklades blev de alltmer polariserade och extrema. När uppkomsten av kitsch, flera lager Popkonst ,och Neo Dada-stilar började dyka upp genom New York-konstnärerna Robert Rauschenberg och Jasper Johns, Greenberg slog tillbaka ännu hårdare. Han kämpade högljutt mot sitt argument att det modernistiska måleriet måste vara en reduktionsprocess som lösgjorde det från andra medier eller metoder. Han hävdade vidare att abstraktion var en logisk och nödvändig utveckling inom modern konst som strippade konsten tillbaka till dess naknaste, mest destillerade väsen, som han beskrev som den naturliga utvecklingen för formalismen, en teori som först lades fram av konstkritikern. Roger Fry i början av 20thårhundrade.

Dessa idéer exemplifierades i Greenbergs mest ikoniska essä, Modernistisk måleri, 1961. Han hävdade att målning i slutändan borde vara en 'ren' aktivitet, som avvisar varje form av referens till omvärlden, inklusive känslomässiga uttryck, illusionism eller vilket utrymme som helst som igenkännbara föremål kan befolka. Greenberg fortsatte att förklara hur en målning helt och hållet borde vara självrefererande, endast relaterad till sig själv och inga andra yttre referenser till den verkliga världen, eller till något annat konstnärligt medium som skulptur eller teckning.

Post-Painterly Abstraktion

Och av Morris Louis , 1961, Privat samling

Även om de var extrema, speglade Clement Greenbergs idéer tidsandan och de hade ett markant inflytande på den ledande konstnärliga utvecklingen på 1960-talet. De förenklade, mättade färgfältsmålningarna av Helen Frankenthaler, Morris Louis och Jules Olitski är synonyma med Greenbergs idéer idag, och definierar toppen av den modernistiska eran med en hänsynslöst strikt, analytisk inställning till form, färg, textur, skala och komposition. Greenberg kurerade en utställning betitlad Post-Painterly Abstraktion år 1964 vid Los Angeles County Museum of Art som inkluderade verk av trettioen olika konstnärer; det var så framgångsrikt att Post Painterly Abstraction nu erkänns som en rörelse i sin egen rätt.

Arnolfini Baby! av Jules Olitski , 1964, Privat samling

Inflytande på konstkritik

Bygger på både hans egna idéer om formalism och teorierna från de 18thtalets tyska filosof Immanuel Kant, Greenberg argumenterade i Modernistisk målning för ett nytt, objektivt sätt att se konst. Han ansåg att konst borde ses och skrivas om det på ett helt fristående sätt, endast observera de fysiska egenskaperna hos själva föremålet. Dessa idéer hade ett djupgående inflytande på en ny generation modernistiska konstkritiker som blev kända som School of Greenberg, inklusive Rosalind Krauss, Michael Fried och Barbara Rose, som var och en antog en liknande analytisk metod när de dissekerade ett konstverk.

Motreaktionen mot Clement Greenberg

Redan vid mitten av 1960-talet rörde sig konstnärer och kritiker bortom ytterligheterna av Clement Greenbergs idéer. Många såg hans ståndpunkt som alltför polariserad och dogmatisk, medan hans avskaffande av illusionism, berättelser och känslor i måleriet fick tillbaka mediet i ett hörn, utan någonstans kvar att ta vägen. Och som konstkritikern Rosalind Krauss insåg, utrotade Greenbergs överförenkling av modernistisk, formalistisk konst mycket av livets egenheter och irrationaliteter. De störande skolorna för popkonst och Flöde som uppstod i Greenbergs kölvatten förde många av det vanliga livets komplexa mångfald tillbaka till konstpraktik under 1960- och 1970-talen, och skakade isär mycket av det han hade argumenterat så häftigt för.

Ofrälse, Akuten av Fiona Raw , 1996, Royal Academy of Arts, London

Även om motreaktionen mot Greenbergs idéer kring ren Modernism och formalismen fortsatte i flera generationer, den betoning han lade på självreferentialitet och konstföremålens materialitet är en attityd som består än idag. Många av dagens mest experimentella och spännande samtida målare har i bakhuvudet en medvetenhet om en målning som ett fysiskt föremål, även om de nu har översvämmat den med referenser till det moderna livet, vilket demonstreras i Callum Innes, Tomma Abts konst. , Fiona Rae och Peter Doig.

Medan Greenbergs något förenklade syn på konsthistorien som en singulär marsch mot abstraktion till stor del har skrivits om idag, är hans argument att vi först bör se målningar som sig själva, utan att relatera dem till något annat, en attityd som fortfarande hänger kvar i bakgrunden idag och färgar hur så många av oss ser på konst, särskilt hans tro på konst som en unik upplevelse som inte går att få tag på från någon annan källa.