The Genius of Antonio Canova: A Neoclassic Marvel

Porträtt av Antonio Canova av François Xavier Fabre, 1812, via The New York Times; med Perseus med huvudet av Medusa (Perseus Triumphant) av Antonio Canova, 1800-01, via Vatikanmuseet, Rom; och med Theseus and the Minotaur av Antonio Canova, 1781-1783, via The Victoria and Albert Museum, London

Antonio Canova var en förebild för den nyklassiska rörelsen som en förstklassig italiensk skulptör. Hans kunskap om barocken, rokokon och klassisk konst tillät honom att skapa en unik och intuitiv stil. Tack vare inspirationen från Johann Joachim Winckelmann och den senare kritiken från Gavin Hamilton utvecklade Canova en djupgående förståelse för grekiska och romerska klassiska verk. Hans egna verk exemplifierade Harmonia, Balans, Symmetri och Proportion. Dessa nyckelpunkter kännetecknades inte bara av grekernas verk utan också av den nyklassiska rörelsen som helhet. Canovas neoklassiska skulpturer integrerade det förflutna i nuet. Men innan du lär känna denna stora skulptörs liv och verk är det viktigt att vara bekant med nyklassicismens historia.

Antonio Canova's Beginnings: The Neoclassical Movement

Parnassus av Anton Raphael Mengs, 1761, via Eremitagemuseet, St. Petersburg

Den nyklassiska rörelsen började på 1760-talet med återupptäckten av Pompeji 1748 av upptäcktsresande på jakt efter antika artefakter. Avslöjandet av väggfresker under och efter utgrävningarna i Pompeji tvingade konstnärer att göra litografier av delarna för att sprida bilderna över Europa. Den pompeianska stilen inspirerade dåtidens konstnärer och vissa aspekter av vardagen: franskt mode och heminredning, till exempel, övergick till de mer raffinerade och eleganta stilarna från det förflutna.

Återupptäckten av Pompeji inspirerade också återfödelsen av kolonner som gjordes efter Grekiska klassiska orden .

Illustration av den joniska orden från Erechtheum från The Antiquities of Athens (Vol. 2), 1762-1816, skannad av författaren från 1800-talets europeiska konst: tredje upplagan av Petra ten-Doesschate Chu

De tre ordningarna är doriska, joniska och korintiska kolumner. Doriska kolonner är mest kända för sin enkelhet, omkrets och samhörighet med styrka och det maskulina. Joniska kolonner anpassade sig till femininitet i sin läckerhet och voluter formade som spiraler, som efterliknade en jungfrus hår. Den korintiska orden var en kombination av de två andra ordnarna men med en mer dekorativ stil, inklusive klockformade voluter, en extremt detaljerad taklist och akantusblad som pryder toppen.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Dessutom främjade Johann Joachim Winckelmann, en tysk konsthistoriker som starkt påverkade den nyklassicistiska rörelsen, uppkomsten av uppskattningen av klassiska stilar med sin studie av utvecklingen av klassisk konst via jämförande forskning. På så sätt hämtade nyklassicismen mycket av sin inspiration från den grekiska skulpturens klassiska och hellenistiska perioder.

Vem Vad Johann Joachim Winckelmann?

Porträtt av Johann Joachim Winckelmann av Angelica Kauffman, 1764, via British Museum, London

Winckelmann var en tysk konsthistoriker, arkeolog och tidig hellenist. Han trodde att den klassiska konsten gick igenom en evolution som inkluderade en början, mitten och slutet. Konceptet kom från det faktum att Pompejiska väggmålningar inte levde upp till de estetiska standarderna för grekisk skulptur. Det fanns ett antagande om att Pompejis fresker målades under en nedgång i tidslinjen för klassisk konst.

Historien om antikens konst av Johann Joachim Winckelmann , Första upplagan utgiven 1764, via Winckelmann-Museum, Stendal

Winckelmann skrev Den antika konstens historia , eller Konstens historia under antiken (1764), vilket påverkade både historiker, forskare och konstnärer. I detta arbete använde han livets cykel som en analogi för att beskriva den klassiska konstens historia. Den hade ett ursprung, en period av tillväxt och mognad, och en eventuell nedgång.

Denna bok inspirerade många konst- och litteraturverk tack vare Winckelmanns beskrivningar av klassiska skulpturer. Hans skrifter påverkade skulptörer och målare som Antonio Canova och Anton Raphael Mengs . Han lyfte fram verkens idealiska egenskaper, med deras ädla enkelhet och lugna storhet såväl som deras sensualitet.

För Winckelmann fanns inte den klassiska konstens vagga i Rom utan i Grekland, där den föddes och där den nådde sin topp. Tack vare sin passion för och närstudie av antika grekiska och romerska verk, kunde Winckelmann på ett mycket nära sätt bidra till utvecklingen av konstnärer som eftertraktade gamla verk.

Grekisk Och Romersk Skulptur

Artemision brons , Cirka 460 f.Kr., via Atens nationella arkeologiska museum

Överraskande nog har många grekiska och romerska bronser inte setts sedan före det romerska imperiets regeringstid och korstågen. Varför? Eftersom många smältes ner för sitt brons, eftersom brons var mycket efterfrågat på vapen och verktyg. Men trots förräderierna i denna handling hade romarna förutseendet att göra marmorkopior av ett stort antal skulpturer. Naturligtvis fanns det ursprungliga grekiska kulor, som Kritios pojke, den gamla Kouros-statyn i marmor , och den Nike från Samothrac och . Men deras bronser förmedlade bäst deras skicklighet och filosofi för sinnet och kroppen under de klassiska till hellenistiska perioderna. Sedan finns det verk av grekiska brons skulptörer som Polykleitos och Lysippos , vars mest anmärkningsvärda verk först nu kan ses som romerska marmorkopior.

Romersk kopia av Farnese Herakles (Hercules i vila) av Glykon (ursprunglig grekisk brons av Lysippos), sent 2:a till tidigt 3:e århundradet e.Kr., via National Archaeological Museum of Neapel

Varje romersk kopia av en grekisk original bronsstaty har en stag, eller marmorträdstam, som balanserar marmorn. (Strävan har historiskt sett antagit många former, men stammen är en av dess mest anmärkningsvärda former). På grund av den grekiska skulpturens förlorade teknik kunde romarna inte balansera sin marmor ordentligt och fick istället använda strävor. Två exempel på detta kan ses i Farnese Herakles , som inte nödvändigtvis har en fjäderben eftersom klubban är en del av originalstycket, men den tar på sig samma roll som en strut; och den Apollo Belvedere, som har ett stag på sin vänstra sida. För grekiska bronsoriginal finns det vanligtvis brons under fötterna på skulpturen som håller den uppe – och limmar den på plats.

Diagram över det gyllene snittet (Golden Rectangle and Spiral), via Pratt Institute

Romarna efterliknade grekernas stil eftersom den för länge sedan hade fulländats. Att perfektion kom från inte bara skicklighet utan också kunskapen om Gyllene snittet , eller Gyllene medelvägen via den gyllene rektangeln, och som är det som skapade den ideala harmonin, balansen, symmetrin och proportionen. De Apollo Belvedere , Artemision brons , och Anton Mengs' Parnassus är alla utmärkta exempel på bitar som är strukturerade kring det gyllene snittet. Trots den kunskapen tenderade romarna att ändra proportionerna för att passa deras egna känslor. Å andra sidan hade grekerna en uppskattning för den ideala kroppen och förfinad skönhet, och modellerade kropparna efter vad de uppfattade vara gudarnas och gudinnornas likhet.

Antonio Canova använde dessa uråldriga regler och tekniker som gått i arv från sina föregångare för att skapa verk som hämtar inspiration från det förflutna samt förmedlar kunskap om framtiden.

Mer om Antonio Canova

Självporträtt av skulptören Antonio Canova , 1812, via The Art Institute of Chicago

Antonio Canova var en italiensk nyklassisk skulptör känd av samtida som den högsta skönhetsministern. Canova njöt mer av den neoklassiska konströrelsen snarare än den Rokoko eller barock perioder av konst, då han studerade verk av mästare som Michelangelo samt Pompejis fresker under sina resor i Italien. Många av Canovas tidiga verk är baserade på ett förkastande av att bara kopiera klassiska grekiska tekniker. Han försökte förena tidigare filosofier och förståelser av grekerna med sin kunskap om rokoko och barockkonst.

Antonio Canova ansågs vara sin tids största skulptör. Före 1779 visade hans tidiga verk en senbarock- eller rokokostänslighet som var attraktiv för hans beskyddare, venetianska adelsmän. Ett sådant exempel skulle vara hans Daedalus och Ikaros Nyklassisk skulptur.

Canovas inkörning med Gavin Hamilton

Daedalus och Ikaros av Antonio Canova , 1777-1779, via Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno

1779 besökte Canova Rom för första gången och träffade den skotske målaren, antikhandlaren och venetianska ambassadören Gavin Hamilton på en middagsbjudning. I juni året därpå såg Hamilton Canovas Daedalus och Ikaros och sa till honom :

Folkets fantasi är också sanning precis som den rent individuella bilden av skönhet är sanning... sammanförandet av det naturliga och det onaturliga är det ideala sättet att förmedla vår idé.

Hamiltons fullständiga råd till Canova var mycket mer djupgående, men i huvudsak ville Hamilton att han skulle vända sig bort från naturalismen och söka en högre form av skulpturell skönhet. Denna input från Hamilton är anledningen till att Canovas arbete för alltid förändrades, och varför hans arbete kunde stiga som det gjorde.

Canova And The Apollo Belvedere : Neoklassisk skulptur

Perseus med Medusas huvud (Perseus Triumphant) av Antonio Canova, 1800-01, via Vatikanmuseet, Rom

Efter hans möte med Gavin Hamilton började Antonio Canovas senare verk avbilda en mer idealiserad skönhet, med inspiration från gamla verk. Canovas Perseus med Medusas huvud hämtade inspiration från inte bara beskrivningarna av Apollo Belvedere men också Välkommen Cellini s Perseus och Medusa .

De primära egenskaper som Canova har Perseus ärvt från Apollo Belvedere inkluderar: brist på intensiv muskulatur med samma idylliska kroppstyp; kraftig användning av vattenfallsdraperier; nästan identiska poser förutom deras caps och föremålen de håller (de är speglar av varandra); och deras triumferande och självbelåtna ansiktsuttryck.

Apollo Belvedere romersk marmorkopia av grekisk brons , sent 4:e talet. BCE (Marble Copy 18th c.), via Vatikanmuseet, Rom

För att bättre förstå vikten av Apollo Belvedere , nedan är ett utdrag ur Winkelmanns beskrivning av skulpturen som skriven i Europeisk konst från 1800-talet (3:e upplagan) av Petra ten-Doesschate Chu:

Bland alla antikens verk, som har undkommit förstörelse, är statyn av Apollon konstens högsta ideal... Hans ställning är högre än människans och hans inställning talar om storhet som han är fylld med. En evig vår ... kläder med ungdomens charm, mogna års graciösa manlighet och leker med mjukhet och ömhet om hans lemmars stolta form ... (s. 50).

Winkelmann försökte lyfta fram den dubbla betoningen på de sensuella och idealiska egenskaperna hos grekisk skulptur, även om han bara kunde se de romerska kopiorna av många av de förstörda bronserna. Vid denna tidpunkt var det inte möjligt att åka till Grekland på grund av regeringstiden Osmanska turkar .

Antonio Canovas gyllene år

Theseus och Minotauren av Antonio Canova , 1781-1783, via The Victoria and Albert Museum, London

Antonio Canovas gyllene år var verkligen post-Hamilton, då han började arbeta inom de neoklassiska skulpturstandarderna samtidigt som han tillämpade de grekiska idealen om himmelsk skönhet och perfektion. Canovas första stycke efter mötet med Hamilton var Theseus och Minotauren . Detta verk ses som hans första faktiska neoklassiska skulptur tillsammans med Perseus med Medusas huvud , som han producerade strax efter. Det är uppenbart när man tittar på detta stycke att Canova tog Hamiltons råd till sitt hjärta och försökte frammana både naturlig och onaturlig skönhet. Detta stycke lutar fortfarande mer mot den naturliga idén om skönhet; det går dock inte så långt som hans arbete Daedalus och Ikaros .

Alltså Antonio Canovas Perseus med Medusas huvud kan utan tvekan betraktas som början på hans gyllene era. Hans Perseus och alla verk som kom efter är hur han blev känd som den högsta skönhetsministern.

Psyket återupplivas av Cupid's Kiss (första versionen) av Antonio Canova, 1787-93, via Musée du Louvre, Paris

Skulpturen Psyket återupplivas av Cupid's Kiss visar Canovas verkliga grepp om Hamiltons ord och hur han vidareutvecklade en stil för sig själv som precis började titta igenom i Theseus och Minotauren . Hans arbete på denna neoklassiska skulptur förmedlar verkligen kombinationen av det naturliga med det onaturliga. Han låter kropparna behålla en mer naturlig proportion medan deras ansikten, hår och rörelser utstrålar en utomjordisk skönhet och omsorg.

Theseus och Kentauren av Antonio Canova, 1810-1819, via The Kunsthistorisches Museum, Wien

Under den nyklassiska rörelsen förblev smaken för verk som exemplifierar rokokostilen i full gång. En aspekt som kännetecknade rokokokonsten mest var dess teatraliska karaktär. Eftersom Antonio Canova studerade rokoko, följde den teatrala sensibiliteten honom in i verk som t.ex Theseus och Kentauren .

I jämförelse, hans Theseus och Minotauren skiljer sig från vad många rokokoartister hade gjort tidigare genom att den visar efterdyningarna av striden istället för att visa själva striden. Theseus och Minotauren visar Theseus efter att ha dödat Minotauren (enligt råd från Hamilton), uppflugen på hans dödande, under ett ögonblick av eftertanke. I det ögonblicket inser Theseus att han nu har förlorat sin oskuld och måste tänka på sin egen moral. Istället för att skildra storhet i strid, som Theseus och Kentauren , det finns en dyster eftertänksamhet över verket.

Theseus and the Centaur (närbild av kentauren) av Antonio Canova, 1810-1819, via The Kunsthistorisches Museum, Wien

Speciellt detta stycke väckte spekulationer om att det var en kopia från ett grekiskt original. Theseus och Kentauren var så välbalanserad, formad som en triangel inom gränserna för det gyllene snittet, samtidigt som den hade en detaljnivå som man inte nödvändigtvis förväntade sig av en nyklassisk originalskulptur. Detaljen på hästen och kropparnas köttliknande karaktär fick verket att verka som en omöjlighet för tiden, särskilt med avsaknaden av ett sträva och skulpturens övergripande harmoni. Theseus och Kentauren anses därför vara Canovas magnum opus och med goda skäl.

När det kommer till kritan var Canovas verk mästerliga under hans tidiga karriär, med höjdpunkter som Daedalus och Ikaros . Men utan insikt från sådana som Winckelmann eller råd från Gavin Hamilton skulle han inte vara det under han kom att bli. Antonio Canova var en sann virtuos inom hantverket, och skapade verk som utan tvekan kan förevigas på samma sätt som de verk som inspirerade honom.