10 HBTQIA+-artister du bör lära känna
Jamaicansk romantik av Felix d'Eon, 2020 (vänster); med Kärlek på jakt av Felix d'Eon, 2020 (höger)
Genom historien och in i nutiden har konst fungerat som en källa till solidaritet och befrielse för människor i HBTQIA+-gemenskapen. Oavsett var i världen konstnären eller publiken kommer ifrån eller vilka hinder de kan ha mött som HBTQIA+-personer, är konsten bron för människor från alla samhällsskikt att mötas. Här är en glimt av tio extraordinära HBTQIA+-artister som använder sin konst för att knyta an till sin queerpublik och för att utforska sina egna unika identiteter.
Låt oss först titta på fem avlidna artister som banade väg för dagens HBTQIA+-artister. Oavsett det sociala eller politiska klimatet kring dem, trängde de sig förbi dessa hinder för att skapa konst som talade till deras HBTQIA+-identitet och publik.
HBTQIA+-artister från 1800-talet
Simeon Salomo (1840-1905)
Simeon Salomo , via The Simeon Solomon Research Archive
Anses av vissa forskare som den bortglömda prerafaeliten , Simeon Solomon var judisk konstnär i England under slutet av 1800-talet. Solomon var en anmärkningsvärd person som trots de många utmaningar han stod inför fortsatte att producera vacker konst som skulle utforska hans unika och mångfacetterade identitet.
I Sappho och Erinna , ett av Salomos mest kända verk, den Grekisk poet Sappho , en legendarisk person som har blivit synonym med sin lesbiska identitet, delar ett ömt ögonblick med älskaren Erinna. De två delar uttryckligen en kyss - denna mjuka och romantiska scen lämnar inte mycket utrymme för några heterosexuella tolkningar.
Gillar du den här artikeln?
Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration
Tack!
Sappho och Erinna i en trädgård i Mytilene av Simeon Solomon , 1864, via Tate, London
Sensuell fysisk närhet, androgyna figurer och naturliga miljöer är alla element som används av Prerafaeliter , men Solomon använde denna estetiska stil för att representera människor som honom och för att utforska homoerotisk lust och romantik. Solomon skulle så småningom arresteras och fängslas för försök till sodomi, och skulle vid denna tidpunkt avvisas av den konstnärliga eliten, inklusive många av de prerafaelitiska konstnärer han hade kommit för att se upp till. Under många år levde han i fattigdom och social exil, men han gjorde konstverk med HBTQIA+-teman och figurer fram till sin död.
Violet Oakley (1874-1961)
Violett Oakley målning , via Norman Rockwell Museum, Stockbridge
Om du någonsin har gått på gatorna och turnerat de historiska platserna i staden Philadelphia, Pennsylvania, har du troligen stått ansikte mot ansikte med ett antal verk av Violet Oakley . Oakley, född i New Jersey och verksam i Philadelphia vid 1900-talets början, var en målare, illustratör, muralist och målat glaskonstnär. Oakley inspirerades av prerafaeliterna och de Konst- och hantverksrörelsen , som tillskriver hennes utbud av färdigheter.
Oakley fick i uppdrag att göra en serie väggmålningar för Pennsylvania State Capitol-byggnaden som skulle ta 16 år att färdigställa. Oakleys arbete var en del av andra anmärkningsvärda byggnader i Philadelphia, såsom Pennsylvania Academy of Fine Arts, First Presbyterian Church och Charlton Yarnell House. Charlton Yarnell House, eller Visdomens hus , som det kallades, innehåller en kupol av målat glas och väggmålningar inklusive Barnet och traditionen .
Barnet och traditionen av Violet Oakley , 1910-11, via Woodmere Art Museum, Philadelphia
Barnet och traditionen är ett perfekt exempel på Oakleys framåt tänkande perspektiv som fanns i nästan alla hennes verk. Väggmålningar som innehåller visioner om en feministisk värld där män och kvinnor existerar lika, och där en inhemsk scen som denna representeras i ett i sig queer ljus. Två kvinnor uppfostrar barnet och är omgivna av allegoriska och historiska figurer som symboliserar en mångsidig och progressiv utbildning.
I Oakleys liv skulle hon tilldelas höga hedersmedaljer, få stora uppdrag och undervisa vid Pennsylvania Academy of Fine Arts, och bli den första kvinnan att göra många av dessa saker. Hon gjorde allt detta och mer med stöd av sin livskamrat, Edith Emerson , en annan konstnär och föreläsare vid PAFA. Oakleys arv är ett som definierar staden Philadelphia till denna dag.
HBTQIA+-artister från 1900-talet
Claude Cahun (1894-1954)
Namnlös (Självporträtt med en spegel) av Claude Cahun och Marcel Moore , 1928, via San Francisco Museum of Modern Art
Claude Cahun föddes i Nantes, Frankrike, den 25 oktober 1894 som Lucy Renee Mathilde Schwob. I början av tjugoårsåldern skulle hon ta namnet Claude Cahun, vald för dess könsneutralitet. I den 1800- och början av 1900-talet , Frankrike blomstrade med människor som ifrågasatte de sociala normerna, såsom könsidentitet och sexualitet, vilket gav människor som Cahun utrymme att utforska sig själva.
Cahun ägnade sig främst åt fotografering, även om hon också agerade i pjäser och olika performancekonstverk. Surrealism definierade mycket av hennes arbete. Med hjälp av rekvisita, kostymer och smink satte Cahun scenen för att skapa porträtt som skulle utmana publiken. I nästan alla Cahuns självporträtt ser hon direkt på betraktaren, som i Självporträtt med spegel , där hon tar ett stereotypt feminint motiv av en spegel och utvecklar det till en konfrontation om genus och jaget.
Claude Cahun [vänster] och Marcel Moore [höger] vid lanseringen av Cahuns bok Aveux non Avenus , via Daily Art Magazine
På 1920-talet flyttade Cahun till Paris med Marcel Moore, hennes livskamrat och konstnärskollega. Paret skulle samarbeta för resten av sina liv inom konst, skrivande och aktivism. Under andra världskriget, när tyskarna började ockupera Frankrike, flyttade de två till Jersey, där de kämpade outtröttligt mot tyskarna genom att skriva dikter eller trycka brittiska nyheter om nazisterna och placera dessa flygblad på offentliga platser för att nazistiska soldater skulle läsa.
Beauford Delaney (1901-1979)
Beauford Delaney i sin studio , 1967, via New York Times
Beauford Delaney var en amerikansk målare som använde sitt arbete för att förstå och hantera sina interna kamper kring sin sexualitet. Född i Knoxville, Tennessee, skulle hans konstnärliga vision ta honom till New York under Harlem Renaissance , där han skulle bli vän med andra kreativa som honom, som James Baldwin.
Jag lärde mig om ljus av Beauford, säger Delaney Baldwin i en intervju för tidningen Övergång år 1965 . Ljus och mörker spelar stora roller i Delaneys Expressionistisk målningar som denna Självporträtt från 1944. I den lägger man genast märke till den slående blicken. Delaneys ögon, en svart och en vit, verkar påkalla din uppmärksamhet och tvingar dig att begrunda hans kamp och tankar, och avslöjar för publiken en transparent och sårbar plats.
Självporträtt av Beauford Delaney, 1944 via The Art Institute of Chicago
Delaney använde sin konst för att diskutera universella frågor också. Han gjorde målningar av nyckelfiguren medborgerliga rättigheter Rosa Parks, i sin Rosa Parks-serie. I en tidig skiss av en av dessa målningar sitter Parks ensam på en bussbänk och skrev intill henne orden Jag kommer inte att bli rörd. Detta kraftfulla budskap ringer igenom Delaneys verk och fortsätter att forma hans inspirerande arv.
Tove Jansson (1914-2001)
Trove Jansson med ett av hennes alster , 1954, via The Guardian
Tove Jansson var en finländsk konstnär som var mest känd för henne Mumin serietidningar, som följer Mumintrollens äventyr. Även om serierna är mer anpassade för barn, tar berättelserna och karaktärerna upp ett antal vuxna teman, vilket gör dem populära för läsare i alla åldrar.
Jansson hade relationer med män och kvinnor i sitt liv, men när hon gick en Julfest 1955 , träffade hon kvinnan som skulle bli hennes livskamrat, TuulikkiPietilä. Pietilä var själv en grafiker och tillsammans skulle de utveckla muminernas värld och använda deras arbete för att prata om sin relation och kampen för att vara queer i en inte så accepterande värld.
Mumintroll och Too-ticky i Muminlandsvinter av Tove Jansson , 1958, via Mumins officiella webbplats
Det finns många paralleller mellan Mumindalens karaktärer och människorna i Janssons liv. Karaktären Mumintrollet [vänster] representerar Tove Jansson själv, och karaktären Too-Ticky [höger] representerar hennes partner Tuulikki.
I berättelsen Muminlands vinter , de två karaktärerna pratar om den märkliga och ovanliga vintersäsongen, och hur vissa varelser bara kan komma ut under denna tysta tid. På detta sätt skildrar berättelsen på ett skickligt sätt den universella HBTQIA+-upplevelsen av att vara inklädd, komma ut och ha friheten att uttrycka sin identitet.
Låt oss nu titta på fem oförlåtande konstnärer som använder sin konst idag för att tala om sina sanningar. Du kan upptäcka mer och till och med stödja några av dessa personer i länkarna nedan.
Samtida HBTQIA+-artister du borde känna
Mickalene Thomas (New York, U.S.A.)
Född i Camden, New Jersey och verksam nu i New York, Mickalene Thomas ’ djärva collage, väggmålningar, foton och målningar visar upp svarta LGBTQIA+-personer, särskilt kvinnor, och försöker omdefiniera den ofta vita/manliga/heterosexuella konstvärlden.
Lunch på gräset: De tre svarta kvinnorna av Mickalene Thomas , 2010, via Mickalene Thomas webbplats
Sammansättningen av De tre svarta kvinnorna kanske ser bekant ut för dig: Édouard Manets Lunch på gräset, eller Lunch på gräset , är en spegelbild till Thomas målning. Att ta konstverk genom historien som anses vara mästerverk och skapa konst som talar till en mer mångsidig publik är en trend i Thomas konst.
I en intervju med Seattle Art Museum säger Thomas:
Jag tittade på västerländska figurer som Manet och Courbet för att hitta ett samband med kroppen i förhållande till historien. Eftersom jag inte såg den svarta kroppen skriven om konst historiskt, i relation till den vita kroppen och diskursen - det fanns inte där i konsthistorien. Och så jag ifrågasatte det. Jag var bara väldigt orolig över just det utrymmet och hur det var tomt. Och ville hitta ett sätt att hävda det utrymmet, att anpassa min röst och konsthistoria och gå in i denna diskurs.
Mickalene Thomas framför sitt arbete , 2019, via Town and Country Magazine
Thomas tar ämnen som den kvinnliga naken, en som ofta är under den manliga blicken, och återställer dem. Genom att fotografera och måla vänner, familjemedlemmar och älskare skapar Thomas en verklig koppling till de individer hon vänder sig till för konstnärlig inspiration. Tonen i hennes arbete och den miljö hon skapar det i är inte en av objektivitet, utan snarare av befrielse, firande och gemenskap.
Zane Muholi (Umlazi, Sydafrika)
Somnyama Ngonyama II, Oslo förbi Zane Muholi , 2015, via Seattle Art Museum
En konstnär och aktivist , använder Muholi intim fotografering för att skapa bekräftande bilder och väcka ärliga diskussioner om transpersoner, icke-binära och intersexuella människor. Oavsett om scenen är en av skratt och enkelhet, eller ett rått porträtt av individen som ägnar sig åt explicit transsexuella ritualer som att binda, ger dessa foton ljus åt dessa ofta raderade och tystade människors liv.
Genom att se foton av trans, icke-binära och intersexuella människor som helt enkelt är sig själva och ägnar sig åt vardagliga rutiner, kan andra HBTQIA+-tittare känna solidaritet och validering i sina visuella sanningar.
ID-kris , från Bara halva bilden serie av Zanele Muholi , 2003, via Tate, London
ID-kris visar en individ som ägnar sig åt bindning, något som många trans- och icke-binära personer kan relatera till. Muholi fångar ofta dessa typer av handlingar, och i denna transparens belyser transpersoners mänsklighet för sina tittare, oavsett hur de identifierar sig. Muholi skapar i sitt arbete ärlig, sann och respektfull representation, och den typen av arbete är avgörande. Zanele Muholis konst har ställts ut på stora museer som t.ex Tate , den Guggenheim , och Johannesburg Art Museum.
Kjersti Faret (New York, U.S.A.)
Kjersti Faret arbetar i sin studio , via Cat Covens webbplats
Kjersti Faret är en konstnär som försörjer sig på att sälja sina konstverk på kläder, lappar och nålar och papper, allt silkscreentryckt för hand. Hennes arbete är till stor del inspirerat av medeltida manuskript, Art Nouveau , hennes norska arv, det ockulta, och framför allt hennes katter. Med hjälp av estetik inspirerad av konströrelser från det förflutna, och med en magisk twist, skapar Faret scener av förtrollning, humor och ofta queer representation.
I hennes målning, Älskare , skapar Faret en nyckfull sagoscen av en harpy lesbisk romans. Faret delar med sig av sina tankar om tavlan på sin Instagramsida @cat_coven :
Det började som ett experimentellt pappersklipp, av bara den gyllenbruna harpyn. När hon för det mesta var färdig ville jag skapa en miljö att sätta henne i. Jag har också känt ett behov av att göra lite gaykonst, och därmed föddes hennes älskare. Jag lät mitt undermedvetna slags leda mig på resan mot att avsluta illustrationen. Spontant skapade jag små varelser för att bebo världen, för att heja på älskande. Jag föreställer mig detta som ögonblicket efter deras episka kärlekshistoria där de äntligen hamnar tillsammans, det ögonblicket precis innan de kysser och The End klottras över skärmen. Ett firande av queer kärlek.
Älskare av Kjersti Faret , 2019, via Kjersti Farets hemsida
Förra året var Faret värd för en mode- och konstmässa i Brooklyn med andra queer-kreativa som hette Mystiskt menageri .Handgjorda plagg och kostymer inspirerade av medeltida konst visades upp på banan, och det fanns också bås för dussintals lokala konstnärer att ställa ut och sälja sina verk. Faret fortsätter att uppdatera henne konstbutik regelbundet, skapa allt från den första skissen till det nyckfulla paketet som kommer i din brevlåda.
Chocka McDaniel (Florida, U.S.A.)
Chocka McDaniel , via Shock McDaniels webbplats
Shoog McDaniel är en icke-binär fotograf som skapar fantastiska bilder som omdefinierar fetma och hyllar kroppar av alla storlekar, identiteter och färger. Genom att ta med modeller till olika utomhusmiljöer, som en stenöken, ett Floridian träsk eller en trädgård med blommor, hittar McDaniel harmoniska paralleller i människokroppen och i naturen. Denna kraftfulla handling hävdar att fett är naturligt, unikt och vackert.
I en intervju med Teen Vogue delar McDaniel sina tankar om parallellen mellan feta/queer människor och naturen:
Jag försöker faktiskt arbeta med den här boken om kroppar som heter Kroppar som hav … Konceptet är att våra kroppar är stora och vackra och som ett hav är de fyllda med mångfald. Det är i princip bara en kommentar om vad vi går igenom varje dag och skönheten som vi har och som inte syns. Det är det jag ska lyfta fram och kroppsdelarna, jag ska ta bilder underifrån, jag ska ta bilder från sidan, jag ska visa bristningar.
Rör av Shoog McDaniel , via Shock McDaniels webbplats
Rör , en av McDaniels många bilder med modeller under vattnet, visar gravitationsspelet hos feta kroppar som rör sig naturligt i vatten. Du kan se rullarna, det mjuka skinnet och trycket och draget när modellerna simmar. McDaniels uppdrag att fånga tjocka/queer människor i naturliga miljöer producerar inget annat än magiska konstverk som ger solidaritet till feta HBTQIA+-folk.
Felix d'Eon (Mexico City, Mexiko)
Felix d'Eon , via Nailed Magazine
Felix d'Eon är en mexikansk konstnär dedikerad till konsten att queer kärlek, (från hans Instagram bio) och verkligen representerar hans arbete det breda spektrumet av HBTQIA+-folk från hela världen. En bit kan vara av en Shoshone-person med två andar , ett homosexuellt judiskt par, eller en grupp transsatyrer och fauner som leker i skogen. Varje målning, illustration och teckning är unik, och oavsett din bakgrund, identitet eller sexualitet kommer du att kunna hitta dig själv i hans verk.
Det finns definitivt en medvetenhet om konsthistorien i d’Eons konst. Om han till exempel väljer att måla ett japanskt par från 1800-talet kommer han att göra det i stil med Ukiyo-E träblockstryck. Han gör också mitten av århundradet stil serier, med gay superhjältar och skurkar. Ibland tar han kanske en historisk figur en poet , och gör ett stycke baserat på en dikt de skrev. En stor aspekt av d'Eons arbete är av traditionell mexikansk och aztekisk folklore och mytologi, och han skapade senast en hel aztekisk tarotlek.
Serenad av Felix d'Eon
Felix d’Eon skapar konst som hyllar alla HBTQIA+-personer och placerar dem i miljöer oavsett om de är samtida, historiska eller mytologiska. Detta gör det möjligt för hans HBTQIA+-publik att se sig själva i konsthistoriens berättelse. Detta uppdrag är avgörande. Vi måste undersöka det förflutnas konst och omdefiniera nuets konst för att skapa en ärlig, inkluderande och accepterande konstnärlig framtid.