5 samtida svarta artister du borde känna

President Barack Obama av Kehinde Wiley , 2018, via National Portrait Gallery, Washington, D.C. (vänster); med Tar Beach #2 av Faith Ringgold , 1990-92, via National Building Museum, Washington, D.C. (höger)

Samtida konst handlar om att konfrontera kanonen, representera en mångfald av erfarenheter och idéer, använda nya typer av media och skaka om konstvärlden som vi känner den. Den speglar också det moderna samhället och ger tittarna en chans att se tillbaka på sig själva och världen de lever i. Samtidskonst livnär sig på mångfald, öppen dialog och publikengagemang för att bli framgångsrik som en rörelse som utmanar modern diskurs.

Svarta konstnärer och samtida konst

Svarta konstnärer i Amerika har revolutionerat den samtida konstscenen genom att gå in och omdefiniera de utrymmen som för länge har uteslutit dem. Idag konfronterar några av dessa konstnärer aktivt historiska ämnen, andra representerar deras här-och-nu, och de flesta har övervunnit industribarriärer som vita konstnärer inte möter. Vissa är akademiskt utbildade målare, andra dras till icke-västerländska konstformer, och åter andra trotsar kategoriseringen helt och hållet.

Från en quiltmakare till en neonskulptör, dessa är bara fem av de otaliga svarta konstnärerna i Amerika vars verk visar inflytandet och mångfalden av svart samtida konst.

1. Kehinde Wiley: Samtida konstnär inspirerad av gamla mästare

Napoleon leder armén över Alperna av Kehinde Wiley , 2005, via Brooklyn Museum

Mest känd för att ha fått i uppdrag att måla officiellt porträtt av president Barack Obama , Kehinde Wiley är en New York City-baserad målare vars verk kombinerar estetik och tekniker från traditionell västerländsk konsthistoria med svarta mäns levda erfarenheter i det tjugoförsta århundradets Amerika. Hans verk skildrar svarta modeller som han möter i staden och innehåller influenser som den genomsnittlige museumsbesökaren kanske känner igen, såsom de organiska textilmönstren från William Morris Konst- och hantverksrörelsen eller de heroiska ryttarporträtten av Nyklassicister tycka om Jacques-Louis David .

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Faktum är att Wileys 2005 Napoleon leder armén över Alperna är en direkt referens till Davids ikoniska målning Napoleon korsar Alperna vid Grand-Saint-Bernard (1800-01). Om denna typ av porträtt sa Wiley, Den frågar: ’Vad gör de här killarna?’ De antar poserna som kolonialmästare, den gamla världens tidigare chefer. Wiley använder välbekant ikonografi för att genomsyra sina samtida svarta ämnen med samma kraft och hjältemod som länge givits vita ämnen inom väggarna på västerländska institutioner. Viktigt är att han kan göra detta utan att radera sina undersåtars kulturella identiteter.

Att måla handlar om den värld vi lever i, sa Wiley. Svarta män lever i världen. Mitt val är att ta med dem.

2. Kara Walker: Blackness And Silhouettes

Uppror! (Våra verktyg var rudimentära, men vi pressade på) av Kara Walker , 2000,via Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Att växa upp som en svart konstnär i skuggan av Georgias Stone Mountain, ett höga monument över konfederationen, innebar att Kara Walker var ung när hon upptäckte hur det förflutna och nuet är djupt sammanflätade – särskilt när det kommer till USA:s djupa rötter av rasism och kvinnohat .

Walkers val av medium är silhuetter av klippta papper, ofta installerade i storskaliga cyklorama. Jag spårade konturerna av profiler och jag tänkte på fysionomi, rasistiska vetenskaper, minstrelsy, skugga och den mörka sidan av själen, sa Walker. Jag tänkte, jag har svart papper här.

Silhuetter och cyklorama var båda populära på 19thårhundrade. Genom att använda gammaldags media utforskar Walker sambandet mellan historiska fasor och samtida kriser. Denna effekt förstärks ytterligare av Walkers användning av en traditionell skolrumsprojektor för att införliva betraktarens skugga i scenen så kanske de skulle bli inblandade.

För Walker handlar det att berätta inte bara om att förmedla fakta och händelser från början till slut, som en lärobok kanske. Hennes cyclorama-installation från 2000 Uppror! (Våra verktyg var rudimentära, men vi pressade på) är lika hemskt som teatraliskt. Den använder siluettkarikatyrer och färgade ljusprojektioner för att utforska slaveriet och dess pågående, våldsamma konsekvenser i det amerikanska samhället.

Det är för mycket i det, sa Walker som svar på att hennes arbete blev censurerat, Allt mitt arbete tar mig oväntad. Walker har mötts av kontroverser sedan 1990-talet, inklusive kritik från andra svarta artister på grund av hennes användning av störande bilder och rasstereotyper. Det kan också hävdas att det att framkalla en stark reaktion hos tittarna, även en som är negativ, gör henne till en avgjort samtidskonstnär.

3. Faith Ringgold: Quiltningshistoria

Vem är rädd för moster Jemima? av Faith Ringgold , 1983, via Studio Art Quilt Associates

Född i Harlem på höjden av Harlem Renaissance , en rörelse som hyllade svarta konstnärer och kultur, Faith Ringgold är en Caldecott-vinnande barnboksförfattare och samtida konstnär. Hon är mest känd för sina detaljerade berättelsetäcken som återskapar representationer av svarta människor i Amerika.

Ringgolds berättelsetäcke föddes ur en kombination av nödvändighet och uppfinningsrikedom. Jag försökte få min självbiografi publicerad , men ingen ville skriva ut min historia, sa hon. Jag började skriva mina berättelser på mina täcken som ett alternativ. Idag publiceras Ringgolds sagotäcken både i böcker och avnjuts av museibesökare.

Att vända sig till quiltning som medium gav också Ringgold chansen att skilja sig från hierarkin av västerländsk konst, som konventionellt har prisat akademisk måleri och skulptur och uteslutit svarta konstnärers traditioner. Denna subversion var särskilt relevant för Ringgolds första berättelsetäcke, Vem är rädd för moster Jemima (1983), vilket undergräver ämnet för Moster Jemima, en berömd stereotyp som fortsätter att skapa rubriker 2020 . Ringgolds representation förvandlar moster Jemima från en stereotyp från slaveritiden som användes för att sälja pannkakor till en dynamisk entreprenör med sin egen historia att berätta. Att lägga till text till täcket utökade historien, gjorde mediet unikt för Ringgold och tog ett år att tillverka för hand.

4. Nick Cave: Bärbara textilskulpturer

Ljuddräkt av Nick Cave , 2009, via Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C.

Nick Cave utbildades till både dansare och textilkonstnär, vilket lägger grunden för en karriär som en samtida svart konstnär som kombinerar mixed media-skulptur och performancekonst. Under hela sin karriär har Cave skapat över 500 versioner av sin signatur Soundsuits — Bärbara, blandade media-skulpturer som låter när de bärs.

De Soundsuits är skapade med en mängd olika textilier och vardagliga föremål, från paljetter till människohår. Dessa välbekanta föremål arrangeras om på okända sätt för att demontera traditionella symboler för makt och förtryck, såsom Ku Klux Klan-huven eller huvudet på en missil. När den bärs, den Soundsuits dölja de aspekter av bärarens identitet som Cave utforskar i sitt arbete, inklusive ras, kön och sexualitet.

Bland många andra svarta konstnärers verk , Caves första Ljuddräkt föddes under efterdyningarna av polisens brutalitetsincident med Rodney King 1991. Cave sa, Jag började tänka på identitetens roll, att vara rasprofilerad, känna sig nedvärderad, mindre än, avfärdad. Och så råkade jag vara i parken den här dagen och tittade ner i marken, och det var en kvist. Och jag tänkte bara, ja, det är bortkastat, och det är liksom obetydligt.

Den kvisten gick hem med Cave och lade bokstavligen grunden till sin första Ljuddräkt skulptur. Efter att ha slutfört stycket tog Ligon på sig det som en kostym, märkte ljudet det gjorde när han rörde sig, och resten var historia.

5. Glenn Ligon: Identitet som svart artist

Utan titel (Främling i byn/Händer #1) av Glenn Ligon , 2000, via Museum of Modern Art, New York City

Glenn Ligon är en samtida konstnär som är känd för att inkorporera text i sina målningar och skulpturer. Han är också en av en grupp samtida svarta konstnärer som uppfann termen post-Svarthet , en rörelse som bygger på tron ​​att en svart konstnärs verk inte alltid behöver representera deras ras.

Ligon började sin karriär som målare inspirerad av de abstrakta expressionisterna - tills, sa han, han började lägga in text i mitt arbete , delvis för att tillägget av text bokstavligen gav innehåll till den abstrakta målningen som jag gjorde – vilket inte är att säga att abstrakt målning inte har något innehåll, men mina målningar verkade innehållsfria.

När han råkade jobba i en studio granne med en neonbutik började Ligon göra neonskulpturer. Då var neon redan populärt av samtida artister som Och Flavin , men Ligon tog mediet och gjorde det till sitt eget. Hans mest kända neon är Dubbelt Amerika (2012). Detta verk finns i flera subtila varianter av ordet Amerika stavat i neonbokstäver.

Dubbel Amerika 2 av Glenn Ligon , 2014, via The Broad, Los Angeles

Charles Dickens berömda öppningsreplik till En saga om två städer – Det var den bästa av tider, det var den värsta av tider – inspirerad Dubbelt Amerika . Ligon sa, Jag började tänka på hur Amerika var på samma plats. Att vi levde i ett samhälle som valde en afroamerikansk president, men också var vi mitt uppe i två krig och en förödande lågkonjunktur.

Verkets titel och ämne stavas bokstavligen i dess konstruktion: två versioner av ordet Amerika i neonbokstäver. Vid närmare iakttagelse verkar lamporna trasiga – de flimrar, och varje bokstav är täckt av svart färg så att ljuset bara lyser genom springorna. Budskapet är tvådelat: ett, bokstavligen stavat i ord, och två, utforskat genom metaforer som gömmer sig i verkets detaljer.

Mitt jobb är inte att ta fram svar. Mitt jobb är att ta fram bra frågor, sa Ligon. Detsamma kan sannolikt sägas om vilken samtida konstnär som helst.