6 läskiga målningar av kända konstnärer som kommer att chocka dig

Detalj av Dante och Vergilius av Willian-Adolphe Bouguereau, 1850 (vänster); med The Face of War av Salvador Dalí, 1940 (höger)

Det ligger i människans natur att fascineras av det makabra. För vissa människor är kyliga illustrationer en verklighetskontroll – en påminnelse om att livet inte bara är regnbågar och enhörningar. För andra är de ett passionerat intresse, en spännande besatthet eller bara något fascinerande att se. Oavsett din böjelse är all stor konst värd debatt och beröm. Dessa upprörande läskiga målningar av kända konstnärer kommer att få dig att känna dig störd men samtidigt rörd av ämnet.

Varför skapade kända konstnärer läskiga målningar?

Judith halshugger Holofernes av Artemisia Gentileschi , 1620, via The Uffizi Galleries, Florens

Genom historien har konstnärer skildrat det makabra i konsten och utforskat teman som död, våld och det övernaturliga. Under antiken använde konstnärer sina talanger för att räkna med teman om död och våld som ses i liv och krig. I det europeiska Renässans , konsten ifrågasatte den strikta, överlägsna kristna ideologin. I det medeltida Europa användes mörk konst för att utforska effekterna av pesten, allt från det övernaturliga till det vardagliga. modern bildkonst använder störande bilder för att konfrontera obekväma sanningar i samhället. Här är 6 läskiga målningar som visar denna användning av det makabra i dem.

6. Krigets ansikte Av Salvador Dali

Krigets ansikte av Salvador Dali , 1940, via Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Även om den är rankad som nummer 6, är denna målning inte bara ett hedersomnämnande. Faktum är att ju närmare man undersöker Krigets ansikte , av den berömda konstnären och surrealist målare Salvador Dali , ju mer dess hemska men grymt på punkt detaljer kommer fram. Målningen porträtterar ett kroppslöst huvud, ställt mot en ökenbakgrund, med ett utmärglat ansikte - ungefär som ett lik - under attack från ormar. Dess uttryck är dystert och övergivet, vilket var Dalís avsikt: att visa krigets fulhet. Inuti munnen och ögonhålorna finns identiska huvuden och inom dem finns mer identiska huvuden, vilket gör denna aspekt av det oändlig — ett annat ganska deprimerande koncept.

Dalí målade verket i Kalifornien, 1940, och det tros vara mer stämningsfullt av det spanska inbördeskriget än Andra världskriget . Den dominerande färgen är brun, med en dämpad blågrön himmel i fjärran. Förmodligen representerar de bruna nyanserna krig, medan de blågröna tonerna representerar fred.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Övergripande, Krigets ansikte är en skarp påminnelse om mänsklighetens brutala och oändliga böjelse för konflikter.

Intressanta fakta :

Handavtrycket som syns i det nedre högra hörnet är faktiskt SalvadorDali's.

Inklusive Krigets ansikte ,daliintygade att mycket av hans konstverk härrörde från föraningar om framtida krig.

dalihävdade att två saker inspirerade honom: hans libidooch en allmän oro när det kom till döden.

5. Avhuggna huvuden Av Theodore Gericault

De avhuggna huvudena av Theodore Gericault , 1810s, via Nationalmuseum, Stockholm

Théodore Géricault är en annan känd konstnär känd för sina skrämmande målningar. Denna hemska illustration, märkt Avhuggna huvuden , bokstavligen skildrar dödligheten i dess mörkaste stund. Huvudenas förfall är uppenbart. Till vänster har en hona slutna ögon och dödsvit hud, medan till höger ett manligt huvud har öppna livlösa ögon med munnen på glänt. Det som är ytterligare fascinerande med kompositionen är Géricaults användning av mörka och ljusa toner för att förmedla sin avsikt – övergången från liv till död.

Géricault var så besatt av föreställningen om dödlighet att han var känd för att behålla verklig styckade kroppsdelar och kadaver i sin studio. Liksom flera av hans andra målningar, Avhuggna huvuden gav honom ett sätt att träna på att rita de finare detaljerna av ett lik.

Intressant fakta :

Halsarna på de avhuggna huvudena antyder att dessa tidigare själar mötte sitt slut genom halshuggning. Men i verkligheten är detta bara fallet för en av dem. Géricault fick det manliga giljotinerade huvudet från en tjuv som tidigare hölls i Bicêtre (ett sjukhus som också fungerade som ett dödsdömt fängelse), medan det kvinnliga huvudet var hämtat från en levande modell. Av denna anledning har man dragit slutsatsen att Géricaults andra mål med målning Avhuggna huvuden var att belysa hur både män och kvinnor ofta föll offer för halshuggning via giljotinen.

Fyra. Dante och Vergilius Av William-Adolphe Bouguereau

Dante och Vergilius av William-Adolphe Bouguereau , 1850, via Musée d'Orsay, Paris

Kommer in på #4 är en spöklik representation av den berömda konstnären och franska akademiska målaren William-Adolphe Bouguereau . I början, Dante och Vergilius kanske inte verkar vara en extremt skrämmande målning, men i kombination med dess bakgrund blir det en sjuklig visuell upplevelse. Duken porträtterar en scen från poeten Dantes Gudomlig komedi . Här, Dante och hans guide, Vergilius , har vågat sig in i helvetet och stoppas vid den åttonde cirkeln. Denna del av helvetet är reserverad för dem som begått bedrägerier på mänskligheten. Dante och Virgil vittnar om två fördömda själar som är engagerade i evig strid - en kamp till döden! En av dem är Capocchio, en alkemist och en kättare; den andra är Gianni Schicchi, en bedragare och bedragare. Det är Schicchi som har övertaget och biter Capocchios nacke samtidigt som han knäböjer på ryggen.

Vad är mest imponerande med detta konstverk — förutom den oroande bakgrunden av demoner, ett inferno och nakna gestalter som vrider sig i ångest — är den vackra skildringen av kämparnas kroppar. Bouguereau har på ett briljant sätt fångat ögonblickets hetta och visat upp Schicchis häftiga styrka, smidigheten i männens poser och den råa desperationen i deras uttryck.

Övergripande, Dante och Vergilius är en konstnärlig fusklapp , som belyser hur individer alla är lika i Guds ögon, och att när man förvisas till helvetet blir man varken människa eller odjur utan något mittemellan de två.

Intressant fakta :

När det gäller temat för målningen, var det en engångsföreteelse av Bouguereau, vilket tyder på att det mörka innehållet kanske var för oroande för honom att återge. . .

3. Marats II död Av Edvard Munch

Marats II död av Edvard Munch , 1907, via Munchmuseet, Oslo

Denna nästa skrämmande målning bygger på mörkret i den mänskliga upplevelsen, särskilt när det kommer till upphörandet av ett förhållande. Marats II död föddes ur den norska kända konstnärens sinne Edvard Munch och har en jävla historia bakom sig - ja, faktiskt två. Allt började när Munch bröt upp med sin fästmö, Tulla Larsen 1902. Källor hävdar att paret bråkade i hans sommarhus iAagaardsstrand, och under striden gick en revolver och skadade Munchs hand. Denna händelse traumatiserade konstnären – som insinuerade att Larsen hade fel – och fungerade som inspiration för två målningar: Marats död och Marats II död .

Ämnet i båda titlarna, Marat, syftar på Jean-Paul Marat, en fransk revolutionär som mördades i ett badkar av radikalen Charlotte Corday 1793. I Marats II död , istället för att Marat och Corday är i fokus, förstås det vara Munch som ligger död på sängen, med en naken Larsen stående upprätt bredvid honom. Hon ses som hans mördare av två primära skäl: såret på mannens arm – symboliskt för Munch som skjuter sin egen hand under sitt tidigare tiff med Larsen – och de fysiska likheterna mellan kvinnan i målningen och Larsen själv.

Intressant fakta :

Munch målademedan han testade expressionistiska tekniker. Han utvecklade en unik metod: distinkta horisontella och vertikala penseldrag som var emblematiska för hans aggression och oupphängda mentala tillstånd - vilket så småningom ledde till hans sammanbrott 1908.

två. Elektriska stolen Av Andy Warhol

Elektriska stolen av Andy Warhol ,1967, via National Gallery of Australia, Parkes

Den här bilden sticker ut något från ovanstående, men det är en med rätta skrämmande målning som borde skicka en kall ranka uppför din ryggrad. Elektriska stolen är idén till den berömda konstnären Andy Warhol och representerar hans början av att för hand trycka bilder på duk och sedan översätta tekniken till papper.Det ursprungliga svartvita konstverket från 1964 (bilden nedan) var baserat på ett pressfotografi (1953) av dödskammaren vid Sing Sing State Penitentiary i New York och screentrycktes med silverakrylfärg.

De monokroma färgade trycken (som det som avbildas ovan) utvecklades några år senare när Warhol började experimentera med komposition och färg.1980 beskrev Warhol sin nya tryckprocess som en betydande förändring i hans praxis: Du plockar ett fotografi, blåser upp det, överför det i lim på silke och rullar sedan bläck över så att bläcket går igenom siden men inte genom limmet. På så sätt får du samma bild, lite olika varje gång. Det hela var så enkelt – snabbt och överlägset. Jag var nöjd med det.” (Warhol och Hackett 2007, s.28.)

Liten elektrisk stol av Andy Warhol ,1964-65, via SFMOMA, San Francisco

Vad är det mest spöklika med Elektriska stolen Serien är den politiska kontroversen kring dödsstraffet i Amerika vid den tiden, särskilt i New York City, där de två senaste avrättningarna på Sing Sing var planerade via elchok. Således ger Warhol en dyster men mycket gripande metafor för döden. Bilden saknar all mänsklig närvaro. Som konsthistorikern Neil Printz observerade, trycket är anmärkningsvärt för sin visuella nykterhet och känslomässiga underdrift, medan tomheten och stillheten i rummet representerar döden som frånvaro och tystnad. (Printz in Menil Collection 1989, s. 17.) I grund och botten är opus döden som uppvisar döden, vilket borde ge genklang hos alla som är medvetna om mänsklig dödlighet.

Intressant fakta :

Inspirationen bakom Warhols Elektriska stolen serien var en lunchdejt med curator Henry Geldzahler. Warhol sa:Vi åt båda lunch en dag på sommaren [1962] … och han lade Dagliga nyheter ute på bordet. Rubriken var '129 DIE IN JET', och det var det som startade mig i dödsserien – bilkrascherna, katastroferna, elektriska stolarna … (Andy Warhol och Pat Hackett, POPism: The Warhol '60 s, Harcourt Brace Jovanovich, New York och London, 1980, s 75.)

1. Den bästa skrämmande målningen: Massakern på de oskyldiga Av Peter Paul Rubens

Massakern på de oskyldiga av Peter Paul Rubens , 1610, via Art Gallery of Ontario

Att komma in på #1 är en skrämmande målning som definitivt inte är för svaghjärtade. Varna särskilt mödrar: ämnet är inte bara grafiskt utan extremt störande. Massakern på de oskyldiga av den berömda konstnären Peter Paul Rubens har förtjänat sin topplacering på grund av sin hänsynslösa skildring av barnmord, som – enligt Bibelns Matteusevangelium – var en verklig incident.

Oavsett om det är fakta eller fabel, har konstverket en störande förmåga att dra in betraktaren i scenen. Om du tar Nya testamentets redogörelse så var det Judeens kung Herodes den store som beordrade slaktning av alla manliga Betlehemsbarn i åldern två år och yngre. Hans omänskliga rationalisering för kommandot var, inte överraskande, ego-relaterad – oavsett vilken version av historien du stöter på. Herodes mördar antingen spädbarnen på grund av sin ilska över att ha blivit hånad av magierna – aka de tre vise männen/tre kungarna – eller för att han är förvarnad om att den förestående födelsen av ett manligt barn kommer att tillskansa sig hans krona.

I grund och botten är detta en rörlig duk, där den kanske mest framträdande fokuspunkten är dead center: modern, hennes barn och soldaten. Kampen mellan de tre är brutalt dramatisk. Kommer moderns urgröpning av soldatens ansikte att rädda hennes son? Eller blir det för intet?

Ett sekundärt tyngdpunktsområde ligger längst till höger: soldaten redo att driva ett barn mot en redan rödfärgad pelare, och de två kvinnorna sträcker sig upp för att stoppa honom. Kan de också rädda den unga bruden, eller har ödet redan beslutat vinnaren av detta blodbad med tanke på mängden livlösa och blodiga lik av spädbarn som är utspridda omkring dem. . .

Mardrömmen av Henry Fuseli , 1781, via Detroit Institute of Arts

Intressant fakta :

1923 ärvde en kvinna Massakern på de oskyldiga men vägrade behålla den. Hon tyckte att målningen var för hemsk - trots allt passar slakt av nyfödda och småbarn knappast som vanlig heminredning. Istället lånade hon det till klostret Reichersberg Abbey i Österrike. Den såldes senare kl auktion för hela 76,7 miljoner!

Sammanfattningsvis, Massakern på de oskyldiga är en nykter skildring av något som faktiskt händeri dag. Små barn massakreras, misshandlas och utnyttjas fortfarande, och hur mycket vi än vill blockera detta faktum är det oåterkalleligt att: faktum . En vi inte ska ignorera utan belysa och förändra. För först då kan vi bryta den cykel av historien som upprepar sig. Först då kan vi kalla oss själva mänsklighetens höjdpunkt. Först då kan vi rädda de oskyldiga, de som förtjänar den framtid som vi var så lyckligt lottade att ha.

De författaren Elie Wiesel sa det felfritt:Det kan finnas tillfällen då vi är maktlösa att förhindra orättvisor, men det får aldrig finnas en tid då vi misslyckas med att protestera.