Artist's Homes: Kreativa utrymmen och konststudior av kända målare

Claude Monet på Giverny , 1920 (vänster), Porträtt av Frida Kahlo , Florence Arquin , 1948, Archives of American Art (mitten), och Georgia O'Keeffe , 1968, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (höger)

En konstnärs omgivning kan i slutändan bli sammanflätad med deras arbete och arv. Claude Monet är förknippad med Giverny, Frankrike, precis som Frida Kahlo Coyoacán, Mexiko. Att se på dessa konstnärer genom sin omgivnings lins kan leda till nya insikter om deras konstnärliga tekniker, processer och övertygelser. Låt oss dra tillbaka gardinen och titta in i hem och konststudior för historiens mest inflytelserika målare.

The New Mexican Homes and Art Studio of Georgia O'Keeffe

O’Keeffe öppnar gardinerna i sin studio av Tony Vaccaro , 1960, Georgia O'Keeffe Museum

De breda fönstren i konststudion av Georgia O'Keeffe titta ut på det vidsträckta landskapet i New Mexico. Det var detta landskap som först fängslade O'Keeffe och som så småningom skulle bli hennes hem för resten av hennes liv och karriär. Hennes koppling till landet gav henne en förnyad känsla av självständighet. Det gav henne förmågan att skapa ett utrymme som var distinkt hennes eget.

Ghost Ranch: The Wild Backdrop of O'Keeffe's Southwest

Ghost Ranch, uteplats av Todd Webb , 1955-1981, Georgia O'Keeffe Museum

Det finns två platser i New Mexico som Georgia O'Keeffe använde som sitt hem/studio. Ghost Ranch, eller Rancho de los Burros, var en dude ranch där människor kunde hyra rum och arbeta på marken. O’Keeffe skulle stanna under somrarna och återvända tillbaka till New York för att besöka sin man, Alfred Stieglitz, fram till sin död.

Min trädgård, sommar av Georgia O'Keeffe , 1941, Georgia O'Keeffe Museum

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Ranchen ligger mellan de robusta lagren av en mesa och det platta ökenlandet. Mesan är skiktad med rostfärgad sandsten och sediment som sträcker sig från lila, blå och gula. En öken är beströdd med gröna buskar och träd som prickar landskapet. Även om landet är hisnande, var Ghost Ranch svår att hantera. Det var isolerat utan telefon och hade ett dåligt bevattningssystem. På jakt efter ett hem som var odlingsbart men ändå vackert ledde O’Keeffe till sitt andra hem.

Abiquiú Homestead: Där naturen möter arkitektur

Georgia O'Keeffe's Abiquiu House, Vigas och Studio Door av Georgia O'Keeffe , 1964, Georgia O'Keeffe Museum

Den krävande ansträngningen att driva Ghost Ranch fick O’Keeffe att upptäcka Abiquiú-huset. Det var i dåligt skick och från början obeboeligt, men O'Keeffe visste att hon var tvungen att ha det. När hon besökte fastigheten lockade dess gåtfulla närvaro henne. Renoveringarna inkluderade arkitektur som ses i regionen från indianska och spanska influenser. Vigas gjorda av cederträstockar kantar taken, och adobe tegelstenarna gjordes från O'Keeffes egen mark.

Interiör i Georgia O'Keeffes hem och studio av Jack Boucher , National Park Service

Dessa teman sprang genom interiören av hennes hem också. O’Keeffe hade takfönster, panoramafönster och öppna dörröppningar för att släppa in naturligt ljus i sitt hem. Hennes möbler matchas med eleganta osmyckade adobeväggar och minimal dekoration. Abiquiú-huset skapar en lugnande närvaro jämfört med det karga djurlivet utanför hennes dörr. Det är harmoniskt med det vilda och rustika landskapet i sydvästra USA.

Det nya mexikanska landskapet: där konst speglar livet

Georgia O'Keeffe's Abiquiu House, Patio av Georgia O'Keeffe , 1964 (vänster), och Dörr genom fönster av Georgia O'Keeffe , 1956,Georgia O'Keeffe Museum (höger)

Det omgivande ökenlandet inspirerade O'Keeffes målningar i hennes karriär. Hennes hem, särskilt i Abiquiú, är geometriskt linjära med hennes vigas, släta adobeväggar och vägar. De öppna dörrarna och fönstren släpper in naturligt ljus och skapar olika former, linjer och toner. Dessa linjära målningar påminner om hennes målningar av de eleganta moderna skyskraporna i New York. Skillnaden i New Mexico är användningen av naturliga jordfärger som hon såg varje dag utanför sitt fönster.

Även om New Mexico fortfarande lockar artister för närvarande har det blivit synonymt med Georgia O'Keeffe. Det är hennes skildringar av dess majestätiska mesas och vidsträckta landskap som fortsätter att mystifiera och skapa diskussioner om hennes verk.

Jackson Pollock och Lee Krasners East Hampton Art Studio

Jackson Pollock och Lee Krasner på ett fält av Wilfrid Zogbaum , 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution

New York Citys skyline passerades för de fridfulla dalarna och strömmarna i East Hampton Jackson Pollock och Lee Krasner . Pollock, som led av depression och alkoholism, valde att bo på landet bort från den krävande staden. Det omgivande landet var fyllt av gräsmarker och kärr med en mängd olika vilda djur och blommor. De valde ett hus som en gång tillhörde en fiskare och gjorde om bostaden och ladan till sin konststudio. Landsbygden erbjöd inte bara mer frihet i rymden utan också möjligheten för båda konstnärerna att utöka sina kreativa ambitioner.

Konststudion: Pollocks process och tillbehör

Jackson Pollock av Hans Namuth, 1950, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution

Ladan erbjöd Pollock mer utrymme att skapa sina storskaliga målningar jämfört med New York. Ett exempel på detta är när Peggy Guggenheim gav Pollock i uppdrag att göra en väggmålning. Han ska ha slagit ner en vägg i sin lägenhet för att passa den storskaliga målningen. Det nyförvärvade utrymmet gjorde att han kunde lägga duken på golvet och få utrymme att röra sig i bilden. Denna konststudio var utrymmet där Pollock visade upp sin målarteknik för fotograf Hans Namuth som visas ovan.

Jackson Pollock i sin studio av Rudy Burckhardt , 1950, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Utrymmet skulle fyllas med de olika förnödenheter som han använde. Det finns färgburkar, tjocka penslar, trasor och andra tillbehör som ses på bilden ovan. Huset eller emaljfärgerna som han använde var mycket flytande och stänkte på golvet under honom. Än idag finns färgfläckar kvar på trägolvet. Pollock skulle använda okonventionella material som pinnar, gamla penslar eller kalkonbasters för att måla. Han skulle också använda stenar, glas, snöre eller sand när han målade.

Inflytandet av East Hampton Scenery

Jackson Pollock, Long Island av Martha Holmes , 1949, Life Magazine

Det har diskuterats hur mycket den naturliga världen inspirerade Pollocks arbete eller processer. Men många av serierna Pollock skapade när de bodde på East Hampton har titlar som är inspirerade av naturen. Han genomförde arbeten som t.ex Höstrytm (Nummer 30) och Lavendeldimma (Siffra #). Hans serietitlar inkluderar Ljud i gräset och den Accabonac Creek serie, som fick sitt namn efter bäcken som rann bakom hans hem.

Årstiderna av Lee Krasner , 1957, Whitney Museum of American Art, New York

Jämfört med Pollock är det mer känt att Krasner använde naturen som inspirationskälla. Lee Krasners Årstiderna var en målning hon skapade efter Pollocks död. Krasner skulle använda ladugårdskonststudion efter Pollocks död men klistrade duk på väggen snarare än på golvet. De gesturala penseldragen och de organiska figurerna leder till idén om årstidernas växlingar som hon skulle ha sett. Hon genomförde arbeten som t.ex Milkweed , Fågelprat , eller Höger fågel vänster som har naturinspirerade bilder eller titlar.

Både Pollock och Krasner skapade några av sina mest minnesvärda målningar på East Hampton. Kulisserna har även dragit konstnärer som t.ex Willem de Kooning , Roy Lichtenstein , och Mark Rothko . Det är fortfarande en attraktion för besökare idag för dess koppling till Jackson Pollocks komplexa liv.

Frida Kahlos blåa hus

Porträtt av Kahlo som sitter utanför på uteplatsen till Blue House, hennes hem i Coyoacán, Mexiko av Florence Arquin, 195-?, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Azul de añil är den ljusa koboltfärgen som traditionellt används för att avvärja onda andar och skydda dess invånare. Detta är vad som täcker Frida Kahlos Casa Azul, ett paradis som hon skapade. Dess färgglada väggar skyddar en lummig tropisk trädgård i mitten. Hemmet är fyllt med föremål, växter, djur och konst som Frida samlade på. Dessa föremål och hennes hem är representationer av hennes arv och kärleken till hennes hem, Mexiko.

Sovrummet: Ett porträtt av verkligheten

Frieda Kahlo i hennes sovrum av Bernard G. Silberstein , 1940, Detroit Institute of Arts

Fridas sovrum var en plats där hon tillbringade stora delar av sitt liv. Hon drabbades av polio som barn och fick flera skador när hon skadades i en bussolycka som ung. Fridas pappa och mamma gav henne konstmaterial och ett speciellt staffli att använda i sängen, där hon studerade och utövade sin konst. Ovanför hennes säng fanns en spegel som hon använder för att måla sina självporträtt.

Drömmen (Sängen) av Frida Kahlo , 1940,Privat samling

Mot slutet av sitt liv blev hon återigen bunden till sin säng. Dessa tider av isolering leder till att Kahlo målar bilder av de saker som omgav henne. Dessa inkluderar hennes familj, föremål i hennes eget sovrum och, naturligtvis, hon själv. I verkligheten vilade en Judasfigur av skelett ovanför Kahlos säng och dyker upp i målningen Drömmen . Det användes inte bara som en påminnelse om döden utan också som en symbol för livets ständigt föränderliga cykler.

Diego och Fridas samlingar

Frieda Kahlo i Diego Riveras vardagsrum med Judasfigur av Bernard G. Silberstein , 1940, Detroit Institute of Arts

Frida och hennes man, Diego Rivera , samlade artefakter och folkkonst i Mexiko. Dessa inkluderar små figurer, leksaker, altartavlor (små altarmålningar), lerfigurer från Metepec och Judasfigurer (eller fiestafigurer) gjorda av pappersmaché. Dessa figurer och deras placering i hemmet representerar alla deras passion för att etablera stolthet över inhemsk konst och kultur. Samlingen av dessa föremål speglar Mexikanskhet , eller den stolta handlingen att fira sina förfäder och arv. Dessa föremål skapade också en koppling för Frida och omvärlden.

The Garden: Rebirth of a Home

Pyramiden av Miguel Tovar, Frida Kahlo-museet

När Casa Azul blev Frida och Diegos egendom fick den en makeover, inklusive trädgården. Frida samlade också in växter och införlivade dem i Casa Azuls innergård. Ett enastående föremål är pyramiden som ligger i trädgården. Detta är en av de få bitar som tydligt representerar Diegos närvaro i hemmet. Pyramiden är baserad på pyramiden vid Teotihuacan och används för att visa pre-spansktalande artefakter. Andra växter som finns i trädgården inkluderar ringblommor, kaktus, lummiga palmväxter och andra tropiska växter som är hemma i Mexiko och Central-/Sydamerika.

Stilleben: Pitahayas av Frida Kahlo , 1938, Madison Museum of Contemporary Art

Växter, blommor och frukter/vegetation var konstanta bilder som sågs i Kahlos målningar. De användes för stilleben, bakgrunden till hennes självporträtt eller som människa/växthybrider. Hennes bilder av växter som växer från människor eller vice versa visar det sammanflätade förhållandet mellan liv och död. Hon refererar ständigt till detta tema i en mängd av sina målningar som målningen som visas ovan.

Fridas målningar och föremålssamlingar är exempel på hennes kärlek till inhemsk och modern mexikansk kultur. Det är denna önskan att få kontakt med hennes band till Mexiko som definierar Casa Azul. Det är där hennes liv och karriär började och det är där hennes arv fortsätter att blomstra idag.

The Charleston Home of Vanessa Bell och Duncan Grant

Duncan Grant av Godfrey Argent , 1968, National Portrait Gallery, London (vänster), och Vanessa Bell av Duncan Grant , 1917, National Portrait Gallery, London (höger)

De Bloomsbury-gruppen grundades på ett kollektivt ideal om att förkasta de samhälleliga begränsningar som deras föräldrar från viktorianska eran införde. Dessa medlemmars konst exemplifieras inte bättre än Charleston Home i Sussex, England. Ingen vägg, sängram, öppen spis eller badkar lämnades omålad i hemmet. Två medlemmar som bodde och målade i huset var Vanessa Bell och Duncan Grant . Deras hem är en bokstavlig manifestation av deras designidéer, såväl som ett uttryck för deras syn på deras sätt att leva. Huset är en fristad som skildes från det traditionella samhällets begränsningar som de förkastade.

Målade ytor och dekor av Charleston

Målad dörr i Clive Bell Study , The Charleston Trust (vänster) och Trädgårdsrummet, Charleston Trust (höger), East Sussex, England

Det är barns dröm att ostraffat rita på väggarna i sina hem. Denna dröm förverkligas av Bloomsbury-gruppen eftersom de inte var rädda för att upptäcka utlopp för konstnärlig frihet. Både Bell och Grants konstnärliga stilar är tydliga i husets dekorationer. Rum och föremål i hemmet är inredda i enkla former, djärva färger och uttrycksfulla penseldrag. Ämnen sträckte sig från stilleben av frukter, blommor eller den mänskliga formen. Stolar, mattor, soffor, kuddar och lampor designades till och med av Bell och Grant, som sedan tillverkades av Omega Workshops .

Duncan Grant Studio, öppen spis, Charleston Trust, East Sussex, England

Bell och Grant använde mönster av paisley eller rutiga tryck och kombinationer av cirklar, ränder och prickar för att skapa en rytm mellan olika delar av huset. Deras användning av färg sträcker sig från senapsgult, blek himmelsblått, rika rostanpelsiner eller bleka mintgröna. Även om det finns en mängd olika färger som används i huset lyckas de alla sammanfalla i enhet. Detta beror på deras konsekventa uttrycksfulla stil och är ett bevis på deras mästerliga användning av färgteori.

En förtrollande trädgård: full av möten och blommor

Duncan Grant och Angelica Garnett i trädgården i Charleston , Charleston Trust, East Sussex, England (vänster) , och Arumliljor av Vanessa Bell , 1919, The Courtauld Institute of Art (höger)

Den engelska landsbygden i Sussex med träd och fruktträdgårdar drog Vanessa Bell till fastigheten. Så småningom fyllde Bell trädgårdarna med blommor, vilket blev en inspirationskälla för hennes målningar. Trädgården är där möten skulle äga rum bland Bloomsbury-medlemmar. Skapandet av trädgården liknar den i Monets Giverny eller Fridas trädgård på Casa Azul. Det var en källa till konstnärlig inspiration, men också uppskov. Trädgården påverkade Bells målning Arumliljor , som skildrar ett stilleben med föremål som liknar de som hittats i deras hem i Charleston.

Hemmet och trädgården i Charleston är en samling människor som går samman för att skapa något som var unikt identifierbart för dem. Från människors ständiga kommer och går och den ständigt föränderliga inredningen är Charleston-huset fortfarande i slutändan ett hem som delas av många.

Claude Monets trädgårdar: En utomhuskonststudio

Claude Monet framför sitt hus i Giverny , 1921, Musée d'Orsay, Paris

Efter att ha flyttat från plats till plats under sin konstnärliga karriär var det Giverny som blev Claude Monets sista hemmet. Det finns klätterrosor och vinrankor som uppslukar framsidan av Giverny-huset. De ljusgröna dörrarna kontrasterar med de livliga röda nyanserna i rosenbäddarna i framkant. Framsidan av hans hem är bara början på Monets förmåga att skapa ett mästerverk av mark och trädgård. Giverny blev inspirationskällan för några av hans mest kända verk som fortfarande fängslar tittarna idag.

Givernys blomsterträdgårdar

Claude Monet på Giverny , 1908, Denver Art Museum

Monet var särskilt om vilka typer av blommor han planterade och var han planterade dem. Han skulle arrangera sina blommor genom att färgblandning av sällsynta arter med de vanligaste blommorna, allt från rosor, tulpaner, prästkragar, solrosor eller fingerborgsvantar. Hans trädgårdar fick växa rikligt med träd som draperade över hans rabatter och klätterrosor som breder ut sig längs väggarna i hans hus. Monet behandlade sin trädgård som om han skapade en målning. Färgen styrde över allt annat och kombinationerna av dessa färger skulle planeras lika noggrant som hans impressionistiska målningar .

Konstnärens trädgård i Giverny av Claude Monet , 1900, Musée d'Orsay, Paris

Monets trädgårdar ger en känsla av att fördjupa tittarna i hans värld precis som hans målningar gör. I likhet med de disiga penseldragen i hans målningar kan man inte säga var huset slutar och trädgården börjar, och smälter samman de två till ett. Ett exempel är målningen Konstnärens trädgård i Giverny . De ljusa lila blommorna i denna målning står i fokus mot den suddiga gröna bakgrunden av hans hus och träd. Även i denna målning kan betraktaren se den målmedvetna placeringen av sina rabatter för att skapa distinkta former och färger i målningen.

Den japanska bron och näckrosdammen

Onamngivet fotografi, Durand-Ruel Archives, album nr. III , Metropolitan Museum of Art, New York

Monet lät bygga bron i japansk stil som var omgiven av blåregn, bambu, iris och en näckrosdamm under. Genom att skapa sina egna scener i trädgården fick han ett konstant utrymme där han kunde fokusera och studera på en specifik scen. Monets målningar av dammen fokuserade på vattnets reflektioner snarare än de fysiska föremålen i sig. Idén med reflektioner och fördjupningar fick Monet att skapa flera representationer av denna enda scen.

Den japanska gångbron av Claude Monet 1920-22, MoMA

En av dessa tolkningar av den japanska bron ses i målningen ovan. På 1920-talet förändrades Monets användning av färg och applicering av färg i Giverny. Hans färger förvandlades från de lugnande gröna och blåa till energiska röda och gula. Hans penseldrag var mindre kontrollerade och linjerna var fritt placerade på duken. Detta kan bero på Monets åldrande syn, men det finns fortfarande en synlig förändring i detta arbete jämfört med hans tidigare.

The Art Studio: The Creation of Monets Water Lily Series

Claude Monet i sin studio i Giverny av Henri Manuel, 1920

Monet är känd för att skapa sina målningar i utomhus stil. Han skulle vandra på landsbygden i Frankrike, eller flyta på en båtstudio nerför Seine för att skapa sina utomhusmålningar. Men för sina storskaliga panelmålningar av sina näckrosor behövde han flytta in i en konststudio. Monet var i sextioårsåldern när han startade serien, och de är några av de största han någonsin arbetat med.

Giverny växte genom åren och Monet med det. Han utökade hela tiden sina befintliga trädgårdar och fruktträdgårdar, vilket gjorde att han aldrig kunde resa långt hemifrån. Hans inspiration var alltid fotspår borta och ledde till skapandet av hans mest kända verk.