Den mest chockerande och kontroversiella konsten som någonsin gjorts

Stuart Brisley, And For Today … Nothing, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, London

Genom historien har konstnärer letat efter sätt att skaka om traditionen och ifrågasätta konstens roll. Deras mod har öppnat sig spännande nya vägar inom konsten , och förändrade vårt sätt att se världen på överraskande och oväntade sätt. Men att ta risker har en kostnad och lönar sig inte alltid, åtminstone inte under artistens livstid. Några av de mest revolutionära konstnärerna genom tiderna har blivit offentligt skämda, skickats till fängelse eller nästan dött i den stora konstens namn. Låt oss ta en titt genom konsthistorien på några av de mest chockerande och kontroversiella konstverken som någonsin gjorts.

1. Michelangelo, Den sista domen, Sixtinska kapellet, 1541

Michelangelo, Den sista domen (detalj), 1541, via NY Post

Från det ögonblick då den avtäcktes 1541, var den kaotiska härvan av nakna människokroppar i Michelangelos Den sista domen förvånad och förskräckt publik i lika mån. Nakna kroppar hade förekommit i konsten tidigare Michelangelo, men det mest chockade besökarna var den expansiva uppvisningen av nakenhet över hela linjen, från vanliga människor till helgon och martyrer. Till råga på allt inkluderade han till och med helt exponerade, grafiska könsorgan, vilket fick kardinal Oliviero Carafa att anklaga honom för omoralisk obscenitet. Fikonlöv och länddukar målades över exponerade kroppsdelar, vilket ändrade karaktären på originalkonstverket. De stannade kvar på detta kontroversiella konstverk tills en restaurering av Sixtinska kapellet hundratals år senare, på 1980-talet. Men då hade Michelangelos revolutionerande uppvisning av mänskligt kött redan påverkat konsthistorien djupt, från manneristiska och Barock dekadens till samtidens ofiltrerade nakenhet.

2. Edouard Manet, Olympia, 1863

Olympia av Edouard Manet, 1863, via Musée d'Orsay

Fransk realistisk målare Edouard Manets ikoniska Olympia , 1865 skakade samhället i grunden. Visades först på Paris salong 1865 föreställer Manets målning en naken modell som lutar sig över en soffa medan en tjänare ger henne blommor. Manet härmade medvetet kompositionen av Titian's känd Venus från Urbino, 1534, men han gav sin version en rad kontroversiella uppdateringar. Den direkta, konfronterande blicken från hans modell chockade publiken som var vana vid att se passiva, ödmjuka kvinnor. Att Manet hade använt en riktig modell, Victorine Meurent, snarare än en mytologisk musa var också chockerande nog, men han kom med en rad förslag om att hon var en prostituerad – namnet Olympia var ett vanligt förknippat med sexarbetare i 1860-talets Paris, medan hennes omgivningen ekade stilen hos en parisisk boudoir. Den välvda svarta katten vid basen av Olympias säng var också en välkänd symbol för sexuell promiskuitet. Edouard Manet undveks av den parisiska salongen, men hans genombrott ledde till att en generation impressionister och modernister följde efter.

3. Pablo Picasso, Damerna från Avignon, 1907

Pablo Picasso, The Young Ladies of Avignon, 1907, via MoMA

Picasso hålls Damerna från Avignon , 1907, gömd i sin ateljé länge. Till och med hans egna vänner blev förskräckta när de äntligen såg det. De aggressiva skärvorna av kantiga, konstgjorda färger och brutna, förvrängda perspektiv var chockerande nog, men när den verkliga omfattningen av hans ämne avslöjades blev allmänheten förskräckt. En naken grupp på fem kvinnor poseras som klassiska nakenbilder, men dessa är inga idealiserade skönheter. Istället målar han dem med överdrivna ansikten inspirerade av de afrikanska masker han såg i Paris. Etnografiska museet. Att reducera deras kroppar till en serie skarpa, hotfulla former ger dem en hotfull egenskap, liksom deras kalla, orubbliga blickar. Avignon var en välkänd gata i Paris red-light district, vilket inte lämnar någon tvekan om att dessa kvinnor var prostituerade. Krockar ihop kantigt kubistisk former och konfronterande ämne, slog Picasso på egen hand sönder konventionen och inledde en ny våg av samtida konst . Konstkritikern Jonathan Jones skriver, Les Demoiselles d’Avignon är sprickan, brytningen som skiljer det förflutna och framtiden.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

4. Marcel Duchamp, Fontän, 1917

Marcel Duchamp, Fontän, 1917 (replika 1964), via Tate, London

given experimentalist Marcel Duchamps Fontän , 1917 gjorde historia, spetsen för idékonstens gryning. Att skapa verket Duchamp köpte helt enkelt en pissoar från en fabrik, signerade den med pseudonymen R. Mutt och lämnade in den till Society of Independent Artists. Samhället var djupt kränkt av verket och kallade det oanständigt och omoraliskt och påstod att Fontänen kan vara ett mycket användbart föremål i dess ställe, men dess plats är inte i en konstutställning och det är, utan definition, ett konstverk. . I trots hade Duchamp Fontän professionellt fotograferad av den kända fotografen Alfred Stieglitz i en gallerimiljö, medan en anonym ledare troligen skriven av Duchamp publicerades i vänstertidningen Den blinde mannen argumenterar, huruvida Mr Mutt … gjorde fontänen spelar ingen roll. Han VALDE det. Han tog en vanlig livsartikel ... och ... skapade en ny tanke för det objektet. Detta argument att vilket föremål som helst skulle kunna bli ett konstverk revolutionerade konstnärliga metoder och fortsätter att få återverkningar idag.

5. Carolee Schneemann, Köttglädje, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, prestationsdokumentation

Amerikansk performancekonstnär Carolee Schneemanns Köttglädje , 1964, utmanade kvinnofientliga stereotyper med full nakenhet på framsidan och vridande uppvisningar av erotiskt kött. Genom att kombinera vad hon kallade en inköpslista med ingredienser, inklusive rå fisk, kyckling och korv, tillsammans med färg, glänsande plast och rep, sammanförde hon en grupp nakna kvinnor som rullade runt i dessa substanser som om de förlorats i en orgasmisk extas. Reaktionerna var extrema; en publik var så arg att han till och med försökte strypa Schneemann, medan en annan förklarade, jag vet inte vad det är, men det är inte konst. Men Schneemanns sexuellt frigjorda konst avslöjade för publiken en ny typ av obegränsad kvinnlighet, som ledde vägen för en våg av feministiska konstnärer under hela 1970-talet.

6. Stuart Brisley, And for Today ... Nothing, 1972

Stuart Brisley, Och för idag... Ingenting, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, London

Brittisk performancekonstnär Stuart Brisleys Och för idag... Ingenting , 1972, arrangerades i djupet av en nedgången, sjaskig byggnad i London. Ett smutsigt bad fylldes till brädden med svart vatten och ruttnande kött, där flugor och larver tärnade undan. Brisley låg naken i denna smutsiga röra varje dag i två veckor, med huvudet placerat precis tillräckligt långt ovanför vattnet så att han fortfarande kunde andas. Små grupper av besökare bjöds sedan in att gå in i byggnaden och observera honom i detta sårbara, halvdöda tillstånd. Stuart Brisely utsatte sin kropp för en nästan outhärdlig situation och uppmärksammade tittarna på den bräckliga gränsen mellan liv och död, en attityd som skulle ha en djupgående inverkan på samtida konst som följde. Den här föreställningen var en del av en grupputställning på Gallery House, Goethe Institution, London, men lukten av kallt vatten fyllt med ruttnande slaktbiprodukter blev så vidrig att alla andra konstnärer tvingade honom att lämna.

7. Judy Chicago, Middagsfesten, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79, Brooklyn Museum, Gift of the Elizabeth A. Sackler Foundation. Foto: Donald Woodman

Judy Chicagos monumentala installation Middagsfesten , 1974-9, är en ikonisk symbol för 1970-talets feminism. En enorm, trekantig bankett arrangeras med 39 lokaler, var och en för att hyllas inflytelserika kvinnor från hela historien. Tänkt som ett kvinnligt alternativ till den sista måltiden är den 48 fot lång på varje sida och tog över fem år att slutföra. Den överlägset mest chockerande aspekten av verket var den öppna representationen av kvinnliga könsorgan; varje tallrik är dekorerad med eller formad till en variant av en vulvaform. Verket avtäcktes kl San Franciscos museum för modern konst och drog in enorma antal, men reaktionerna var hätska, märkte verket pornografiskt och stötande. Avsedd för en turné i USA var andra museer snabba att ställa in. Det tog decennier för konstvärlden att värma sig till detta verk och inse dess radikalitet, men idag har det ett permanent hem i Brooklyn Museums Sackler Center .

8. Marc Quinn, Själv, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, bild via Marc Quinn

brittisk konstnär Marc Quinns Själv , 1991 är en hel kopia av hans huvud i naturlig storlek i hans eget frusna blod. Tio pints av hans blod behövdes för att färdigställa skulpturen, som bara kan existera i ett permanent fruset tillstånd. Quinn gjorde sin första version av detta verk i en tid av personlig kamp när han led av alkoholism; liknande hans beroende av alkohol med huvudets behov av att frysas, blev skulpturen en kraftfull reflektion av mänskligt beroende. Han fortsatte att göra mer i serien och reflekterade över sitt föränderliga ansikte när åldrandeprocessen förändrade både hans yttre utseende och inre organ. Flytande i ett livlöst, svävande tillstånd samlas stelnat blod på ytan av detta kroppslösa huvud, vilket gör det till en bister blick. Kritiker anklagade honom för lite mer än vampyrisk sensationellism, medan andra såg verkets plats i en lång tradition av självporträtt, från Rembrandt till Cindy Sherman. Hur som helst har utforskandet av sådant obehagligt intimt material öppnat en mängd nya möjligheter inom samtidskonsten.

9. Pussy Riot, Punk Prayer: Mother of God, Drive Putin away, 2012

Pussy Riot, Punk Prayer: Mother of God, Drive Putin Away, 2012

Rysk punk-protestgrupp Pussy Riot's Punkbön: Guds moder, kör Putin iväg , 2012 var en gerillaföreställning i Moskvas katedral av Kristus Frälsaren. Stormande in på kyrkopredikstolen iförda ljusa kläder och balaklavor hoppade de, dansade, knäböjde och korsade sig tills säkerhetsvakter grep och tog bort dem från byggnaden. Senare samma dag lades ett brännande ljudspår till denna film, med texter som attackerade Putins förtryckarregim och hans kopplingar till den ryska ortodoxa kyrkan, innan de uppmanade Maria, Guds moder (att) driva bort Putin! Upplagt på sociala medier spreds videon som en löpeld och nådde en internationell publik inom några dagar. Ryska tjänstemän var så rasande att de dömde två framstående medlemmar av gruppen Nadezhda Tolokonnikova och Maria Alyokhina till två års fängelse, och anklagade dem för huliganism motiverad av religiöst hat. Argument runt om i världen följde om Pussy Riots hårda straff medan kända röster utan framgång krävde att de skulle släppas. Trots deras fruktansvärda behandling i fängelset förvandlade upplevelsen paret till världsomspännande kändisar som fortsätter att göra framgångsrik konst idag.

10. Maurizio Cattelan, Komiker, 2019

Maurizio Cattelan, Komiker, 2019, Banan tejpad på en vägg , säljs för 120 000 dollar. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Stämplad som den italienska konstens bad boy, Maurizio Cattelan s Komiker , 2019 gjorde sig lustiga över pretentionerna kring dagens konstvärld och det är nu erkänt som årets ikoniska konstverk. På Art Basel Miami Beach, Cattelan gaffer tejpade en banan på väggen och prissatte den till häpnadsväckande $120 000. Efter att den hade sålt drog konstnären David Datuna bort den grå tejpen, tog ut bananen och åt upp den och förstörde originalet. Verket var enkelt omgjort och togs senare bort från galleriet för att förhindra att fler spratt ägde rum. Men en konstnär såg en annan möjlighet, graffiti på det tomma utrymmet där det hade varit orden Epstein inte tog livet av sig. Cattelan skulle vara den första att hävda att varje ny vändning i hans berättelse tillför ett värde till hans koncept, vilket bevisar att i dessa dagar kan nästan allt vara ett konstverk.