Konstkvinnor: 5 beskyddare som formade historien

Porträtt av Isabella d'Este av Titian , 1534-36 (vänster), Porträtt av Catherine de' Medici av Germain Le Mannier , 1547-59 (mitten), Den rosa sultanen av Titian , 1515-20 (höger)

Det är ingen hemlighet att några av världens största konstbeskyddare har varit kvinnor. Idag kan några av deras namn ses på fasaderna av kända institutioner, från New Yorks Whitney Museum till Mexico Citys Museo Dolores Olmedo. Från antiken till 20thårhundradet var konstbeskydd ett viktigt sätt för kvinnor att utöva handlingsfrihet i en värld som annars var stängd för dem. Läs mer om dessa konstmecenater, allt från en renässanskvinna till en konstförespråkare från Edoperioden. Dessa 16th-17thårhundradets kvinnliga konstbeskyddare hjälpte till att forma inte bara kulturen i sin tid och plats utan också sätta tonen för framtiden.

Isabella d'Este: Renässansens konstbeskyddare och antikentusiast

Porträtt av Isabella d'Este av Titian , 1534-36, Kunsthistorisches Museum, Wien

Född 1474 i den härskande familjen Ferrara, Italien, var Isabella d'Este välsignad med föräldrar som trodde på att utbilda sina döttrar såväl som sina söner. Hennes omfattande humanistiska utbildning visade sig användbar senare i livet när hon, som fru till Francesco, markisan av Mantua, tjänstgjorde som sin makes regent under hans militära kampanjer. När Francesco togs till fånga 1509, visade sig Isabella vara en ivrig statskvinna genom att skydda Mantua från fiendens framfart och så småningom förhandla om hans frigivning. Hennes största bidrag var dock hennes förvandling av Mantua till en av dem Renässansens Italien blomstrande kulturcentra. En sann renässanskvinna blev hon en av dess största konstmecenater. Isabellas personliga uppskattning för konst gjorde henne omtyckt för några av de mest välkända kreatörerna i sin tid, från Leonardo da Vinci och Raphael till Baldassare Castiglione.

Parnassus av Andrea Mantegna , 1496-97, Louvren, Paris

Isabellas korrespondens avslöjar en förkärlek för i synnerhet antika konstföremål. Bland hennes mest eftertraktade ägodelar var till exempel en byst av kejsar Octavianus, samt en liten staty av Amor av Grekisk skulptör Praxiteles . Den senare visades så småningom bredvid Sova Amor förbi Michelangelo , vilket illustrerar Isabellas uppskattning för de estetiska banden mellan klassiska verk och produkter från hennes egen tid. Isabellas förkärlek för klassiska teman sträckte sig även till målningar, av vilka hon ägde minst sju skildrar mytologiska scener . Bland dessa fanns Andrea Mantegna s Parnassus (1497) och Antonio da Correggios Allegori om dygden och Allegori om last (ca 1528-30). Alla tre målningarna visade gudinnor som Venus, Pallas Athena, och Diana. Förutom sin fysiska skönhet symboliserade gudinnorna Isabellas humanistiska kunskap och dygder.

Porträtt av Isabella d'Este av Leonardo da Vinci , 1499-1500, Louvren, Paris

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Liksom många beskyddare av sin tid, innehöll Isabellas samling också flera likheter med Marquessa själv. Den mest kända av dessa bilder är en oavslutad kritateckning av Leonardo Da Vinci . Enligt Isabellas begäran är det känsliga porträttet häpnadsväckande verklighetstroget, med nästan perfekta proportioner och förkortning. Medan hon ansiktet skildras i en skarp profil , hennes framåtvända axlar som drar uppmärksamheten till detaljerna i hennes böljande ärmar antyder Marquessas öga för mode. Idag anser många forskare Porträtt av Isabella d'Este i paritet med Mona Lisa som exempel på Leonardos stil av porträtt som var både verklighetstrogen och i harmoni med universell skönhet.

En digital reproduktion av Isabella d'Estes studie på Mantua Castle, med verk av Mantegna, Corregio och mer , från IDEA: Isabella d’Este Archive

En inventering som gjordes efter hennes död 1539 avslöjade över sju tusen målningar, böcker och antikviteter. Isabellas inflytande, som av forskare kom ihåg som renässansens första dam, formade karriärerna för några av periodens mest betydelsefulla konstnärer, och ekar således genom utvecklingen av Västerländsk konst under efterföljande århundraden . Idag finns innehållet i renässanskvinnan Isabella d'Estes samling nu på några av världens mest kända museer, inklusive Musée du Louvre i Paris och Londons National Gallery.

Catherine de’ Medici: Kunglig renässanskvinna

Porträtt av Catherine de' Medici av Germain Le Mannier , 1547-59, Uffizigallerier, Florens

Två århundraden innan Marie Antoinettes överdrifter blev en legend, var Catherine de’ Medici den regerande drottningen av kontroverser. Född i Florens 1519, Catherine var dotter till Lorenzo de’ Medici, hertig av Urbino, och medlem av den inflytelserika klanen Medici , vars härstamning omfattade flera påvar och statsmän. Catherines privilegium var dock kortvarigt, eftersom båda hennes föräldrar dog inom en månad efter hennes födelse. Flyttlad mellan släktingar lyckades Catherine med nöd och näppe överleva störtandet av Medicifästet 1527. Efter flera år som politisk gisslan, hertiginna togs under sin farbror, påven Clemens VII. Det var Clement som 1533 förmedlade 14-åriga Katarinas äktenskap med Henrik, hertig av Orléans, den andra sonen till kung Frans I av Frankrike.

Catherine de Medicis palats, kallad Tuilerierna, från Olika vyer över anmärkningsvärda platser i Italien och Frankrike ( Olika vyer över anmärkningsvärda platser i Italien och Frankrike ) av Stafano della Bella , 1649-51, Metropolitan Museum of Art, New York

Henrys äldre brors död 1536 innebar att Catherine nu var dauphine, eller framtida drottningsgemål. Under press för att säkra Valois-dynastins framtid, födde Catherine därefter sex överlevande barn, inklusive tre söner. När Henry väl tillträdde tronen 1547, begränsades emellertid Catherines politiska inflytande till stor del av hennes mans preferens för sin älskarinna, Diane de Poitiers. Allt förändrades, 1559, när Henry dog ​​efter en tornerspelsolycka. Under de följande åren styrde Catherine Frankrike som regent för sina unga söner – först Francis II och senare Karl IX. Det var under denna tid som Catherine började utöva mer kontroll över Frankrikes diplomati och handväskor, och blev också en av Italiens föregångare konstbeskyddare och en arketypisk renässanskvinna.

Nautisk festival på Adour , Valois Tapestries, designade av Antoine Caron , 1575-89, Uffizi Galleries, Florens

För Catherine var konst och arkitektur ett verktyg för att främja Valois prestige under en period av omvälvningar och antimonarki. Som ett resultat sponsrade hon stora byggprojekt i hela landet, inklusive Tuilerierna och Hotel de la Reine i Paris . Hennes mest detaljerade projekt var hennes mans grav i basilikan Saint Denis. Designad av Francisco Primaticcio, inkluderade strukturen en utsmyckad marmorskulptur för Henrys hjärta.

Bortsett från arkitektur, gav Catherine mer prestige till fransk måleri och konstbeskydd genom relationer med konstnärer som Jean Cousin den yngre och Antoine Caron. Den senare var känd för sin manneristiska stil – vilket framgår av de långsträckta, vridna figurerna och färgerna med hög kontrast. Årstidernas triumf – som återspeglade den pågående spänningen i Frankrike under religionskrigen. Caron designade också Valois gobelänger. Denna utsmyckade uppsättning med åtta gobelänger, som nu visas på Uffizi-galleriet i Florens, föreställer flera storheter , eller hovfestivaler, regisserade Catherine för att markera stora tillfällen. Dessa föreställningar var ett stort utlopp för Catherines egna kreativa energier, och hon var nära involverad i allt musik och scenografi. Noterbart övervakade Catherine skapandet av Drottningens komiska balett , en föreställning som många forskare anser vara den första moderna baletten.

Avgång från gården till Château d'Anet , Valois Tapestries, designade av Antoine Caron , 1575-89, Uffizi Galleries, Florens

Trots de medel som Catherine hällde in i konsten hade hennes inflytande som renässanskvinna och konstbeskyddare få bestående effekter. Valois-dynastins kollaps kort efter hennes död 1589 inledde en ny period dominerad av Bourbonernas smaker och nycker. Catherines byggnadsprojekt lämnades oavslutade, och de flesta förstördes så småningom, medan hennes omfattande konstsamling såldes för att betala hennes skulder. Den enda biten av hennes ansträngningar som återstod var hennes förkärlek för extravaganta hovfestivaler och underhållning; tvåhundra år senare skulle den franska monarkins fortsatta firande av överdrift och lättsinne hjälpa till att utlösa de ekonomiska elände och civila oroligheter som gav vika för den franska revolutionen.

Margareta av Österrike: Konstsamling och politik

Porträtt av Margareta av Österrike av Bernard Van Orley , 16thårhundradet, Royal Museum of Fine Arts of Belgium

Ärkehertiginnan Margareta av Österrikes tidiga liv präglades av en rad falska starter. Född 1480 av kejsar Maximilian I och Margareta av Bourgogne, Margaret var bara två år gammal när hon trolovades med den framtida Karl VIII av Frankrike. Hon tillbringade således större delen av sina uppväxtår vid det franska hovet, där hon utbildades i bland annat språk, musik, politik och litteratur. Förlovningen bröts dock 1491. Margaret gifte sig därefter med Juan, arvtagare till Spaniens tron, 1497, men prinsen dog bara sex månader efter deras förening. Till slut, 1501, fann den nyblivna ärkehertiginnan lyckan i ett äktenskap med Philibert II, hertig av Savojen.

Filip den stilige och Margareta av Österrike av Pieter van Coninxloo , 1493-95, National Gallery, London

Hertigens död 1504 skickade Margaret in i en lång period av sorg, men signalerade också början på hennes imponerande tid som en av de mest inflytelserika kvinnorna och konstbeskyddarna i Europa. Efter att ha vägrat att gifta sig igen, utnämndes hon 1507 till regent i Nederländerna för sin brorson, kejsar Karl V. Utövade det diplomatiska sinne som hon fick av sin tidigare svärmor, Isabel av Kastilien, samt sin gudmor, Margareta av York, Margaret visade sig vara en skicklig politiker och kapabel ledare. Tack vare hennes engagemang för konst och bokstäver drog hennes hov i Mechelen talanger från hela kontinenten. Så stor var hennes samling av allt från juveler och skulpturer till etnografiska föremål att den store målaren 1521 Albrecht Dürer uttryckte vördnad över hennes dyrbara saker och dyrbara bibliotek.

Kungliga klostret Brou, a.k.a. Eglise Saint-Nicolas-de-Tolentin de Brou , 1532, Bourg-en-Bresse, Frankrike

För Margaret var konst och arkitektur såväl politiska verktyg som källor till intresse. Hon var en eklektisk renässanskvinna och en av sin tids framstående konstbeskyddare. Hennes främsta arkitektoniska projekt, kyrkan St. Nicolas i Brou i Bourg-en-Bresse, färdigställdes i en renässansgotisk stil som skilde den från estetiken i Italien och Frankrike. Margarets största intresse var dock porträtt : Premiärkammaren för hennes lägenheter i Mechelen, var en vem är vem av europeiska kungligheter, av vilka de flesta var förbundna med Margaret genom blod eller genom äktenskap. Samtida dokument listar totalt tjugonio porträtt, inklusive likheter med Karl V, Maximilian I, olika spanska habsburgare och Tudors av England . Pride of place gavs till den burgundiska hertiglinjen, som Margaret var en direkt ättling till. Även om Margarets eget porträtt saknades i hallen, är det troligt att de som visades valdes ut för att legitimera hennes närvaro i Nederländerna genom hennes kontakter med några av kontinentens mäktigaste figurer.

Kung Henrik VII av en okänd nederländsk konstnär (tidigare attr. till Michel Sittow) , 1505, National Gallery, London. Detta stycke var bland porträtten i Margareta av Österrikes Première Chambre.

Med tanke på hennes kloka användning av konst som ett politiskt uttalande är det inte förvånande att Margaret också var en krävande konstbeskyddare som hon visste vad hon tyckte om. När det till exempel gällde stilen tycks hon ha anammat de nordliga konstnärernas intresse av att troget representera sina ämnen: Omkring 1525 skickade hon sin hovmålare Jan Cornelisz Vermeyen på en längre resa för att måla flera av sina släktingar, med bl.a. den specifika begäran att han ska skapa så exakta likheter som möjligt. Hon var också medveten om hur hon konstruerade sin egen bild: Hennes officiella porträtt av Bernard van Orley tros vara ganska verklighetstroget och skildrar henne som en hängiven, allvarlig änka. Denna bild kopierades så småningom och distribuerades till hennes släktingar och politiska allierade, inklusive Englands Henry VIII. Hennes strategiska anställning av konsten under hela hennes ämbetstid visade sig vara användbar: Efter hennes död 1530 blev Margaret ihågkommen som en skicklig ledare som befälet en omtvistad region under över två decennier, såväl som en lojal konstbeskyddare som främjade karriärerna i flera nordliga renässanser. konstnärer.

Hürrem Sultan, a.k.a. Roxelana: Art Patron Of The Ottoman Empire

Den rosa sultanen av Titian , 1515-20, John and Mable Ringling Museum of Art, Sarasota

Bestigningen av Hürrem Sultan är en av historiens mest osannolika berättelser. Född Aleksandra Lisowska 1505, tillbringade hon de första åren av sitt liv i byn Rohatyn, dagens Ukraina. Hennes liv förändrades dramatiskt när hon var 14 år gammal, när hennes by plundrades av inkräktare och hon tillfångatogs som slav. Efter att ha överlevt en upprörande resa först till Krim och sedan över Svarta havet till Istanbul, såldes hon så småningom som en konkubin i haremet vid Topkapi, kejsar Suleiman I:s palats.

Sultan Suleiman av Anonym , 16thårhundradet, Kunsthistorisches Museum, Wien

Livet i det osmanska riket var en värld bort från Rohatyn. När han besteg tronen 1520, Suleiman styrde över en befolkning på hundratals miljoner som sträckte sig över delar av Asien, Europa och Afrika. Istället för att bilda allianser genom äktenskap, säkerställde ottomanska härskare att deras linje fortsatte genom konkubiner i haremet. Hem för omkring 150 kvinnor var haremet en isolerad plats där kvinnor – mestadels slavar från erövrade nationer – tränades i det turkiska språket och islams principer, såväl som musik, litteratur, dans och andra hobbyer. Medan de flesta europeiska besökare föreställde sig haremet som ett erotiskt gömställe, fungerade det i verkligheten mer som ett strikt religiöst kloster. Det var här som Aleksandra, nu kallad Roxelana, eller rysk flicka, så småningom tog sig in i historieböckerna.

Modern utsikt över en del av Haseki Sultan-komplexet , Istanbul

Även om det enligt uppgift inte var en stor skönhet, älskade Roxelanas livliga personlighet och intellekt henne för Suleiman. Medan traditionen dikterade att varje konkubin bara kunde föda en son, fick Roxelana så småningom flera barn med Suleiman. I början av 1530-talet bröt kejsaren med århundraden av sedvänjor och gifte sig formellt med Roxelana, vilket gjorde henne till den första kungliga gemålen som fick titeln Haseki Sultan . Hennes nya tjänst kom med en hemgift på 5 000 dukater samt en dagslön på 2 000 silvermynt, varav de flesta hällde in i omfattande offentliga arbeten. Hennes största prestation var Haseki Sultan-komplexet. Sten- och tegelkomplexet, designat av Mimar Sinan, inkluderade en moské, en skola, ett soppkök och ett sjukhus.

Förutom sitt eponyma komplex finansierade Roxelana också byggnader och offentliga resurser i andra städer, inklusive Mecka och Jerusalem. Hon dog 1558, efter att ha gjort oöverträffade insatser som både statskvinna och konstbeskyddare. Idag krediterar forskare Roxelana för att inleda det så kallade Sultanatet av kvinnor, en period i den osmanska historien då kungliga kvinnor utövade ett unikt inflytande på politiska angelägenheter.

Tōfuku Mon-In: Edo-periodens japanska konstbeskyddare

Edo Period Porträtt av Tokogawa Masako , Koun-ji-templet,Kyoto

Född Tokugawa Masako 1607, Tōfuku mon-in var dotter till Tokugawa Hidetada, den andra shōgun av Japans Edo-period . 1620 gifte hon sig med kejsar Go-Mizunoo och skapade därmed en allians mellan den Kyoto-baserade kejserliga familjen och Edo militärregimen. Även om bröllopet firades med omfattande festligheter, hade Go-Mizunoo redan angett att han föredrar en konkubin som han hade två barn med. Det var först efter födelsen av hennes dotter, prinsessan Okiko, 1624, som Masako fick titeln chūgū, eller kejsarinna gemål. Fem år senare, 1629, abdikerade Go-Mizunoo till förmån för Okiko, som därefter blev kejsarinnan Meishō. Det var vid denna tidpunkt som Masako antog det buddhistiska namnet Tōfuku mon-in.

Även om hennes tid som gemål var kortlivad, fortsatte Tōfuku mon-in att vara inflytelserik långt in i hennes senare år. Medan militärshogunatet fortsatte att kontrollera fler aspekter av regeringen, använde Tōfuku mon-in sin personliga rikedom för att stärka det kejserliga hovets kulturella normer. Hon hällde pengar till återuppbyggnaden av flera buddhistiska tempel som förstördes av inbördeskrig, inklusive Enshō-ji i Koriyama och Kūon-ji i Kyoto. Hon presenterade många av dessa platser med målningar av kända konstnärer; några av dessa verk, som t.ex Koreanska sändebud av Dōun Masanobu, är fortfarande i templens ägo.

Poesi-slips fäst vid körsbärs- och lönnträd av Tosa Mitsuoki , 1654/81, Art Institute of Chicago

Förutom hennes arbete med att bygga om tempel, hade Tōfuku mon-in också en djup personlig investering i konst och hovkultur. Skicklig i kalligrafi och komposition var hon känd för att vara värd för poesifester i sina lokaler. Hennes kärlek till poesi förevigas i en av de mest kända beställningarna i hennes samling, Poesi-slips fäst vid körsbärs- och lönnträd . Denna uppsättning med sex skärmar av Tosa Mitsuoki, som nu visas på Art Institute of Chicago, visar 60 stycken poesi, eller Tanzaku , till trädgrenar. Den livfulla kontrasten mellan höstens lönnscener och vårens körsbärsblommor kombinerat med konturerna av det svajande Tanzaku representerar en vemodig, melankolisk reflektion över skönhetens flyktighet.

Poesi-slips fäst vid körsbärs- och lönnträd av Tosa Mitsuoki , 1654/81, Art Institute of Chicago

Som en av Edo-periodens konstbeskyddare sträckte sig Tōfuku mon-ins intresse över medier. Även om poesi kanske var hennes största intresse, samlade hon också på religiösa ikoner, relikvier och målningar, såväl som tevaror för chanoyu, eller teceremonin. För den senare vände hon sig ofta till keramikern Nonomura Ninsei, vars djärva mönster och raffinerade utförande kompletterade Tōfuku mon-ins egen förkärlek för att blanda moderna och klassiska stilar. Hennes intervjusal i palatset, till exempel, innehöll slående, färgglada element vid sidan av poesikort och ornament. En av hennes mest eftertraktade interiöruppdrag var en uppsättning cederdörrar målade med festivalscener och bilder av stora karpar i fiskarnas nät. När hon dog 1678 hade Tōfuku mon-in samlat på sig en enorm samling konstföremål som ger ett fantastiskt arkiv av kreativitet från en viss period i hennes lands historia.