4 artister som öppet hatade sina kunder (och varför det är fantastiskt)

Michelangelo Buonarroti (1475–1564) av Daniele da Volterra , troligen ca.1545; Diego Rivera i Detroit , 1932-33, via The Detroit News; Självporträtt av Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , tidigt 1800-tal, via Eremitagemuseet, Sankt Petersburg; Porträtt av Édouard Manet

Historiskt sett har många artister stött på sina kunder—det gör de fortfarande. Oavsett om det handlar om skillnader i ideologi till smak, tenderar artister att fatta överlagda och ibland lustiga beslut för att göra en poäng. Från renässansen till den moderna konströrelsen har konstnärer från Italien till Mexiko aldrig tagit lätt på att deras verk förolämpats eller deras övertygelser utmanats, och det inkluderar människorna som ska utforskas.

1) Michelangelo Buonarroti: The Untouchable Renaissance Artist

Michelangelo Buonarroti (1475–1564) av Daniele da Volterra , troligen ca.1545, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Michelangelo är känd för många fantastiska verk- från hans David till hans målningar på Sixtinska kapellet taket — cementerade honom som en virtuos inom bildkonsten, men hans skicklighet var inte det enda som gjorde hans verk så fantastiska. I Den sista domen , i Sixtinska kapellet finns ett djärvt uttalande av konstnären om en specifik person.

Var det personen som gav honom uppdraget, påven Clemens VII (Giulio di Giuliano de’ Medici)? Nej, men det var någon nära påven. Michelangelo hade en varaktig och överlag trevlig relation med Medici-familjen (exklusive tiden han förrådde dem, vilket han blev förlåten för), och tjänade fyra stora namn totalt. Tre av dem var påvar under Medicis regeringstid , vilket var under den tid Michelangelo arbetade i Sixtinska kapellet - vilket gjorde Biagio Martinellis klagomål desto roligare.

Biagio Martinelli var tillförordnad påvlig ceremonimästare under de första och andra Medici-påvarna, påven Leo X (Giovanni di Lorenzo de’ Medici) och påven Clement VII, som var gamla skolkamrater till Michelangelo. Den sista domen fullbordades under regeringstid av påven Paul III (Alessandro Farnese) som utbildades vid Medicis hov och efterträdare till påven Clemens VII. Det meningslösa i det han senare försöker göra är desto roligare på grund av kopplingen mellan alla dessa män.

Nedre högra delen av Den sista domen av Michelangelo, 1536-1541, via Musei Vaticani, Vatikanstaten

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Enligt Norman E. Land's En kortfattad historia om berättelsen om Michelangelo och Biagio da Cesena , Martinelli var inget fan av De Sista domen under sin befruktning och påstod att det fanns onödiga mängder nakenhet och fördömde det.

Michelangelo tog inte lätt på det.

Han bestämde sig för att avbilda Martinelli i helvetet, helt naken med en orm som biter hans könsorgan, och för att lägga förolämpning till skada gjorde han en poäng att ge den påvliga mästaren demoniska drag. Det var Michelangelos sätt att offentligt avvisa mannen som vågade förolämpa hans verk. Martinelli försökte få den där specifik del togs bort av påven Paul III, men liksom påven Clemens VII före honom stod påven Paulus III på god fot med Michelangelo och försvarade Den sista domen .

Han sa till Martinelli att hans makt inte sträckte sig till helvetet så det fanns inget att göra åt att hämta den påvliga mästaren därifrån, vilket är helt fantastiskt. Vad påven bokstavligen sa var:

Messer Biagio, du vet att jag har makt från Gud i himlen och på jorden; men min auktoritet sträcker sig inte in i helvetet, och du måste ha tålamod om jag inte kan befria dig därifrån.

Absolut Brutal . Martinelli tjänade fyra påvar men ingen hade respekterat honom på det här sättet. Vad Martinelli borde ha insett var att vid denna tidpunkt i Michelangelos karriär, med sina enorma kontakter, var att mannen var oberörbar.

Hade Martinelli inte så oförskämt tillrättavisat Michelangelos verk skulle vi inte ha fått en så rolig historia kopplad till en lika rolig del av ett mästerverk.

2) Édouard Manet: Subverting the Wealthy

Lunch på gräset av Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Vilka var exakt Manet sina kunder? Tja, de var de rika och sofistikerade. Konstnären målade många kontroversiella verk under tiden Realismrörelse , och den enda anledningen till att de var kontroversiella är för att de blottade de rika. Manet hade en avsky för den ekonomiska skillnaden mellan de rika och de fattiga och han hatade det faktum att de rika trodde att de var framför allt— oberörbar. Hans stycken försökte förmedla hur osant det var.

Manets Lunch på gräset målades för att skapa social medvetenhet, som många av hans verk. Det här stycket var tänkt att utmana överklassen och nästan göra narr av dem. Han ville att det här stycket skulle vara en återspegling av människorna som skulle se det— den ordentliga och rika jag nämnde tidigare. Realismrörelsen förkastade de klassiska normaliteterna i konsten och sökte en rå och rå strategi.

För det första ser personerna i verket inte ens ut som om de hör hemma i det omgivande landskapet. De är målade verklighetstrogna, visst, men de ser inte ut som de tillhöra i inställningen på grund av deras planhet mot bakgrunden. Sedan kommer de kvinna som badar i vattnet, en av två större frågor i verket som förskräckte de rika. Den badande kvinnans perspektiv är långt borta, men Manet bestämde sig för att göra henne större och sticka ut mer i bakgrunden.

Detta för att han ville gnida salt i såret. Inte nog med att verket inte var klassiskt proportionerat utan kvinnan i bakgrunden badar faktiskt inte. På frågan om vad den här kvinnan gjorde skulle Manet faktiskt säga att hon kissade, för att lägga förolämpning på skada. Han målade henne på ett sådant sätt att chockera de storslagna människorna som besökte salongen.

Den blonda odalisken av François Boucher , 1752, via Alte Pinakothek Gallery, München

Den andra förolämpningen var definitivt den nakna kvinnan som slentrianmässigt satt med två lärda herrar med sina trosor utspridda i samband med picknicken. Manet gjorde en poäng att visa kvinnan i förgrunden som naken, inte naken. En naken är den idylliska kroppen i sitt naturliga tillstånd, något liknande Francois Boucher s Rokoko målning Den blonda odalisken , till exempel. Som jämförelse poseras Manets kvinna suggestivt och uppmanar tittaren att komma och delta i deras lunch.

Den enda anledningen till att han överhuvudtaget har en naken kvinna i verket är att folk klagade på att han inte målade tillräckligt med nakenbilder, så året innan Lunch på gräset var färdig, sa han till sin vän Antonin Proust , Okej, jag ska göra dem naken...Då antar jag att de verkligen kommer att slita mig i bitar... Ah, de får säga vad de vill. Den här mannen brydde sig inte om vad de rika hade att säga om hans pjäser och det visade sig.

Han valde att satirisera vad folk vanligtvis skulle se i Salongen i motsats till hur de rika faktiskt spenderade sin tid. Han drog till och med en Ingres och mötte henne smutsig fot mot publiken om hans avsikt inte hade varit tillräckligt tydlig. Det här stycket var inte tekniskt ögonöppnande men tittarnas reaktion visade att det fanns ett djupt rotat samhälleligt hyckleri. Synd att den blev avvisad från Salongen.

Olympia av Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Ett annat verk som skakade de rika och uppskattade till deras kärna var Manets Olympia. Det här var en bit som gjorde ta sig in i salongen och åskådarna var upprörda. Verket var ökänt och måste hängas högre upp i salongen för att det inte skulle bli brutaliserat av beskyddare. De Olympia skulle vara en ärlig tolkning av en mer prestigefylld och utbildad prostituerad, en kurtisan.

Varför förolämpade detta kunderna? Jo, för att det slog lite för nära hemmet. Hon var som män till kvinnor i högsamhället faktiskt spenderat pengar på, spenderat tid med och ibland värdesatt mer än sina fruar. Målningen förmedlar att även om hon inte är den vackraste och elegantaste så är hon den som deras män springer till eftersom hon är mer än vad högsamhället hade format dessa kvinnor till. Manet höll sig inte tillbaka och det är det skön . Han har en dekorerad prostituerad som slappar Tizian s Venus från Urbino som för att säga, ja, hon är bättre än du och hon vet det. Han upphöjde utan ansträngning en kurtisan till en gudinna och sänkte tittarna till ingenting annat än bara anhängare av hennes nycker och förförelser.

Manet lekte inte när han gav sin syn på de rika och deras ideal. Dessa stycken träffar ohotat hårt och är fenomenala i sin munterhet och självbelåtenhet!

3) Diego Rivera: Kommunistisk symbolism

Mannen vid korsningen planer av Diego Rivera , 1932, via MoMA, New York

Diego Rivera designade och startade en väggmålning för Rockefellers i New York City. Han gav dem definitivt ett fint konstverk. Men när han var tvungen att sluta arbeta med det, gav han inte nödvändigtvis Rockefellers vad han hade sålt dem. Han skulle måla en väggmålning i Rockefeller Center som representerade kapitalismens makt över socialismen. Rockefellers var helt sålda på idén och efter att de godkände Riveras skiss, Mannen vid korsningen , började han sin fresk för dem. De visste att Rivera var en kommunist men de trodde inte att det skulle vara ett problem, om något de ville bara ha en populär konstnär att arbeta med för sin byggnad.

För all del, de var korrekta och Rivera gav dem vad de ville, tills den New York World-Telegram , sa att stycket var i sig antikapitalistiskt. Stort misstag från deras sida, med tanke på hur det slutade vara ett slöseri med tid och resurser. Rivera, som den förringade konstnären han var, slutade med att avvisa tidningen och målade in Lenin såväl som den sovjetiska ryska Mayday-paraden i verket. Det slutade med att slå tillbaka eftersom Rockefellers inte tog väl emot att han placerade det i lobbyn på deras byggnad.

Man, universums kontrollant av Diego Rivera , 1934, via Museum of the Palace of Fine Arts, Mexico City

Rockefellers bad honom att ändra det, men han vek sig inte. Originalet förstördes på grund av detta, eftersom Rivera insisterade på en fresk, så det var inte något som bara kunde flyttas. Det som finns kvar av det ursprungliga konceptet finns i hans Man, universums kontrollant , som han målade i Mexiko.

Rockefellers har en av de största förmögenheterna i världen och kan lätt betraktas som kapitalistiska kungligheter, så självklart Rivera passade på att sätta in kommunistisk propaganda i en av deras byggnader. Han var inte nödvändigtvis tillbaka på dem, men han bevisade en poäng för media. Tydligen, sa Rivera, om du vill ha kommunism, kommer jag att måla kommunism. Låter bekant, eller hur? Manet gjorde definitivt exakt samma sak med sin Lunch på gräset . Konstnären vänder media och kapitalismen själv till den ökända fågeln.

Naturligtvis skulle det förolämpa Rockefellers eftersom kapitalismen är grunden för deras rikedom och framgång, men han brydde sig inte. De djärvhet Rivera hade är häpnadsväckande. Liksom Manet fruktade han inte konsekvenserna, eftersom deras reaktioner förmodligen bara bevisade hans poäng. De fruktade kommunistisk ideologi, vilket var något som Diego Rivera troget trodde var bra, så han gick vidare och målade den i Mexiko för att bevisa att han aldrig skulle ändra sin tro och han ångrade inte sitt beslut. Vilket kraftdrag.

4) Anne-Louis Girodet De Roussy-Trioson: Konstnärens hämnd

Fröken Lange som Venus av Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson, 1798, för närvarande beskådad på Museum of Fine Arts Leipzig

Nu, för inspiration för hela denna artikel, Girodet. Konstnären fick i uppdrag av Mademoiselle Lange att göra ett porträtt av henne. Han målade Fröken Lange som Venus och hon absolut hatade det. Jag antar att hon tyckte det var osmakligt på grund av hur hon verkar nästan narcissistisk i stycket, cupid som håller i spegeln och hjälper sin mamma men också hjälper till i hennes självkärlek och fåfänga. Det finns aldrig en tydlig anledning till varför hon har en motvilja mot stycket men det är bara mitt allmänna antagande.

Venus födelse av Sandro Botticelli , 1485, via The Uffizi Galleries, Florens

För lite sammanhang var Mademoiselle Lange en ung underhållare som var lite av en guldgrävare. Hon arbetade på teater och på grund av en produktion som verkade ha royalistiska konnotationer arresterades skådespelarna och författaren till pjäsen. Efter två års fängelse flydde hon giljotinen på grund av vänner som hon hade på högre ställen, vilket förmodligen beror på hennes förföriska natur och vilja att locka för pengar.

The Toilet of Venus ('The Rokeby Venus') av Diego Velazquez , 1647, via The National Gallery, London

Girodet målade henne när hon var inne hans ögon, med hjälp av mästerverk som t.ex Venus födelse av Sandro Botticelli och Venus toalett av Diego Velazquez Som referens. Han var en konstnär som hämtade inspiration från Klassisk konst, pga hans träning med nyklassicisten Jacques-Louis David ,samtidigt som den fortfarande är en föregångare Franska romantiska konströrelsen . Med en sådan bakgrund försökte han ge en känsla av nyckfullhet till verket samtidigt som han behöll en klassisk ton och skapade ett vackert konstverk. I grund och botten borde hon ha älskat det här stycket men i stället vägrade hon att betala Girodet vad han var skyldig och beordrade honom att få den borttagen. Som svar slet Girodet sönder biten och skickade tillbaka den till henne och målade sedan något absolut Fantastisk.

Mademoiselle Lange som Danaë av Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson , 1799, via Minneapolis Museum of Art

Det här stycket var att trotsa henne. Det var en satirisk målning av hans Venus och den dryper av symbolik:

Han skildrar Lange som en prostituerad som samlar guldmynt till ett ark. Guldmynten är parallella med berättelsen om Danaë och Zeus, vilket är representativt för hennes bristande trohet (Hon var känd för att gifta sig för pengar).

Längst ner till höger finns en mask som har egenskaper som liknar en älskare av henne, en herre, med ett guldmynt i ögat, behöver jag säga mer?

Han satiriserade sedan hennes man Simmons – hennes sista älskare – som en Turkiet som bär en vigselring som ska vara Jupiter eller Zeus , men han försökte skämma ut hennes val av älskare och att hon bara gifte sig med honom för pengar.

Cupid tittar suggestivt på publiken som hjälper henne att samla mynten, uppmuntrar hennes otrohet, bjuder in publiken att uppleva en lättsam kvinna.

Så äntligen den trasiga spegeln. Det förmedlar att hon inte accepterar sig själv för den hon är, oförmögen att se sig själv och hur Girodet ser på henne, en äktenskaplig, fåfäng och girig person.

Girodet höll inget tillbaka. Den här mannen var arg och absolut föraktad, vilket kulminerade i ett underbart roligt stycke som har så många referenser och symboler i sig att jag är säker på att beskyddarna av salongens huvuden snurrade.

Detta är absolut de exempel på vad som händer när en klient tar fram monstret som lurar under ytan på en föraktad artist, och varför det är Fantastisk .