Vad är minimalism? En recension av den visuella konststilen

2000 års skulptur av Walter DeMaria 1992, via LACMA

Minimalismen förvandlade modern konst som vi nu känner igen den. Till stor del fokuserad på musik och estetik sedan 1960-talet, satte dess skulpturala förfäder Donald Judd, Robert Morris och Sol LeWitt bollen i rullning för en decennier lång strävan efter kreativ frigörelse. Denna historiska översikt beskriver dess metamorfos genom tiderna.

Vem inspirerade minimalism?

Nr VI / Komposition nr II av Piet Mondrian , 1920, via Tate, London

Modernismens reduktionistiska tendenser lade en minimalistisk grund långt innan termen materialiserades. Även om New York City i slutändan inkuberade genrens popularitet i mitten av 1900-talet, är dess ursprung så tidigt som 1915, när avantgardekonstnären Kasimir Malevich målade sin egensinniga Svart fyrkant . Tillsammans med Vladimir Tatlin var de ryska ledarna särskilt intresserade av att förena framväxande teknologi med vardagslivet och sammanställa vanliga föremål för att raka ner konsten till dess sannaste form. Målningar tjänade inte längre som objektiva speglar av ett tredimensionellt samhälle, utan snarare självreferenserande objekt, som utforskade hur en yta kunde övervinna sina egna fysiska begränsningar. Andra banbrytare som den nederländska abstraktionisten Piet Mondrian, vars enkla men kraftfulla målningar upplyste den ytliga plattheten, fortsatte med denna praxis under hela 1920-talet. Tidiga abstrakta kompositioner som hans Nr VI (1920) avslöja denna generationslängtan att eliminera figurativa tekniker och reducera verkligheten till en serie geometriska former.

Homage Till Torget av Josef Albers , 1959, via Guggenheim-museet, New York

Dessa föregångare katalyserade en objektiv omvärdering av vad det innebar att vara konstnär. Detta kan till stor del tillskrivas 1920-talets hyllning av Marcel Duchamp, som korsfärdade mot tanken att konst endast skulle vara känslomässigt motiverad. Han trodde att all revolutionär konst borde tvinga tittarna att ytterligare förhöra maktsystem och därigenom avslöja en djupare mening. 1937 testade proto-minimalistisk skulptör Constantin Brancusi denna föreställning genom att resa till Rumänien och resa sin 98 fot höga Ändlös kolumn , ett rombiskt torn som hyllar fallna lokala soldater. Målaren Josef Albers cementerade sedan minimalistiska idéer inom modern konstutbildning genom att betona illusionärt bilddjup under hela sin tjänst på Black Mountain College. Hans Homage To The Square (1950) exemplifierar dessa nyckelprinciper genom kontrasterande färger, former och skuggor, förankrade i empiriska designstudier. Efterföljande färgfältsmålare Ad Reinhardt och Mark Rothko snart spetsen för en annan ny visuell stil, som betonade estetisk enkelhet och pigmenterade paletter.

När började minimalismen?

Installationsvy av 16 amerikaner förbi Soichi Sunami , 1959, via MoMA, New York

Originalminimalister hade för avsikt att producera ännu mer bokstavliga skildringar av världen omkring dem. Att tro att konst bara borde hänvisa till sig själv, många flyttade från bildmåleri till skulptur eller tryck för att förbättra sina tekniker. Frank Stella, allmänt betraktad som den första amerikanska minimalisten, bröt ut på New York-scenen med ett dånande klang 1959 tack vare hans berömda Svarta målningar. Visas på MoMAs seminal 16 amerikaner utställningen, denna serie randiga dukar sträckt över taggiga träramar, som ställer prejudikat från Willem de Kooning och Franz Kline. Frånvaro av något mänskligt märke, antog Stellas abstraktion också egenskaperna hos dess givna utrymme samtidigt som den förblev helt platt, dämpad och vågad, utan subjektivt beslutsfattande. Han säkrade dessa grundläggande svarta målningar slarvigt men ändå med övertygelse, och bekände att de var föremål stolt. Hans ikoniska 1964 Citat utvecklades senare till ett teoretiskt mantra för minimalister över hela världen: vad du ser är vad du ser.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Green Gallery Exhibition 1964

Ofrälse förbi Donald Judd , 1963, via The Judd Foundation, New York

Inom året blomstrade en visionär kreativ lineup på New Yorks Green Gallery. Curator Richard Bellamy koordinerade en central utställningsserie Nytt jobb att paradera nya röster över en mängd olika medier. Konstruerad av kommersiell plywood, viftade Robert Morris sin Utan titel (Corner Piece) (1964), ramar in utrymmet från en ny utsiktspunkt. Under tiden, Och Flavin avslöjade sina legendariska fluorescerande situationer, vars reaktion visade att vardagsmaterial vältaligt kunde infiltrera det höga samhället. Flavins guld, rosa och rött, rött (1964), Minimalistens första golvpjäs någonsin, stod bland andra elektriska konstverk som visades. Rabblare Donald Judd gjorde också sin debut som seriös skulptör här mindre än ett år tidigare med sitt slående Namnlös (1963) , med totalt fem shower under sin korta beläggning. Trots att de blandat sig i Green, stämplade ingen av dessa pionjärer sig faktiskt som minimalister. Ledande forskare engagerade sig i att ta fram ett nytt ordförråd för att beskriva denna monumentala rörelse.

Uppsatser publicerade om minimalism

En och tre stolar förbi Joseph Kosuth , 1965, via MoMA, New York

Kritiska essäer publicerade under mitten av 1960-talet etablerade så småningom ett förhärskande minimalistiskt paradigm. 1965 släppte Donald Judd sin avhandling Specifika objekt , genomgående som han faktiskt förkastade valören Minimalism. Istället hävdade han att genren borde erkännas som specifika objekt, alltså en konstnärlig kategori som inte lätt klassificeras som enbart målning eller skulptur. Vanligtvis smälte minimalister dessa två medier snett, och störtade traditionella europeiska konventioner till förmån för fenomenologi . (Denna filosofiska studie vägde subjektiv upplevelse framför objektiv sanning, vilket underströk hur svar på ett konstverk varierar mellan sammanhang.) De flesta fokuserade också på att replikera tredimensionella objekt så nära som möjligt, utrota författarskap genom industriella verktyg och skrymmande, icke-konformistiska konfigurationer. På grund av denna ökade oro för befruktning i motsats till förfarandet, uppstod också minimalism i samklang med Konceptuell konst. Milstolpar som Joseph Kosuths En och tre stolar (1965) utropade frågan om årtiondet : är det konst, ett föremål eller ingetdera?

Primära strukturer På Judiska museet

Installationsvy av primära strukturer: yngre amerikanska och brittiska skulptörer , 1966, via The Jewish Museum, New York

Minimalismen slog sin storhetstid 1966. Det året var Judiska museet värd Primära strukturer, en storsäljande showcase med över 40 framstående artister. Organiserad i tio galleriutrymmen åtskilda av en gångtunnel, fick utställningen också positiva mediaframgångar från början av sin tid. Noggrant kurerade väggar presenterade de senaste utspelen av den relativt framstående Tony Smith tillsammans med Sol LeWitt, som avslöjade sin Namnlös (1966) , en trägolvskulptur som profeterar hans senare verk. Primära strukturer lanserade också spirande kreativa som Anne Truitt i rampljuset med Sea Garden (1964) , senare känd för sina storskaliga installationer. Målningar på gränsen till minimalism och färgfält, som Ellsworth Kellys Blå skiva (1963), gjorde också ett framträdande. Genom att göra så, Primära strukturer för alltid förvandlade idén om ett gallerirum, som satte ett sammanhållet koncept i förgrunden snarare än att undersöka dess enskilda delar. Den ideala konstnären skapade inte längre helt enkelt. Nu ger sig dessa drömmare iväg för att designa.

Systemisk målning På Guggenheim

Lawrence Alloway installerar systemisk målning , 1966, via Guggenheimmuseet, New York

Andra institutioner efterliknade snabbt denna tradition. I september 1966 firade Guggenheim Systemisk målning , en sammansmältning av amerikanska konstformer som Hard-Edge och formade dukar. Geometrisk abstraktion föredrogs vid denna presentation av New Yorks finaste talang, även om en beskrivning av minimalism saknades i hela dess katalog. Hur målmedvetet detta beslut än blev, verkade artisterna som sågs otvivelaktigt minimalistiska. Neil Williams Sartorial Habits of Billy Bo (1966) hängde vinkelrätt mot Frank Stellas Wolfeboro IV (1966) i High Gallery, två pärlor bland en ömsesidigt beroende lineup. Västerländska utställningsutrymmen förändrades också i allmänhet runt den här tiden, med klassiska museer som utökade sina uppgifter. konsthallar, ett tyskt grepp om ett samtida gallerirum, började dyka upp över hela Europa, regementerat baserat på rotation. Co-ops som New Yorks Artists Space ständigt tillhandahållit plattformar för innovatörer att uttrycka unika hypoteser. De resulterande recensionerna blev lyckosamma och ökade allmänhetens uppfattning om vad minimalism verkligen skulle kunna förvandlas till.

Ett skifte mot post-minimalism

Namnlös (L-Beams) förbi Robert Morris , 1965, via The Whitney Museum, New York

I slutet av 1960-talet avvek minimalism i olika teorier. Robert Morris ledde vägen med Anteckningar om skulptur 1-3 , hans essäer från 1966 som anger en formell ram för kamrater att följa. Särskilt utvärderade han Gestaltpsykologi, som utger en ordnad helhet är större än summan av dess komponenter. Morris artikulerade helt denna implikation genom att betona delar bundna tillsammans [för att] skapa ett maximalt motstånd mot perceptuell separation, vilket inte kräver några reguljära enheter eller symmetriska intervall. Genom att testa denna premiss tidigare, hade han aktualiserat sin mest anmärkningsvärda skulptur hittills, (Utan titel) (L-balkar). Tre identiska L-formade polyeder balanserade i distinkta positioner, beroende av varandra samtidigt som de lurar tittarna att uppfatta olika storlekar. (Den hade en annan sammansättning varje gång.) Senare skulle han också postulera hur ett arrangemang av delar är en bokstavlig aspekt av sakens fysiska existens. Denna ökade attraktion till kompromisslösa material satte scenen för vad som senare skulle kallas post-minimalism.

Begravd kub som innehåller ett objekt av betydelse men litet värde förbi Sol LeWitt , 1968, via The No Show Museum, Zürich

Medan minimalismen blommade in i en annan fas, avslöjade dess lärjungar dess rötter. Sol LeWitt tog Morris modell vidare 1967 när han cirkulerade sin uppsats Paragrafer om konceptuell konst. Han ansågs av de flesta vara rörelsens officiella manifest och bekräftade att hur konstverket ser ut inte är alltför viktigt. Snarare, trodde LeWitt, oavsett vilken form den till slut kan ha, måste den börja med en idé, och härmed proklamera att det är den process av befruktning och förverkligande som konstnären är angelägen om. Dessa principer följde honom under hela hans betydelsefulla fyrtioåriga karriär, men han hävdade att han helt och hållet övergav minimalismen 1968. För att markera sitt farväl komponerade han sedan Begravd kub som innehåller ett objekt av betydelse men litet värde , bokstavligen begrava en kub i en lokal trädgård. Idag finns bara fotografier kvar från denna tillfälliga händelse, som förebådar bortgången av en svunnen epok. LeWitt döpte den till författarens ståndpunkts död.

En ny generation av post-minimalister

Spiralbrygga förbi Robert Smithson , 1970, via The Holt Smithson Foundation, Santa Fe

I början av 1970-talet utvecklades minimalismen till flera separata artister. Förfäder Judd och Morris inspirerade Process artist Richard Serra, vars platsspecifika skulptur Shift (1972) visar en post-minimalistisk nyfikenhet med att blanda utomhus- och inomhuskonventioner. Även om hans första intåg i vildmarken någonsin uppfann han inte hjulet helt. Landsmannen Robert Smithson sammanställde Spiralbrygga två år tidigare, en virvelliknande struktur gjord av sex tusen ton svarta stenar. Andra landartister, som Walter De Maria, hoppade på den här tåget också. Under tiden den begynnande Bruce Nauman hyllade Flavin genom att spela in i utomhusljusinstallationer med sin neon La Pitch (1972) . Inte alla kritiker gladde sig över denna kreativa modefluga. Historikern Michael Fried skrev en svidande analys för Konstforum under slutet av 1960-talet , anklagar minimalister för att driva ideologi snarare än konst. Medan han erkände dess betydelse, undvek Fried också Minimalismens inneboende teatralitet. En nödvändig beräkning dök upp vid horisonten.

En feministisk revolution inom konsten

Ensamma är vi maktlösa Tillsammans är vi starka av See Red Women's Workshop , 1976, via The Victoria and Albert Museum, London

Ett uppror uppstod snart under 1974. Marknadsföring av en utställning kl Leo Castelli Gallery , en naken Robert Morris puffade sitt bröst täckt av guldkedjor, fotograferade bära en hjälm från nazitiden. Demonstranter som tidigare deltagit i Civil Rights Movement tog rättmätigt övertygelse över detta fördomsfulla porträtt och krävde att bilden skulle återkallas. Noterbart var att många invändare var kvinnor som sedan svängde för att fokusera på den bredare frågan om jämställdhet mellan kön och ras. Det som sedan följde kan bara beskrivas som en fenomenal dominoeffekt, som upphävde varje hörn av den samtida industrin. Kvinnliga artister som anslöt sig till feminismens andra amerikanska våg gick ut på gatorna till piketgallerier eller museer anses främja orättvisa metoder. Snart grundade alla kvinnors mastheads tidningar som t.ex Villkor, och avhandlingar som Linda Nochlins Varför har det inte funnits några stora kvinnliga artister cirkulerade världen över. Feministiska reklamblad som förklarar tillsammans att vi är starka målade en framtid rik med mångfald.

Middagsfesten förbi Judy Chicago , 1974, via Brooklyn Museum

Snart manifesterades denna feministiska styrka inom konsten. Avantgarde kampanjade mot det mansdominerade post-minimalistiska fältet genom att sikta på att avsätta tronen kraft obalanser och brutalitet. Judy Chicago kapten denna jakt med The Dinner Party (1974) , en keramisk skulptur föreställande en ceremoniell bankett. Här vilar guldkalkar och porslinsmålat porslin bredvid bordstabletter som föreställer framstående kvinnor från historien och återställer den stereotypa inhemska sfären. (Chicago satte upp Feministisk Studio Workshop och Kvinnobyggnaden också.) Handgjorda, hantverksbaserade och symboliska kompositioner växte också från en önskan att undergräva status quo. Lynda Benglis experimenterade samtidigt med att hälla harts för att tillverka Eat Meat (1975) , medan Eva Hesse uppnådde en liknande utdelning genom latex, glasfiber och plast. Nancy Graves använde rester av djurskinn och ben i sin uppskattade serie Kameler (1968) och Out Of Fossils (1977), skulpturer så verklighetstrogna att de nästan är kusliga. Ökade ansträngningar att dekonstruera den minimalistiska monoliten tog fäste under de kommande decennierna.

Minimalism under senare år

Ofrälse förbi Donald Judd 1991, via MoMA, New York

Ändå föll jungfruminimalisterna inte helt av radarn. Judd arbetade fram till sin död 1994, vilket förstärkte sin användning av icke-konventionella verktyg till både aluminium och emalj. I Namnlös (1980) , han regenererade ett tidigare stackmotiv genom stål, aluminium och plexiglas, med omsorg om varje detalj. Sedan arrangerade Judd fem färgglada kolonner i sin emaljgolvskulptur Utan titel (1991), utplånande spår av en kompositorisk fokuspunkt. Walter De Maria installerad 2000 års skulptur ett år senare i Zürich och placerade två tusen polygonala gipsstänger över Kunsthaus. LeWitt vände sig sedan till klottrar ritningar som Väggteckning #1268 (2005), renderade direkt på en gallerivägg för att likna en skulptur. Även om Morris bytte figurativt arbete på 1970-talet, återvände han oundvikligen till skulptur med Brons Gate (2005), en båge av cor-ten stål som delar en trädgårdspaviljong i Italien. Han firade en sista show på Leo Castelli Gallery innan han gick bort 2018.

Minimalism i bildkonst idag

Väggteckning #1268 av Sol LeWitt , 2005, via The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Idag används minimalism oftast som ett vardagsord för att beteckna enkelhet. Avskalad till det väsentliga sträcker sig genrens efterverkningar från heminredning till bilar, filmskapande och till och med skrivande. Inom konstsfären framkallar dock minimalism onekligen minnen från en radikal tid i mänsklighetens historia, en framåt kamp för frihet som många fortfarande kämpar i dag. Hur oavsiktligt detta än kan ha varit, inledde det en mer demokratisk konstnärlig era, en där kvinnor, färgade personer och andra marginaliserade grupper faktiskt hade råd med en plats vid bordet. Minimalism bröt också ner barriärer mellan typiska medier samtidigt som den revolutionerade både konstnärens och tittarupplevelsen. Genom att göra så demonterade dess efterföljare effektivt efterkrigstidens Amerikas rådande konstnärliga hierarki, en gång beordrad av inflytelserik kritiker Clement Greenberg. Dessa konsekvenser kan aldrig vändas. Men för de överfallna minimalisterna som sökte ett första uppror under 1960-talet, kanske det är just detta som är meningen.