7 otroliga kvinnliga surrealistiska artister som inte är Frida Kahlo

And Then We Saw the Daughter of the Minotaur av Leonora Carrington, 1953 (vänster); med röntgen av min skalle av Meret Oppenheim, 1964 (mitten); och Scilla av Ithell Colquhoun, 1938 (höger)

Mer än en konströrelse, Surrealism var en attityd, en strävan efter frihet som omfattade alla aspekter av livet; precis som sina manliga kollegor var kvinnliga surrealistiska konstnärer också politiska aktivister, förespråkare för kvinnors rättigheter och revolutionära kämpar. De levde extraordinära liv som fria individer som uppfann sin egen skönhet och värdighet, uttryckte sin oförmedlade energi, sexualitet och humor. Som Meret Oppenheim sa, kvinnliga surrealistiska konstnärer levde och skapade styrda av en medveten önskan att vara fri.

Kvinnliga surrealistiska konstnärer och kvinnors frigörelse

Porträtt av Leonor Fini och Leonora Carrington i förklädnad av Denise Colomb , 1952, via AWARE, Paris

När den 21 augusti 1933, arton år ettViolette Nozière erkände sin fars förgiftning, den franska pressen exploderade i upprördhet envinna henne.

Enligt den allmänna opinionen var Violette inte en seriös tjej, som uppvisade tendenser som är typiska för nyligen emanciperade kvinnor: arbetande jobb, tjäna pengar och leva upplösa liv som inte är förenliga med sina kamrater från arbetarklassen. Det spelade ingen roll om anklagelserna om sexuella övergrepp mot hennes far var sannae när pressen hade bestämt sig för att göra ett exempel av henne.

Surrealisterna var en ensam röst av oliktänkande och visade sitt stöd med en kollektiv oeuvre som valde Violette som sin svarta ängel, musan som skulle inspirera deras ständiga kamp mot den borgerliga mentaliteten och dess myter om lag och ordning, logik och förnuft. Systemet som ledde till den postindustriella erans sociala orättvisa och till det första världskrigets fasa var, enligt surrealister, oåterkalleligt felaktigt. Inte bara en politisk revolution, utan en kulturell revolution behövdes för att besegra den.

Fyra kvinnor sover av Roland Penrose , 1937, via Google Books

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Således var kvinnors frigörelse grundläggande för nedmonteringen av kapitalismen och patriarkatet, och började med att utmana den borgerliga uppfattningen om kvinnor som i sig goda, osjälviska, undergivna, okunniga, fromma och lydiga.

Poesi. Frihet. Kärlek. Rotation. Surrealism var ingen bisarr eskapism utan utökad medvetenhet. Bristen på gränser och censur gav en säker plats att diskutera och bearbeta WWI:s kollektiva trauma samtidigt som det gav utlopp för kvinnors kreativa behov.

Medan de välkomnades och deltog aktivt i rörelsen, var surrealisternas förståelse av kvinnor fortfarande mycket rotad i stereotyper i idealiseringar. Kvinnor sågs antingen som musor, som inspirationsobjekt eller beundrades som infantiliserade figurer begåvade med livlig fantasi tack vare deras naivitet och hysteriska anlag.

Fotomontage för frontispice för Confused confessions av Claude Cahun och Marcel Moore , 1929-30, via National Gallery of Australia, Parkes

Det var genom arbetet av kvinnliga surrealistiska konstnärer som kvinnors identitet verkligen fick en chans att blomstra och bli tredimensionell, eftersom de tillägnade sig myten om musen för att uttrycka sin fulla potential som aktiva skapare.

Under längst tid hade kvinnliga artister mest blivit ihågkomna i termer av deras relationer, ofta sentimentala, till manliga artister. Först på senare tid har deras arbete analyserats oberoende och fått den uppmärksamhet det förtjänar. Här är sju bland de mest kända och studerade kvinnliga surrealisterna, i hopp om att många andra så småningom kommer att bli återupptäckt och slutligen inskriven i konstens officiella register.

Första generationens kvinnliga surrealistiska konstnärer

Valentin Hugo

Porträtt av Valentine Hugo , via AWARE, Paris (vänster); med Utsökt lik av Valentine Hugo, André Breton, Tristan Tzara och Greta Knutson , 1933, via MoMA, New York (höger)

Född 1887, Valentin Hugo var en akademiskt utbildad målare som gick på École des Beaux-Arts i Paris. När hon växte upp i ett upplyst och progressivt hushåll följde hon i sin fars fotspår när hon blev illustratör och skisser. Känd för sitt arbete med den ryska baletten byggde hon upp en varaktig professionell kontakt med Jean Cocteau . Genom Cocteau träffade Hugo sin blivande man, Jean Hugo, barnbarnsbarn till Victor Hugo, och André Breton , grundaren av Surrealistisk rörelse , 1917.

Surrealisterna av Valentine Hugo, fotograferad av Man Ray , 1935, via Centre Pompidou, Paris (vänster); med Utsökt lik av Valentine Hugo, André Breton, Nusch Eluard och Paul Eluard , 1930, via Tate, London (höger)

Genom denna vänskap blev hon mer och mer knuten till den nybildade konstnärsgruppen, som nu ingick Max Ernst , Paul Éluard, Pablo Picasso , och Salvador Dali . Under denna tid gick hon med i Bureau of Surrealist Research och ställde ut sina verk på Surrealist Salons 1933 och på utställningen Fantastic art, Dada, Surrealism at MoMA 1936.

Drabbad av surrealisten René Crevels självmord och av Tristan Tzaras och Eluards avgång, övergav hon den surrealistiska gruppen för gott. 1943 ingick hennes ord i Peggy Guggenheims Utställning av 31 kvinnor . Hennes första retrospektiva utställning hölls i Troyes, Frankrike, 1977, tio år efter hennes död.

Meret Oppenheim

Porträtt av Meret Oppenheim (vänster); med Objekt av Meret Oppenheim , 1926, via MoMA, New York (höger)

Dotter till en tysk judisk far och en schweizisk mor, Meret Oppenheim föddes i Berlin 1913 men flyttade till Schweiz vid första världskrigets utbrott.

Uppvuxen i ett kulturellt blomstrande hushåll hade både hennes mor och mormor varit suffragetter. Hennes mormor var en av de första kvinnorna som studerade måleri och Düsseldorf Academy. Hemma hos henne i Carona skulle Meret träffa många intellektuella och konstnärer, som t.ex Dadaist konstnärer Hugo Ball och Emmy Hennings, samt författaren Herman Hesse som kort gifte sig med sin faster.

Hennes far, en läkare, var en nära vän till Carl Jung och deltog ofta i hans föreläsningar: han introducerade Meret för analytisk psykologi och uppmuntrade henne att föra en drömdagbok från en tidig ålder.

Handskar av Meret Oppenheim , 1985, via National Museum of Women in the Arts, Washington D.C.

På grund av denna kunskap var Meret Oppenheim utan tvekan den enda surrealisten med auktoritet på psykoanalys . Märkligt nog var hon också en av få surrealister som favoriserade Jung framför Freud.

1932 flyttade hon till Paris för att fortsätta sin konstnärliga karriär och kom i kontakt med surrealismen genom den schweiziska skulptören Alberto Giacometti . Hon blev snart vän med resten av gruppen, som på den tiden inkluderade Man Ray , Jean Arp , Marcel Duchamp , Dalí, Ernst och René Magritte .

Sitter på ett parisiskt café med Picasso och Dora Maar 1936 noterade Picasso det säregna pälsfodrade armbandet, designat för Elsa Schiaparelli hus, på Oppenheims handled. I en explicit version av händelserna kommenterade Picasso hur många av de saker han njöt av kunde förbättras med lite päls, vilket Oppenheim svarade Även denna kopp och fat?

Paret av Meret Oppenheim , 1956, via AnOther Magazine, London (vänster); med Sjuksköterskan av Meret Oppenheim , 1936, via Moderna Museet, Stockholm (right)

Resultatet av detta lekfulla skämt var Oppenheims mest kända surrealistiska föremål, Lunch i päls också känd som Pälsfodrad kopp eller bara Objekt . Inkluderad i Bretons första utställning av surrealistiska föremål, köptes verket av Alfred Barr för det nyinrättade MoMA: betraktas som det typiska surrealistiska objektet, Pälsfodrad kopp blev det första verk av en kvinnlig konstnär i museets permanenta samling.

Medan hennes verk mottogs entusiastiskt av sina manliga kollegor, kämpade hon fortfarande för att etablera sig som konstnär i sina egna förtjänster och för att fly rollen som musa och inspirationsobjekt.

Hennes självständiga natur, hennes hämningslöshet och rebelliska attityd gjorde henne, för de manliga kollegornas ögon, till den fetischiserade förkroppsligandet av f. mor-barn .

Röntgen av min skalle av Meret Oppenheim , 1964, via SF MoMA

Denna avvisande attityd framgår av Ernsts kommentar till utställningen av Objekt : vem täcker en soppsked med lyxig päls? Lilla Méret. Vem har vuxit ur oss? Lilla Méret. Dessa identitetskamper, konsekvenserna av antisemitism på hennes fars praktik och den surrealistiska diasporan under andra världskriget, tvingade henne att flytta tillbaka till Schweiz. Här föll hon in i en djup depression och försvann från offentligheten i nästan tjugo år.

Aktiv under 1960- och 1970-talen tog hon så småningom avstånd från rörelsen och avvisade referenserna till surrealism sedan Bretons era. Hon var sympatisk för feminismen, men förrådde aldrig sin jungianska övertygelse om att det inte finns någon skillnad mellan män och kvinnor, och vägrade bestämt att delta i utställningar endast för kvinnor.

Hennes livslånga uppdrag verkar ha varit att stänga av könskonventioner och stereotyper genom att överträffa könsuppdelningar helt och hållet och återta den totala yttrandefriheten. Kvinnor är inte gudinnor, inte älvor eller sfinxer, sa hon, det är mäns projektioner. Att via sin livsstil bevisa att man inte längre betraktar de tabun som har använts för att hålla kvinnor i ett tillstånd av underkuvande i tusentals år som giltiga är kvinnliga konstnärers uppgift. Eftersom frihet inte ges påminner hon oss om att man måste ta den.

Valentin Penrose

Porträtt av Valentine Penrose av Man Ray, 1925 (vänster); med Ariane av Valentine Penrose , 1934, via The San Francisco Chronicle (höger)

En av de mest kritiska och vördnadslösa kvinnliga surrealistiska konstnärerna, Valentin Penrose ägnade större delen av sitt liv åt att avveckla den borgerliga uppfattningen om kvinnor som i sig goda, osjälviska, mandyrkande, undergivna, okunniga, fromma, hårt arbetande, lydiga hustru och döttrar.

En av de tidigaste kvinnorna som gick med i rörelsen, var Penrose fascinerad av exempel på oortodoxa kvinnor och levde själv ett okonventionellt liv.

Hon föddes 1978 som Valentine Boué och gifte sig med historiker och poet Roland Penrose 1925 antog hans namn. Tillsammans med sin man flyttade hon till Spanien 1936 för att ansluta sig till arbetarmilisen för att försvara revolutionen.

Kvinnors gåvor av Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Paris

Hennes intresse för mystik och österländska filosofier förde henne till Indien flera gånger, där hon studerade sanskrit och österländska filosofier. Hon var särskilt intresserad av tantrism , där hon identifierade ett värdefullt alternativ till den surrealistiska besattheten av genital sexualitet påverkad av Freuds psykoanalys.

Hon menade att den surrealistiska synen på kvinnor som en nödvändig andra hälft, till sist misslyckades med att frigöra kvinnor från sina borgerliga roller och hindrade dem från att hitta en självständig väg. Hennes växande intresse för ockultism och esoterism drog så småningom en kil mellan henne och hennes man, vilket ledde till skilsmässa 1935.

Året därpå reste hon till Indien med sin vän och älskare Alice Paalen . Medan två kvinnor aldrig sågs igen efter resan, blev lesbianism ett återkommande ämne i Penroses oeuvre, ofta centrerad kring Emilie och Rubia karaktärer.

Gåvor av kvinnor (4) av Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Paris

Hennes collageroman från 1951 Gåvor av det feminina anses vara den arketypiska surrealistiska boken. Boken berättar om de två älskandes äventyr som reser över fantastiska världar och är en fragmenterad samling tvåspråkig poesi och sida vid sida collage, organiserade utan kontinuitet och med en ökad komplexitetsnivå.

Hon utmanade alltid stereotypen om den ideala kvinnan och publicerade 1962 sitt mest kända verk, den romantiserade biografin om seriemördaren Elizabeth Bathory, den blodiga grevinnan. Romanen som berättar historien om ett lesbiskt gotiskt monster krävde ett års forskning i Frankrike, Storbritannien, Ungern och Österrike.

Efter att alltid ha varit stängd för sin före detta make tillbringade hon sina sista år på hans Farley Farm House, tillsammans med sin andra fru, den amerikanska fotografen Lee Miller , även känd som Lady Penrose.

Claude Cahun

Fotografier av Claude Cahun och Marcel Moore som avbildade i en stillbild från Barbara Hammer, Lover Other: The Story of Claude Cahun och Marcel Moore , 2006 via MoMA, New York

Claude Cahun föddes som Lucy Renee Mathilde Schwob i Nantes 1894. Även en dotter till en judisk far, en arbetarklassmedlem och en lesbisk, skapade Claude Cahun många olika personligheter för att undkomma diskriminering och fördomar, med början från att välja en pseudonym, ett kön. neutralt namn hon antog under större delen av sitt liv.

Cahun är ett emblematiskt exempel på en konstnär som förblev nästan okänd under sin tid, vunnit popularitet och erkännande de senaste åren , förblir en av de mest kända bland kvinnliga surrealistiska artister. Ofta ansett som en föregångare till postmodern feministisk konst, blev hennes könsböjande konst och den utökade definition av femininitet som hon lade fram ett grundläggande prejudikat i den postmodernistiska diskursen och andra vågsfeminismen.

Självporträtt från Jag är under träning don't kiss me-serien av Claude Cahun , 1927, via The Guardian

Cahun kom i kontakt med surrealisterna genom AEAR, Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires, där hon träffade Breton 1931. Under de följande åren ställde hon regelbundet ut med gruppen: hennes berömda foto av Sheila Legge som stod på Trafalgar Square dök upp i många tidskrifter och publikationer.

En medlem av både surrealismen och franska kommunistgrupper, som lesbisk, fick Cahun inte mycket solidaritet från någon av dem. Trots den revolutionära attityden ansåg kommunisterna att homosexualitet var en lyx som bara den upplösa eliten hade råd med. Breton, å andra sidan, accepterade det aldrig helt utom för de få lockande lesbiska bilderna avsedda för manlig underhållning.

Hon bodde tillsammans med sin styvsyster och livslånga partner Suzanne Malherbe, som också antog den manliga pseudonymen Marcel Moore. Löneskillnader gjorde det avsiktligt omöjligt för kvinnor att vara självförsörjande, så de var tvungna att lita på Cahuns fars ekonomiska stöd för att överleva.

Vad vill du ha från mig? av Claude Cahun , 1929, via The Metropolitan Museum of Art, New York

I brist på en extern publik skapades Cahuns konst mestadels inom hennes och Marcels hemliga sfär, vilket gav en ofiltrerad inblick i deras konstnärliga experiment. Genom att använda masker och speglar reflekterade Cahun över identitetens natur och dess mångfald, och skapade ett prejudikat för postmodernistiska konstnärer som t.ex. Cindy Sherman .

Med sina bilder avvisade och överträffade Cahun de modernistiska (och surrealistiska) myterna om den väsentliga kvinnligheten och den ideala kvinnan, och lade fram den postmoderna idén att kön och sexualitet i själva verket är konstruerade och utförda, och att verkligheten inte bara är känd genom erfarenhet men förmedlad och definierad genom diskurs.

Under den tyska invasionen arresterades Claude och Marcel för sina antifascistiska ansträngningar och dömdes till döden. Trots att de överlevde fram till befrielsens dag, återhämtade sig Claudes hälsa aldrig helt, och dog så småningom vid sextio års ålder 1954. Marcel överlevde henne till 1972 då hon begick självmord.

Toyen

Potatisteater av Toyen , 1941, via The Ekphrastic Review (till vänster); med Porträtt av Toyen , 1919, via Hamburger Kunsthalle (höger)

Född Marie Čermínová år 1902, Toyen var en del av den tjeckiska surrealismen och arbetade nära den surrealistiska poeten Henrik av Steiermark . Liksom Cahun antog Toyen också en könsneutral pseudonym, troligen inspirerad av de franska citoyen-medborgarna. En sexuellt tvetydig karaktär, Toyen ignorerade helt könskonventioner som bar både manliga och kvinnliga kläder och antog båda könens pronomen.

Även om han var skeptisk till fransk surrealism, delade Toyens konst många teman med Bretons rörelse, och på 1930-talet hade konstnären blivit en viktig medlem av surrealisten. Alltid transgressivt, Toyens intresse för mörk humor och erotik befäste konstnären inom den surrealistiska traditionen av hypersexualiserad, vördnadslös konst influerad av Marquis de Sades skrifter .

1909, Apollinaire hade hittat ett av De Sades sällsynta manuskript på Biblioteque National i Paris. Djupt imponerad beskrev han honom som den friaste ande som någonsin levt i hans uppsats Markis de Sades verk , vilket bidrar till att De Sades popularitet återuppstår bland surrealistiska artister.

Paravent av Toyen , 1966, via Schirn Magazine, Frankfurt

De Sade, från vars namn sadism och sadist härleda, tillbringade större delen av sitt liv antingen fängslad eller intagen på mentalsjukhus på grund av hans författarskap, som kombinerade filosofisk diskurs med pornografi, hädelse och sexuella fantasier om våld. Kraftigt censurerade har hans böcker ändå påverkat europeiska intellektuella kretsar under de senaste tre århundradena .

Liksom bohemerna före dem fascinerades surrealisterna av hans berättelser, identifierade sig med De Sades revolutionära och provocerande persona och beundrade hans kontroversiella attacker mot borgerlig smakfullhet och klädsel.

Genom att blanda våld och sexuella impulser blev den sadistiska attityden ett sätt att befria de medfödda drifterna som lurar i det omedvetna: Sade är surrealistisk i sadismen meddelade att Först Surrealismens manifest . Toyen hyllade den libertinska författaren genom att producera en serie erotiska illustrationer till Štyrskýs tjeckiska översättning av Justine.

Shooting Gallery av Toyen , 1939-40, via Sotheby's

Aldrig frånvarande blev den politiska aspekten av Toyens konst ändå mer tydlig när den politiska situationen i Europa försämrades: Shooting Gallery Serien visar krigets destruktiva karaktär genom ikonografin av barnspel. Efter att ha bosatt sig i Paris 1948 efter den kommunistiska statskupp i Tjeckoslovakien förblev Toyen aktiv fram till döden 1980 och fortsatte att arbeta tillsammans med poeten och anarkisten Benjamin Péret och den tjeckiske målaren Jindrich Heisler .

Andra generationens kvinnliga surrealistiska konstnärer

Ithell Colquhoun

Porträtt av Ithell Colquhoun, 1949 (vänster); med Gorgon av Ithell Colquhoun , 1946, via Arusha Gallery, Edinburgh (höger

Separerade under andra världskriget, tenderade andra generationens surrealister att glida bort från kärnrörelsen och utveckla sina egna forskningsområden.

Kvinnliga konstnärer tillägnade sig den surrealistiska idén om den mytiska kvinnan och omformade den till den kraftfulla bilden av trollkvinnan, en mäktig varelse som kontrollerar sina transformativa och generativa krafter. De kvinna-barn som inspirerade den första generationen kvinnliga surrealistiska konstnärer hade nu vuxit till häxa kvinna, mästaren över sin egen skaparkraft.

Medan manliga konstnärer verkade kräva en extern mellanhand, ofta den kvinnliga kroppen, som en proxy för sitt undermedvetna, hade kvinnliga konstnärer inte sådana barriärer, utan använde sin egen kropp som grund för sitt sökande. De själv annanhet , det alter ego genom vilket kvinnliga konstnärer utforskade sitt inre var inte det motsatta könet, utan snarare naturen själv, ofta representerad genom bestar och fantastiska varelser.

Som Hille uttryckte det såg surrealister med ett öga utåt och ett inåt. Men Carrington [och Varo] hade båda ögonen öppna och tittade på både det verkliga och det magiska i verkligheten.

Den sjunkna katedralen av Ithell Colquhoun , 1952, via Christie's (vänster); med bittra klyftor av Ithell Colquhoun , 1939, i Hunterian Art Gallery, University of Glasgow, via Art UK (höger)

För deras generation, som genomlevde två världskrig, ekonomisk depression och en misslyckad revolution, var magi och primitivism befriande. För konstnärer var magi ett medel för förändring, att förena och upphäva konstens och vetenskapens stora mängder, ett välbehövligt alternativ till religion och positivism som hade lett till krigets grymheter. För kvinnor, slutligen ockult blev ett sätt att undergräva patriarkala ideologier och stärka det kvinnliga jaget.

Född i Shillong, Brittiska Indien, 1906, Ithel Colquhoun blev intresserad av ockultism vid sjutton års ålder efter att ha läst Crowleys Abbey of Thelema . Utbildad vid Slade School of Art flyttade hon till Paris 1931. Men det var i Storbritannien som hennes karriär faktiskt tog fart: hon hade ett antal separatutställningar och i slutet av 1930-talet hade hon blivit en av de framstående figurerna av brittisk surrealism. Hennes anknytning till rörelsen var ändå kortvarig, och efter bara ett år blev hon tvungen att välja mellan surrealism och ockultism.

Dans av de nio opalerna av Ithell Colquhoun , 1941, via Ithell Colquhouns webbplats (vänster); med Scylla av Ithell Colquhoun , 1938, via Tate, London (höger

Medan hon fortsatte att definiera sig själv som en surrealistisk konstnär, gjorde det att hon kunde utveckla en mer personlig estetik och poetisk genom att bryta formella band med rörelsen. På surrealistiskt sätt använde hon många surrealistiska tekniker som frottage, decalcomania, collage, samtidigt som hon utvecklade sina egna inspirationsspel som t.ex. stänk och entoptisk grafomani .

Kanalisera den mörka makten hos artister som t.ex Artemisia Gentileschi Colquhoun erkände hos kvinnor en potential för skapelse, frälsning och uppståndelse som kopplade dem till naturen och kosmon.

Hennes arbete, som drar paralleller mellan bevarandet av naturen och kvinnors frigörelse, etablerade ett kraftfullt prejudikat för den senare utvecklingen av ekofeminismen.

Sökandet efter den förlorade gudinnan representerade kvinnors återkoppling till naturen och återupptäckten av sin egen styrka, resan som ledde till återvinningen av kunskap och makt.

Leonora Carrington

Porträtt av Leonora Carrington , via Gallery Wendi Norris, San Francisco (vänster); med Självporträtt av Leonora Carrington , 1937-38, via The Metropolitan Museum of Art, New York (höger)

En av de mest långvariga och produktiva kvinnliga surrealistiska konstnärerna, Leonora Carrington var en brittisk konstnär som flydde till Mexiko under den surrealistiska diasporan.

Född 1917, Leonora Carrington var dotter till en brittisk rik textiltillverkare och en irländsk mor. Hennes rebelliska attityd fick henne att uteslutas från minst två skolor. Över tjugo år yngre än de flesta surrealister kom Carrington i kontakt med rörelsen nästan enbart genom utställningar och publikationer.

Det var 1937 som hon träffade Max Ernst på en fest i London. De två band omedelbart och flyttade tillsammans till södra Frankrike, där han omedelbart separerade från sin fru. Ett av hennes mest kända verk, Självporträtt (Inn of the Dawn Horse) målades under denna tid.

Grönt te av Leonora Carrington , 1942, via MoMA, New York

Med andra världskrigets utbrott internerades Ernst som en oönskad utlänning men släpptes tack vare Eluards förbön. Han greps igen av Gestapo och undkom bara med nöd och näppe interneringslägret, vilket fick honom att söka asyl i staterna, dit han emigrerade med hjälp av Peggy Guggenheim och Varian Fry.

Carrington visste ingenting om Ernsts öde och sålde deras hus och flydde till det neutrala Spanien. Förkrossad drabbades hon av ett mentalt sammanbrott på den brittiska ambassaden i Madrid. Inlagd på sjukhus behandlades Carrington med konvulsiv terapi och tunga mediciner som fick henne att hallucinera in och ut ur medvetandet. Väl släppt flydde Carrington till Lissabon och säkrade passage till Mexiko genom att fördärva mexikaner Ambassadör Renato Deluc. Där bodde hon resten av sitt liv fram till hennes död 2011.

Och sedan såg vi Minotaurens dotter av Leonora Carrington , 1953, via MoMA, New York

På samma sätt som Colquhoun informerades Carringtons strävan efter upptäckten av kvinnocentrerad andlighet av Groves essä Den vita gudinnan utgiven 1948, vilket väckte ett förnyat intresse för hedniska mytologier.

En populär myt för kvinnliga surrealistiska konstnärer var den om mänsklighetens matriarkala ursprung: trots sin historiska noggrannhet gav myten en bemyndigande bild till kvinnor och återerövrade den kvinnliga skapelsemyten som en livskraftig modell för kvinnlig kreativitet. Inspirerad av denna nya mytologi, Andra vågens surrealistiska kvinnor föreställde sig fantastiska jämlika samhällen där människor och natur levde i harmoni: en framtidsvision skapad genom kvinnors agentur.