Konst och mode: 9 berömda klänningar i målning som avancerad damstil

Porträtt av Madame X av John Singer Sargent, 1883-84 (vänster); med Musikern av Tamara de Lempicka, 1929 (mitten); och Symfoni i vitt nr 1: The White Girl av James McNeill Whistler, 1862 (höger)

För dessa kvinnor blev allt från deras rikedom, karaktär och politiska/samhälleliga ställningstaganden indikativa för vilka de var baserade på dessa målningar. Oavsett om de visste det eller inte påverkade de modetrender, upprörda kritiker och använde mode för att presentera sig för omvärlden. Nedan är nio målningar med kända klänningar som sträcker sig från Renässans ända till modern tid .

Renässansmålningar Med Berömda Klänningar

De Renässans var en tid av kulturell och konstnärlig förnyelse, som Klassicismen gjorde en revolutionär comeback i europeiska samhällen . Men denna period såg också betydande förändringar i mode; ta en titt på hur kända klänningar i målningar påverkade modet under renässansen.

Arnolfini-porträttet (1434) by Jan Van Eyck

Arnolfini-porträttet by Jan Van Eyck , 1434, via The National Gallery, London

Jan van Eyck s Arnolfini Bröllopsporträtt är en stapelvara i studiet av tyg i porträtt. Van Eycks teknik lämnar ingenting åt fantasin eftersom hans inställning till att måla tyg skapar en realistisk och tredimensionell upplevelse. Den juveltonade smaragdgröna på hennes ylleplagg och hermelinfodrade ärmar visar upp familjernas status, eftersom bara rika kunder hade råd med tygerna på bilden ovan.

Ull, siden, sammet och päls var sällsynta och dyrare att tillverka, jämfört med bomull eller linne, och var en statussymbol för hur mycket man hade råd att köpa. Det visar också hennes mans rikedom eftersom det visar att han hade råd att köpa många meter tyg för att skapa hennes klänning. En av de mest omdiskuterade frågorna kring målningen är om kvinnan på bilden (förmodligen Arnolfinis fru) är gravid eller inte. Renässanskjolar var så fylliga och tunga att kvinnor lyfte upp sina kjolar så att det skulle vara lättare att röra sig.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

The Very Rich Hours of the Duke of Berry April av Bröderna Limbourg , 1412-16, i Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (vänster); med The Very Rich Hours of the Duke of Berry The Garden of Eden vid Bröderna Limbourg , 1411-16, i Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (höger)

De extra vällustiga vecken av hennes klänning avslöjar också en trend när det gäller att avbilda kvinnor med kurvigare midsektioner eftersom det visade hoppet om att få barn under äktenskapet. Ett annat exempel på detta är bröderna Limbourg The Very Rich Hours of the Duke of Berry. På båda bilderna är honor avbildade med rundare magar. Bilden till vänster föreställer ett bröllop och det är jämförbart med Arnolfini-porträttet eftersom båda kvinnorna projicerar bilden av moderskapet i väntan på graviditet. Utan att titta på målningen med en modern lins kan man se detta som en uppteckning över vad kvinnor bar och vad som var viktigt för människor att avslöja för andra.

Barock Och Rokokomålningar

De Barock och rokoko perioder kan kännetecknas av genomarbetad dekoration, dekadens och lekfullhet. Dessa trender sågs inte bara inom konsten utan också inom modet genom invecklade ornament och påkostade klänningar. Ta en titt på några av de berömda klänningarna inspirerade av konstverk.

Elizabeth Clarke Freake (Mrs John Freake) och Baby Mary (1674)

Elizabeth Clarke Freake (Mrs John Freake) och Baby Mary av en okänd konstnär , 1674, Worcesters konstmuseum

Den här okända konstnärens uppmärksamhet på detaljer och fokus på kläder är det som gör denna målning till en viktig uppteckning av livet för New England puritaner . På den här bilden är Elizabeth utsmyckad i fina tyger och accessoarer från 1600-talets Amerika. Hennes vita spetskrage är ett tecken på den populära europeiska spetsen som finns bland aristokratiska kvinnor. Toppen från hennes klänning är en gyllene broderad sammetsunderkjol, och hennes ärmar är dekorerade med band. Hon är prydd med smycken från pärlhalsbandet, guldringen och granatarmbandet. Denna målning erbjuder en unik inblick i det puritanska livet för Elizabeth och hennes familj.

Konstnären kan blanda bilder av sin rikedom i en blygsam miljö. Målningen visar tydligt Elizabeths rikedom när hon väljer att bära sina bästa plagg och smycken. Det återspeglar också hennes mans, John Freakes rikedom, att ha råd med dessa lyx och att beställa detta porträtt såväl som ett av hans egna. Målningen skulle också betyda deras puritanska attityd av tacksamhet gentemot Gud, eftersom de utan hans välsignelse inte skulle kunna ha dessa lyx.

Gungan (1767) av Jean-Honore Fragonard

Gungan av Jean-Honore Fragonard , 1767, via The Wallace Collection, London

Jean-Honore Fragonard s Gungan är ett exempel på rokokostilen i franska aristokratiska kretsar. Målningen var ett privat uppdrag där en fransk hovman bad Fragonard att skapa denna målning av sig själv och sin älskarinna. Medan målningen placerades bakom stängda dörrar avslöjar den det franska kungliga hovets lyx, lättsinnighet och hemliga natur.

Den pastellrosa klänningen sticker ut i den lummiga trädgården och är det centrala fokuset i pjäsen. Fragonard målar klänningen med lösa penseldrag som efterliknar hennes klännings svepande kjolar och rufsiga liv. Hans lösa penseldrag sammanfaller med hans ämne i denna idylliska trädgårdsscen som är fylld av kokett och nyckfull bildspråk. Med alla förträngningar av korsetter, livliga rörelser och höljen av kvinnliga plagg, var det enda stället som inte hade några den nedre fållen på en damkjol. Fragonard använde detta till sin fördel när han porträtterade kvinnan svängande upp på precis den perfekta platsen så att hennes älskare kan slå upp hennes kjol. Den privata kommissionen tillät Fragonard att experimentera med sitt ämne och tillät tittarna att avslöja hur livet skulle ha sett ut för de rikaste människorna vid hovet.

Fransk klänning, en klänning från 1700-talets Frankrike , 1770, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Hans målning visar också upp trender som sätts i franskt hov för mode. Rokoko översteg mode, konst och arkitektur för att skapa något som är unikt franskt. Rokokmode inkluderade de lyxigaste tygerna, inklusive pastellfärgat siden, sammet, spets och blommönster. Det inkluderade också en överdriven mängd rosetter, juveler, volanger och dekorativa utsmyckningar för att skapa looks som vänder huvudena vid domstolen. Stil definierade skillnaden mellan fattiga och rika eftersom aristokratin hade råd med lyxen av fina tyger och utsmyckning. För kvinnorna som bär sådana rokokofinesser är målningen symbolen för det franska kungliga hovet före revolutionen.

Berömda klänningar i 1800-talsmålningar

1800-talet såg ett konstnärligt skifte från Nyklassism in i den tidiga modernismen och ge vika för stilar och tankeskolor. Detta århundrade såg också förändringar i mode; läs vidare för att se hur målningar påverkade introduktionen av kända klänningar och stilar som var särskilt modernare än tidigare.

Symfoni i vitt nr 1: The White Girl (1862) av James McNeill Whistler

Symfoni i vitt nr 1: The White Girl av James McNeill Whistler , 1862, via The National Gallery of Art, Washington D.C.

Konst för konstens skull blev kopplat till Symfoni i vitt nr 1: The White Girl som James McNeill Whistler menade att målningen skulle ha en andlig betydelse. Kritiker såg det dock inte så här eftersom kvinnan som porträtteras är Joanna Hiffernan (hans dåvarande älskarinna). Ännu viktigare, det var plagget som Whistler valde att måla Hiffernan i som förseglade affären och fick den här klänningen att sticka ut bland hans andra målningar.

Detta porträtt var skandalöst på den tiden på grund av Whistlers skildring av kvinnornas rena vita klänning. Under 1800-talet inkluderade en kvinnas klädsel ofta en krinolin bur underkjol av stål för att hålla kjolarna flytande. Kvinnor bar även korsetter bland många andra underkläder för att kunna skapa bredare kjolar.

Kvinnan i vitt är raka motsatsen till den standarden för respektabel klädsel på den tiden. Hennes teklänning är ett plagg som bara hennes man (eller älskare) skulle tillåtas se eftersom det lätt kan tas av. Det var en dagklänning som bars privat och skulle inte bli mer populär förrän i början av 1900-talet för vardagsbruk.

För Whistler var hans musa tänkt att vara en del av en övergripande scen som var tilltalande för ögat. Han porträtterade Hiffernan som han såg henne och för åskådarna då målningen var både förvirrande och lite oanständig.

Porträtt av fröken Lloyd (1876) och Juli: Exemplar av ett porträtt (1878) av James Tissot

Porträtt av fröken Lloyd av James Tissot , 1876, via The Tate, London (vänster); med Juli: Exemplar av ett porträtt av James Tissot , 1878, via Cleveland Museum of Art (höger)

James Tissot skapade många målningar som föreställer kvinnomode under slutet av 1800-talet. Han var före det europeiska modet och är välkänd för att måla sina ämnen med de senaste modetrenderna. Dammodet började ta en vändning bland de unga damerna i Paris och London under slutet av 1800-talet. De vida och tunga kjolarna från deras viktorianska föregångare ersattes med smalare kjolar och fullt liv i ryggen. Det som gör att just denna klänning sticker ut är Tissots ständiga användning av den i sina målningar. Tissot använder det i en annan av sina målningar Galleriet i HMS Calcutta (Portsmouth) och i alla tre använder han det i helt olika sammanhang.

Miss Lloyd till vänster bär klänningen som den skulle vara utsliten i samhället. Den här klänningen skulle ha varit på modet då den snäva midjan och timglasfiguren accentueras av hennes klänning. De raka linjerna i hennes klänning visar också styvheten i hennes pose till skillnad från porträttet till höger.

Till höger är ett porträtt av Kathleen Newton (hans dåvarande följeslagare) sett i en intim miljö under sommarmånaderna. Jämfört med det första porträttet utstrålar allt med hur han har framställt klänningen slarv och förföriskhet. Newton ses slappa på en soffa och hennes klänning verkar rufsig och olöst. Hennes kjolar flyter fritt i soffan och olika rosetter och spännen är lossade.

Båda kvinnorna har sin egen distinkta charm och mystik kring dem. Klänningen i sig betecknar skillnaderna i populärkultur under sin tid. Den ena är traditionell och konventionell medan den andra är uppenbart intim men ändå skandal för tittarna under 1800-talet.

Porträtt av Madame X (1883) av John Singer Sargent

Porträtt av Madame X av John Singer Sargent , 1883-84, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Den som står framför Madame X blir häpen över växtligheten och utstrålningen i hennes porträtt. John Singer Sargent skapat en bild av en kvinna som, även om det var oacceptabelt för hans tid, har blivit en av hans mest igenkännliga och vördade målningar. Det är ett porträtt av Madame Pierre Gautreau, en amerikansk skönhet blandad i det franska högsamhället. Det skapade en sådan skandal att John Singer Sargent själv var tvungen att lämna Paris för London.

Även om klänningar som liknar hennes skulle ha burits som kostymer eller till fester, var de inte utslitna i det vardagliga samhället. Det finns vissa detaljer som gör den här klänningen så skandalös. Hennes korsett är extremt spetsig mot nedre delen av buken. Den skarpa v-ringningen och pärlbanden täcker knappt hennes axlar och avslöjar vad som ansågs vara intima delar av en kvinna, därför olämpligt att visa upp offentligt.

Aftonklänning designad av Hoschedé Rebours , 1885, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Efter att Sargent skickat in målningen till Parissalongen 1884 väckte den upprördhet bland kritiker och tittare. Det väckte kontrovers för en gift kvinna i hennes klass att synas offentligt på ett så provocerande sätt. För tittarna på salongen såg det ut som om hon bar underkläder snarare än en riktig klänning. Målningen var skadlig för Mme. Gautreaus rykte som människor såg hennes porträtt som en återspegling av en kunnig personlighet.

Det var ursprungligen inte tänkt att vara en bokstavlig översättning av Mme. Gautreaus karaktär. Sargent själv valde klänningen och hennes hållning, och rekvisita liknar antika romerska statyer anspelar på Diana, jaktens och månens gudinna . Denna skapelse skulle skada bådas rykte. Sargent tog så småningom bort hennes namn från porträttet och döpte om det Madame X .

Kända klänningar i 1900-talsmålningar

Konst på 1900-talet fokuserat på abstraktion och uttryck, genomgår betydande förändringar med nya stilar och teman. Detta ledde också till att utforska nya former och synteser av mode och konst . Här finns kända klänningar som ses i målningar under det innovativa århundradet.

Porträtt av Adele Bloch-Bauer I (1907) av Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I av Gustav Klimt , 1907, via New Gallery, New York

Den gyllene klänningen av Adele Bloch-Bauer visar Gustav Klimt s skildring av en kvinna ohämmad av omvärlden. Jämfört med andra porträtt av högsamhällets damer i sin tid, sticker detta porträtt ut bland resten. Istället för att måla en överklasskvinna som slappar i trädgårdar eller läser i soffor, förvandlar Klimt Adele till en utomjordisk figur. Hennes klänning är en virvlande figur fylld med trianglar, ögon, rektanglar och ikonografi. Det finns inga tecken på raksnörade korsetter eller lager på lager av kläder. Istället exemplifieras hon som ohämmad när hon svävar i sin värld av guld. Art Nouveau innehåller teman om natur och mytiska bildspråk. Det relaterar också till det bohemiska mode som Klimt själv bar och använde i olika andra målningar.

Emilie Flöge och Gustav Klimt i Villa Oleanders trädgård i Kammer vid sjön Attersee , 1908, via Leopoldmuseet, Wien

Klimt målade ofta mönster skapade av modedesignern Emilie Flöge . Hon är inte lika känd som sin samtid eller föregångare i modevärlden, men hon tog rungande steg för att skapa mode för sin tids kvinnor. Ibland var det ett samarbete eftersom Klimt använde sina berömda klänningar i många av sina andra målningar också. Flöges klänningar har lösa silhuetter och vida ärmar, som inte inkluderade korsetter eller andra restriktiva underkläder. Verken av både Klimt och Flöge utvecklade en bohemisk livsstil med suddiga gränser mellan det traditionella och okonventionella, som man ser i porträttet av Adele Bloch-Bauer.

Musikern (1929) Av Tamara Lempicka

Musikern av Tamara de Lempicka , 1929, via Christie's

Tamara Lempicka skapade porträtt som utforskade kvinnlighet och självständighet under 1920-talet. Art déco-målaren blev känd för sina porträtt av kändisar som utforskade en stiliserad och polerad form av Kubism som blev hennes varumärke. Ira Perrot (en nära vän och älskare av Lempicka) ses som en bokstavlig manifestation av musik i Musikern . Det som gör att tavlan sticker ut är hennes återgivning av den blå klänningen. Lempickas teknik att kasta skarpa skuggor med sin mättade färgpalett ger rörelse åt klänningen så att det ser ut som att hon svävar i luften. Klänningens korta fåll och fallande veck påminner fortfarande om 1920-tals mode , vilket var en vändpunkt inom dammodet. Kvinnor bar kända klänningar som visade upp sina ben och armar samtidigt som de bar veckade kjolar som gjorde det lättare att dansa i.

Lempicka inspirerades av och studerade mästerrenässanskonstnärers verk och använde liknande teman med ett modernt förhållningssätt. Traditionellt kan färgen blå ses på Jungfru Marias klänningar i medeltida eller renässansmålningar. Ultramarinblått var sällsynt och användes sparsamt för betydande målningar. Här är Lempicka orädd för att använda färgen som den dominerande brännpunkten i porträttet. Det är den här blå färgen, tillsammans med hennes exceptionellt starka användning av slät färg, som förstärker ljusstyrkan och elegansen i hennes flödande klänning.

De två Fridas (1939) av Frida Kahlo

De två Fridas av Frida Kahlo , 1939, i Museum of Modern Art, Mexico City, via Google Arts and Culture

De färgglada och handvävda textilierna i Mexiko är sammanflätade med arvet från Frida Kahlo . Hon omfamnade dessa plagg som en del av sitt arv och ses bära dem i flera självporträtt och fotografier. De berömda klänningarna som visas i Frida Kahlos De två Fridas symboliserar hennes kopplingar till båda sidor av hennes europeiska och mexikanska arv.

Frida till vänster speglar hennes uppväxt i en övermedelklassfamilj. Hennes far kom ursprungligen från Tyskland och hennes barndomsliv innehöll västerländska seder. Den vita spetsen på hennes klänning är en symbol för stilen som är populär inom europeiskt mode. Denna westerniserade version står i kontrast till högern Fridas önskan att omfamna sitt mexikanska arv genom att bära en traditionell Tehuana-klänning. Denna klädsel är något som uppmuntrades av hennes man Diego Rivera , särskilt i deras kamp för förändring i sitt land. Det visade upp hennes stolthet över att bära inhemska och traditionella kläder från Mexiko.

Kahlos kläder är en viktig aspekt av hennes liv och arbete. Efter att ha drabbats av polio som barn var hennes ena ben kortare än det andra. Hennes färgglada kjolar blev ett sätt för henne att dölja sitt ben på ett sätt som skyddade henne från granskning. Hennes garderob innehöll Tehuana-klänningar, huipilblusar, rebozos, blommiga huvudstycken och antika smycken. Dessa plagg är viktiga att notera när man tittar på verk av Kahlo, eftersom de är en illustration av hennes kärlek, smärta och lidande som hon införlivar i sitt arbete.