9 Times the History of Art Inspirerade modedesigners

Linda Evangelista i en 'Warhol Marilyn'-klänning av Gianni Versace, 1991; med The Mondrian klänning av Yves Saint Laurent, höst/vinter 1965 kollektion; och en klänning från resortkollektionen av Alexander McQueen, 2013

Genom historien gick mode och konst hand i hand och skapade en fantastisk blandning. Många modedesigners har lånat idéer från konströrelser till sina samlingar, vilket gör att vi kan tolka mode som en form av konst. Främst tjänar konsten oss för att uttrycka idéer och visioner. Som en utsökt ode till konstens historia, nedan är nio bärbara konstverk skapade av visionära modedesigners från1900-talet.

Madeleine Vionnet: En modedesigner som kanaliserade antikens historia

Den bevingade segern från Samothrace , 2:a århundradet f.Kr., via Louvren, Paris

Född i norra centrala Frankrike 1876, Madame Vionnet var känd som sömmerskornas arkitekt.Under sin vistelse i Rom fascinerades hon av de grekiska och romerska civilisationernas konst och kultur och inspirerades av antika gudinnor och statyer.Utifrån dessa konstverk formade hon sin stilestetik och kombinerade element av grekisk skulptur och arkitektur för att ge kvinnokroppen en ny dimension. Med sin mästare skicklighet av drapering och partisk skärning klänningar , revolutionerade hon det moderna modet. Vionnet vände sig ofta till konstverk som den bevingade segern av Samothrace för hennes kreativa samlingar.

Likheten mellan mästerverket avHellenistiskkonst och Vionnets musa är slående.Tygets djupa drapering i stil med den grekiska chitonen skapar vertikala band av ljus som flödar ner i figuren.Skulpturen skapades som en hyllning till Nike, den grekiska gudinnan av seger, och är beundrad för sin realistiska skildring av rörelse. Det böljande draperiet i Vionnets design liknar rörelsen hos det böljande tyget som klamrar sig fast vid Nikes kropp.Klänningar kan vara som levande varelser med en själ, precis som kroppen. Som Winged Victory of Samothrace , Vionnet skapade klänningar som väcker människor. Klassicismen, både som estetisk och designfilosofi, gav Vionnet förmågan att förmedla sin vision i geometrisk harmoni.

Basrelief frissklänning från Madeleine Vionnet , fotograferad av George Hoyningen-Huene för franska Vogue, 1931, via Condé Nast

Vionnet var också fascinerad av moderna konströrelser, som t.ex Kubism . Hon började införliva geometriska former i hennes skapelser och utvecklade en annan metod för att skära dem, kallad bias cutting. Naturligtvis påstod Vionnet aldrig att hon uppfann bias cut, utan bara utökat sin användning . När kvinnor gjorde stora framsteg i kampen för sina rättigheter i början av 1900-talet, försvarade Vionnet sin frihet genom att avskaffa den långvariga viktorianska korsetten från kvinnors dagliga kläder. Därför blev hon en symbol för kvinnor befrielse från bustiers förträngning , ochistället lanserade nya, lättare tyger som varflyter på kvinnliga kroppar.

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Valentino och Hieronymus Bosch

The Garden of Earthly Delights av Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, via Pradomuseet, Madrid

Pierpaolo Piccioli är Valentinos huvuddesigner. De religiösa konstverken från medeltidentilltalar honom mycket.Inspirationens utgångspunkt för honom är övergångsögonblicket från medeltiden till den nordliga renässansen. Han samarbetade med Zandra Rhodes och tillsammans designade de en inspirerande kollektion våren 2017. Piccioli ville koppla ihop det sena 70-talets punkkultur med humanism och medeltida konst, så han gick tillbaka till hans rötter och renässansen, hitta inspiration i Hieronymus Bosch målning The Garden of Earthly Delights .

Den berömda holländska målaren var en av de mest anmärkningsvärda företrädare för den norra renässansen under 1500-talet. I the Garden of Earthly Delights som Bosch målade före reformationen, ville konstnären avbilda himlen och mänsklighetens skapelse, den första frestelsen med Adam och Eva, och helvetet i förväg om syndarna. I den centrala panelen verkar människor tillfredsställa sin aptit i en njutningssökande värld. Boschs ikonografi sticker ut för sin originalitet och sensualitet. Hela målningen tolkas som en allegori för synd.

Modeller på landningsbanan på Valentino Spring Summer 2017 modevisning under Paris Fashion Week , 2016, Paris, via Getty Images

I den mode värld , blev målningen populär då olika modedesigners charmades av dess motiv. Blanda epoker och estetik, Piccioli omtolkade Boschs symboler genom flytande skira klänningar, medan Rhodes skapade de romantiska trycken och broderade mönstren, med en subtil nick till originalkonstverket. Färger var definitivt en del av budskapet som modedesigners ville leverera. Således är samlingen av flytande drömska klänningar baserad på den nordliga färgpaletten av äppelgrönt, ljusrosa och robin äggblått.

Dolce & Gabbana och Peter Paul Rubens barock

Venus framför spegeln av Peter Paul Rubens , 1615, via Liechtensteins furstesamlingar, Wien; med Dolce & Gabbanas modekollektion för höst/vinter 2020 fotograferad av Nima Benati , via Nima Benatis webbplats

Peter Paul Rubens målade kvinnor mästerligt, ' med kärlek, stipendium och flit .’ Han presenterade sitt Venus framför spegeln som den ultimata symbolen för skönhet. Rubens avbildade exceptionellt hennes ljusa hy och ljusa hår som står i kontrast till den mörkhyade tjänstekvinnan. De spegeln är den ultimata symbolen för skönhet , som ramar in kvinnan som ett porträtt, samtidigt som den subtilt framhäver figurens nakenhet. Spegeln som Amor håller upp för gudinnan avslöjar spegelbilden av Venus, som en representation av sexuell lust. Rubens, som var en av grundarna av Barockkonst , och hans koncept där färger är viktigare än linjer, påverkade flera modedesigners inklusive Dolce & Gabbana. De Barockstil avvek från andan i Renässans , övergav lugnet och jämnheten, och eftersträvade istället elegans, spänning och rörelse.

Peace Embracing Plenty av Peter Paul Rubens , 1634, via Yale Center for British Art, New Haven; med Dolce & Gabbana modekollektion för höst/vinter 2020, fotograferad av Nima Benati , via Nima Benatis webbplats

ModeskaparnaDomenico Dolce och Stefano Gabbana ville skapa en kampanj som kommer att prisa den sensuella men också den romantiska sidan av kvinnlig skönhet. Peter Paul Rubens var den lämpligaste inspirationskällan. Den ikoniska duons skapelser kom att vara i stor harmoni med den flamländska målarens konst. I den här kollektionen poserade modellerna med stor adel, som såg ut som om de precis hoppat ur en av Rubens målningar. Landskapet utformades för att påminna om barockspeglarna och broderidetaljerna. Figurernas grace och pastellfärgspaletten framhävde perfekt den brokadrosa klänningen. Modedesignernas val att inkludera olika modeller främjade den epokens kroppstyp ännu mer. De kurviga linjerna som Dolce och Gabbana använde gick emot diskrimineringen av olika kroppstyper i modebranschen.

Porträtt av Anne av Österrike av Peter Paul Rubens , 1621-25, via Rijksmuseum, Amsterdam; med Modell Lucette van Beek på Dolce & Gabbana landningsbana, hösten 2012 , fotograferad av Vittorio Zunino Celotto, via Getty Images

Dolce och Gabbanas höstkollektion för kvinnor 2012 visar många kännetecken för italiensk barockarkitektur. Denna samling sammanfaller perfekt med de mycket utsmyckade egenskaperna hos Siciliansk barockstil . Modedesignerna fokuserade på barockarkitektur som ses i de katolska kyrkorna på Sicilien. Referenspunkten var Rubens målning Porträtt av Anne av Österrike . I henne kungligt porträtt , Anne av Österrike är representerad i spanskt mode. Annes svart klänning är dekorerad , med vertikala remsor av grönt broderi och gulddetaljer. Den klockformade hylsan, känd som Spansk storärmad är också en signatur i spansk stil, liksom den volangiga spetskragen. Konstnärt designade klänningar och kappor gjorda av lyxiga textilier som spets och brokad stal Dolce och Gabbanas show.

Historia om konst och mode: El Grecos manierism och Cristobal Balenciaga

Fernando Nino de Guevara av El Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, via The Met Museum, New York

Christopher Balenciaga kan beskrivas som en sann modemästare som reformerade dammodet på 1900-talet. Född i en liten by i Spanien överförde han essensen av spansk konsthistoria till sin samtida design. Under hela sin karriär var Balenciaga imponerad av Spansk renässans . Han sökte ofta inspiration hos spanska kungligheter och medlemmar av prästerskapet. Balenciaga förvandlade epokens kyrkliga plagg och kloster till bärbara modemästerverk.

En av hans stora inspirationskällor var manneristen El Greco, även känd som Dominikos Theotokopoulos. Tittar på El Grecos Kardinal Fernando Nino de Guevara , det finns en likhet mellan kardinalens udde och Balenciagas design. Målningen föreställer den spanske kardinalen Fernando Niño de Guevara från El Grecos tid i Toledo. El Grecos idéer härrörde från den italienska renässansens nyplatonism, och i detta porträtt, framställer kardinalen som symbolen för Guds nåd . Manierism finns över hela målningen. Det märks i den långsträckta figuren med det lilla huvudet, i de graciösa men bisarra lemmar, de intensiva färgerna och förkastandet av klassiska mått och proportioner.

En modell klädd i en röd aftonrock av Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, via Google Arts and Culture

Balenciagas passion för historiska kläder är uppenbar i denna extravaganta aftonrock från hans 1954 års kollektion. Han hade visionen och förmågan att återuppfinna former till modernt mode . Den överdrivna uttalande kragen på den här kappan replikerar kardinalens kappa. Den röda färgen i kardinalens kläder symboliserar blod och hans vilja att dö för tron. Den livliga röda färgen betraktades som extraordinär av den berömda designern eftersom han ofta föredrog vågade färgkombinationer och ljusa nyanser. Hans stora innovation var att eliminera midjan och introducera flytande linjer, enkla snitt och trekvartsärmar. Genom att göra detta revolutionerade Balenciaga dammodet.

Designern introducerade också armbandslånga ärmar, som gjorde det möjligt för kvinnor att visa upp sina smycken. Under 1960-talet, medan den progressiva introduktionen av kvinnor i arbetsbranschen hände, hade Balenciaga idén att ge komfort, frihet och funktionalitet till kvinnorna han klädde på. Han främjade lösa, bekväma klänningar som stod i kontrast till den tidens åtsittande silhuetter.

Alexander McQueen och Gustav Klimts symbolik

Uppfyllelse av Gustav Klimt , 1905, via MAK – Museum of Applied Arts, Wien; med Klänning från resortkollektionen av Alexander McQueen , 2013, via Vogue Magazine

Österrikisk målare, mästare på Symbolism , och grundare av Wien Secession rörelse, Gustav Klimt markerade 1900-talets konsthistoria. Hans målningar och konstnärliga estetik har länge varit en inspiration för modeskapare . Bland annat som Aquilano Rimoldi, L’Wren Scott och Christian Dior, designern som direkt refererade till Klimt var Alexander McQueen. I resortkollektionen för vår/sommarkollektionen 2013 designade han unika verk som verkar vara inspirerade av målarens arbete . När man tittar på den fläckiga svarta klänningen med det återkommande guldmönstret ovanpå – kanske en specifik målning kommer att tänka på. McQueen antog abstrakta, geometriska och mosaikmönster i brons- och guldtoner och införlivade dem i sina mönster.

1905 målade Gustav Klimt Uppfyllelse , en representation av ett par fångat i en öm kram, som blev en symbol för kärlek. Den österrikiska målaren är känd för sina gyllene målningar men också för den perfekta blandningen av abstraktion och färg som finns i dessa verk. Alla mosaiker har rika gyllene toner med kalejdoskopiska eller naturhärledda dekorationer som har haft stor inverkan på modet. Denna målning är levande på grund av de kontrasterande geometriska formerna mellan de två älskarnas plagg. Mannens plagg inkluderar svarta, vita och gråa rutor, medan kvinnans klänning är dekorerad med ovala cirklar och blommotiv. På det sättet, Klimt mästerligt illustrerar skillnaden mellan maskulinitet och femininitet .

Christian Dior, De Designer Of The Dreams, Och Claude Monets Impressionistiska målningar

Konstnärens trädgård i Giverny av Claude Monet , 1900, via Museum of Decorative Arts, Paris

Grundaren av Impressionism och en av de största franska målarna i konsthistorien, Claude Monet lämnade efter sig en stor konstnärlig oeuvre. Genom att använda sitt hem och trädgård i Giverny för inspiration, fångade Monet det naturliga landskapet i sina målningar. Närmare bestämt i målningen som heter Konstnärens trädgård i Giverny, han lyckades manipulera det naturliga landskapet efter sina behov. Kontrasten av den bruna leriga vägen mot den livliga färgen på blommorna kompletterar scenen. Den berömda impressionisten valde ofta irisblomman för sin lila färg för att ge effekten av en stark sol. Den här målningen är full av liv, då blommorna blommar och omfamnar våren. Kronbladen av rosor och syrener, iris och jasmin är en del av ett färgstarkt paradis, renderat på en vit duk.

Miss Dior klänning från Christian Dior Haute Couture , 1949, via Museum of Decorative Arts, Paris

I samma anda, Christian Dior , en pionjär inom fransk couture, gjorde en enorm prägel på modevärlden som fortfarande känns av idag. 1949 designade han en Haute Couture-kollektion för vår/sommarsäsongen. En av höjdpunkterna på den utställningen var den ikoniska Fröken Dior klänning, helt broderad med blomblad i olika nyanser av rosa och violett. Dior illustrerade perfekt de två världarna av konst och mode och imiterade Monets estetik i denna funktionella klänning. Han brukade tillbringa mycket tid på landet och ritade sina samlingar i sina trädgård i Granville , precis som Monet gjorde. På det sättet, han definierade den eleganta 'Dior'-stilen , som införlivar färgpaletten och Monets blommönster i sina skapelser.

Yves Saint Laurent, Mondrian och De Stijl

Komposition med rött, blått och gult av Piet Mondrian, 1930, via Kunsthaus Zürich Museum; med Mondrian-klänningen från Yves Saint Laurent , samling höst/vinter 1965, via Met Museum, New York

Mondrian var en av de första konstnärerna som målade abstrakt konst på 1900-talet. Född i Nederländerna 1872 startade han en hel konströrelse som heter Stilen . Rörelsens mål var att kombinera modern konst och liv . Stilen, även känd som neoplasticism, var en form av abstrakt konst där man endast använde geometriska principer och primära färger, såsom rött, blått och gult, kombinerades med neutrala färger (svart, grått och vitt). Mondrians innovativa stil från det tidiga 1900-talet fick modedesigners att replikera denna rena typ av abstrakt konst. Det bästa exemplet på en De Stijl-målning är Komposition med Röd Blå och Gul .

Som en älskare av konst inkorporerade den franske modedesignern Yves Saint Laurent Mondrians målningar i sina haute couture-skapelser. Han blev först inspirerad av Mondrian när han läste en bok om konstnärens liv som hans mamma gav honom i julklapp.

Mondrian klänningar på Museum of Modern Art av Yves Saint Laurent, 1966, via Khan Academy

Yves Saint Laurent sa till och med: 'Mondrianus är renhet, och du kan inte gå längre i målning. Det tjugonde århundradets mästerverk är en Mondrianus.

Designern visade sin uppskattning av Mondrian i sin höstkollektion 1965, känd som Mondrian samling . Inspirerad av målarens geometriska linjer och djärva färger presenterade han sex cocktailklänningar som markerade hans ikoniska stil och sextiotalet i allmänhet. Var och en av Mondrian klänningar varierade lite men de hade alla gemensamt den enkla A-formen och den ärmlösa knälången som smickrade varje kroppstyp.

Elsa Schiaparelli och Salvador Dali

Tre unga surrealistiska kvinnor som håller skinnet från en orkester av Salvador Dalí i sina armar ,1936, via The Dali Museum, St. Petersburg, Florida

Född 1890 i en aristokratisk familj baserad i Rom, Elsa Schiaparelli uttryckte snart sin kärlek till modevärlden. Hon skulle börja utveckla sin revolutionerande stil inspirerad av futurismen, Dadaist , och Surrealism . Allteftersom hennes karriär fortskred, hon ansluten med välkända surrealister och dadaister som Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp och Jean Cocteau. Hon samarbetade till och med med den spanska konstnären Salvador Dali. Hans estetiska och surrealistiska absurditet gjorde Dali till den mest kända målaren Surrealismrörelse .

The Tears Dress av Elsa Schiaparelli och Salvador Dali , 1938, via Victoria and Albert Museum, London

En av de största samarbeten i modehistoria var Dali och Elsa Schiaparelli. Denna klänning skapades tillsammans med Salvador Dali , som en del av Schiaparellis Circus-kollektion sommaren 1938. Klänningen refererar till Dalis målning, där han avbildade kvinnor med trasigt kött.

Ett fotografi av Salvador Dalií och Elsa Schiaparelli , c.1949, via Dalí-museet

För surrealistiska konstnärer, sökandet efter den ideala kvinnan var dömt att misslyckas , eftersom idealet endast existerade i deras fantasi, och inte i verkligheten. Dalis avsikt var det dock inte avbilda kvinnor realistiskt sett är deras kroppar inte alls estetiskt tilltalande. Schiaparelli ville experimentera med denna lek att dölja och avslöja kroppen, vilket ger en illusion av sårbarhet och exponering. Tear-Illusion-klänningen var gjord av blekblå sidencrepe och trycket designades av Dalí för att likna de tre kvinnorna från hans målning. Revorna avslöjar den rosa undersidan av tyget, med en mörkare rosa avslöjad i hålen.

Modedesigners och popkonst: Gianni Versace och Andy Warhol

Marilyn Diptych av Andy Warhol , 1962, via Tate, London

De Popkonst eran var förmodligen den mest inflytelserika perioden för modedesigners och konstnärer i konsthistorien. Andy Warhol banade väg för en kombination av popkultur och high fashion som gjorde honom till en ikon symbol för popkonströrelsen . På sextiotalet började Warhol praktisera sin signaturteknik som kallas silk screentryck.

Ett av hans tidigaste och utan tvekan mest kända verk var Marilyn-diptyken . Till detta konstverk hämtade han inspiration inte bara från popkulturen utan också från konsthistorien och målare av abstrakt expressionism. Warhol fångade de två världarna av Marily Monroe, Hollywood-stjärnans offentliga liv och den tragiska verkligheten för Norma Jeane, kvinnan som kämpade med depression och missbruk. Diptyken förstärker livligheten till vänster, medan den till höger tonar ut i mörker och dunkel. I ett försök att presentera ett samhälle av konsumtion och materialism , han avbildade individer som produkter snarare än människor.

Linda Evangelista i en 'Warhol Marilyn'-klänning av Gianni Versace , 1991

Den italienska designern Gianni Versace hade en långvarig vänskap med Andy Warhol. Båda männen charmades av populärkulturen. För att fira Warhol tillägnade Versace sin vår/sommarkollektion 1991 till honom. En av klänningarna hade Warhols Marilyn Monroe-tryck. Han inkorporerade färgglada, silkescreenade porträtt av Marilyn och James Dean som härrörde från 1960-talet på kjolar och maxiklänningar.