25 kända målningar: Kurerade mästerverk på museer

Montagne Saint-Victoire av Paul Cézanne (1887), Jägarna i snön av Pieter Bruegel (1565), Utsikt över Toledo av El Greco (1596), Blå hästar av Franz Marc (1911).

Vi lär oss om kända målningar, mästerverk, från när vi är ganska unga. Även i denna ålder kan vi uppskatta något av den skönhet som skapas av form och färg. När vi utforskar museer och gallerier, plockar vi upp vår egen smak för skönhet, kulturell uppskattning och vår egen övervägande av vad ett mästerverk är. Ofta nog för våra utforskningar oss tillbaka till ett kanoniskt mästerverk som vi nu kan uppskatta i ett nytt ljus, ett nytt sinnestillstånd; först efter att vi utökat vår kunskap om vad som gör en tavla mästerlig.

Här är 25 av de mest kända målningarna på museer

25. Kristi klagan Av Giotto

Kristi klagan av Giotto, 1305, Fresco, i Scrovegni Chapel, Padua

Giottos Klagan visar oss en vackert koreograferad scen av sörjande runt Kristi kropp, speglad av änglarna som kastar sig i ångest upp i den blå himlen. Denna scen är tagen från Giottos freskarbete utfört i arenakapellet i Padua, Italien. Giotto, här, bröt med en etablerad tradition av målning, den bysantinska , och inleder gryningen av Renässansen . Hans användning av landskapet, stenmuren, leder ögat ner till Kristus och Moder Marias sorgsträckta ansikte.

Giotto ramar in Kristus av två skrymmande gestalter som har vänt oss ryggen, en originell kompositionsbragd för tiden, och erbjudit denna gudomliga scen som något mycket mänskligt. Vi kan få kontakt med de sörjande på grund av denna intuitiva realism som Giotto har fört in i sin fresk. Giotto anstiftar ett nytt bildspråk för att uttrycka scener av religiös betydelse.

24. The Garden Of Earthly Delights , Detalj Från Helvete Av Hieronymus Bosch

The Garden of Earthly Delights (Detalj: Helvetet) av Hieronymus Bosch , 1503-15, via Pradomuseet, Madrid

Gillar du den här artikeln?

Anmäl dig till vårt kostnadsfria nyhetsbrev varje veckaAnsluta sig!Läser in...Ansluta sig!Läser in...

Kontrollera din inkorg för att aktivera din prenumeration

Tack!

Hieronymus Bosch The Garden of Earthly Delights är en triptyk som visar utvecklingen från paradiset till helvetet. Målningarna för varje avsnitt är stora och fyllda med underbara, häpnadsväckande, fantasifulla redskap som konsthistoriker har förbryllat över. Som framgår av denna detalj är duken packad med gåtor och en uppsjö av scener som överväldigar betraktaren. Boschs skicklighet att återge sin fantastiska vision retar upp och chockerar tittaren. Hans surrealistiska duk är täckt av konstiga figurer som drar in betraktaren.

Helvetets munterhet och skräck är nästan ogenomträngliga för betraktarens förnuftsförmåga, men inte desto mindre framkallas våra känslor som om vi förstod. Vi vet att vi ser helvetet i all dess gordel och det är hemskt i ordets alla bemärkelser. Bosch har lyckats förmedla skräck, avsky och förundran genom inkonsekvens.

23. Sista måltiden Av Jacopo Tintoretto

Sista måltiden av Jacopo Tintoretto, 1592, i kyrkan San Giorgio Maggiore, Venedig

Tintorettos Sista måltiden visar en underbar upptagenhet av ljusets effekter i en svagt upplyst interiör. Tintoretto ändrar det vanliga perspektivet på Sista måltiden att skapa en intressant komposition. Vi kanske tänker på Leonardo Da Vinci s berömda rendering med användning av linjärt perspektiv. Här vägleds vi av ljusets belysning: skuggan från en tjänande kvinnas hals leder vårt öga direkt till Jesus Kristus.

Underbara, luftiga änglar dyker upp likt rök som stiger upp för att genomsyra rummet. Det är en duk fylld med rörelse. Tintoretto ingjutit duken med lockande skönhet, en som är arrangerad av ljusets spel. Tintoretto välkomnar betraktaren till en scen där Kristi ljus förtär och informerar vår vision.

22. Jägarna i snön Av Pieter Bruegel

Jägarna i snön av Pieter Bruegel , 1565, via Kunsthistorisches Museum Wien

Bruegel s Jägarna i snön drar sig långt bortom till byn under de höga klipporna draperade i snö. Bruegel har skapat otydlighet kring den varma känslan av att återvända hem och bristen på mat jägarna verkar ha återvänt med. De avlägsna skridskoåkarna njuter av vad vintern har bjudit dem medan jägarna i förgrunden tillsammans med sina magra jakthundar har varit uppe mot vinterns härjningar.

Målningen frammanar denna narrativa förmåga hos betraktaren; den ber dem att förstå dynamiken i bylivet. Bruegel har dock inte låtit detta element dominera estetiken i en by i den kalla vildmarken. Det vita av snö draperar scenen med ensamma kråkor uppflugna på de bladlösa träden. Den vidsträckta vintern trotsas av byns folk som sköter en låga.

tjugoett. Utsikt över Toledo Av El Greco

Utsikt över Toledo av El Greco , 1596, via The Met Museum, New York

El Grecos fantastisk målning över Toledo är slående före sin tid. De enorma molnen klättrar över staden och sprider mörker över miljön. Det skapar också en bakgrund för byggnaderna som står stelt i jämförelse med de borstade buskarna i förgrunden. Floden börjar precis nedanför vårt öga i högra hörnet och vi följer den uppför bron. Det finns inte en person i sikte, bara de strama marmorliknande byggnaderna hukade på kullen.

Detta är en mer emblematisk än en realistisk bild av staden. El Greco verkar erbjuda oss en symbolisk representation av vårt förhållande till det gudomliga, sett genom naturen; de överväldigande molnen och den flödande landsbygden. Vi känner att molnen är nära att släppa lös en storm, en aning som redan får staden att krypa iväg, nerför sluttningen. Denna målning uttrycker vackert den symboliska innebörden mellan staden, som gjord av människan, och det gudomligas kraft.

tjugo. Bacchus triumf av Diego Velazquez

Bacchus triumf av Diego Velazquez, 1628, via Museo del Prado, Madrid

I denna målning, Velazquez har slagit samman den klassiska figuren Bacchus med den samtida spanska festen. Det som gör denna målning intressant är hur konstnären leker med betraktarens uppmärksamhet. Som guden Bacchus tittar bort, ler de två männen medvetet mot betraktaren, glada över att få ta del av denna bacchic rit. Faktum är att dessa två män påminner oss om människor vi kunde se på vilken lokal pub som helst.

Velazquez kontrast mellan den klassiska figuren och de vanliga är skarp och underhållande. Bacchus tittar bort medan han kröner en allmoge med lagerblad; gåvan av vin, och varva ner, är för alla. De två männens blickar verkar bjuda in, verkar le och säga, du är samma som jag.

19. Mardrömmen Av Henry Fuseli

Mardrömmen av Henry Fuseli , 1781, via Detroit Institute of Arts

Skräcken för en mardröm åtföljs ofta av en tyngd på kroppen; stressen som någon dröm har tillfogat sinne och kropp. Fuselis bild klarar det ge ett bildspråk åt plågan och mardrömmens obegripliga natur . En gremlin sitter på kvinnans mage och förlamar henne. Det är häxstunden. Ett svart sto sticker huvudet genom gardinerna med ogenomskinliga ögon. Fuseli ger tittaren en mirakulös visuell upplevelse av en mardröms irrationella ram.

Damens mjuka klänning görs spänd av gremlin som sitter, tålmodig och omöjlig att veta i sin strävan. Det vänder sig om att titta på betraktaren med en kuslig blick som om han förebrår betraktaren för att han störde hans uppdrag. Fuselis Mardröm visar en extraordinär fantasiprestation när det gäller att närma sig detta ämne och väcka liv till något vi hellre vill hålla bakom ridån.

18. Newton Av William Blake

Newton av William Blake , 1805, via Tate, London

Blake hade en individualiserad stil som vek bort från Nyklassisk / Romantik hans dag. Blakes bilder är smides med symbolik och lockande enkelhet. Det är detta som gör hans målningar så fängslande. I Newton , lyckas Blake visa varför han kände ett förakt för den store vetenskapsmannen. Newton mäter ett rullliknande föremål istället för att vara medveten om färgen bakom honom; han är böjd, mäter, istället för att leva och lägga märke till naturens skönhet som han inte kan mäta.

Blakes användning av den klassiska naken i en outgrundlig miljö (vissa kommentatorer tror att han är på havets botten) är ett sätt att representera denna symboliska idé. Blake har delikat parallella former för att varna oss för att vända ryggen åt livets chans och mysterium. Newtons fingrar breder ut sig som kompassen; hans höfter och rygg rullar över som bokrullen; rullen han mäter verkar flöda från hans egen kropp, utan färg eller intriger.

17. Sardanapalus död Av Eugene Delacroix

Sardanapalus död av Eugene Delacroix , 1827, via Louvren, Paris

Delacroix s Sardanapalus död skapar en spektakulär rytm i denna målning genom sin användning av färg. Den rika röda börjar i det övre vänstra hörnet och rinner ned diagonalt. Delacroix har använt denna rika färg för att parallella våldet som befolkar scenen. Kropparna är utspridda, en man drar i en rikt klädd häst, påkostade smycken trängs i förgrunden, allt flyter på denna röda flod.

Delacroix har inte lämnat mycket obevakat utrymme; han har fyllt den med rörelse och draperi för att efterlikna stämningen i målningen. Betraktaren är uppslukad av ämnet tills de kommer till den självbetitlade Sardanapalus, lutar sig tillbaka och betraktar lugnt på sängen. Han står i skarp kontrast till händelserna i förgrunden. Det är mannen som kommer att begå självmord efter att alla hans nöjen har förstörts. Det här ögonblicket som fångas av Delacroix är både upprörande och lockande.

16. Snow Storm – Ångbåt utanför en hamns mun Av J.M.W. Svarvare

Snow Storm - Ångbåt utanför en hamns mun av J.M.W. Svarvare , 1842, via Tate, London

Svarvare visade sig vara före sin tid med denna impressionistiska återgivning av en snöstorm. Till skillnad från sin samtid försökte han måla intrycket, känslomässigt och visuellt, av hur det kändes att vara i en snöstorm. Detta ledde honom till en tidig form av pionjär abstraktion . Virveln av monokromatisk färg omsluter betraktaren medan en kort syn av klarhet dröjer sig kvar bara betänkligt i mitten av duken.

Det finns en historia, som nu anses vara apokryfisk, att Turner var fastspänd i masten på ett skepp under en storm för att uppleva naturens våld. Det kan ses varför man kunde tro detta. Turners rendering är intuitiv och dramatisk, pulserande av energi och subsumering. Det är en lysande komposition som visar på människans oförmåga att stå emot naturens ytterligheter.

femton. Skatan Av Claude Monet

Skatan av Claude Monet , 1868, via Musee D’Orsay, Paris

Många har lyckats fånga en snöbunden scen av tystnad i denna berömda målning. Endast ett fåtal hus kan ses bland de snöbelastade grenarna; ett par fotsteg dyker upp före porten. Horisonten är skymd av snön som täcker landet, vilket gör att det knappt syns var himlen börjar. Monets scen är ett vackert intryck som lyckas konnotera känslor av en ensam promenad en ljus vinterdag.

Skatan sitter på staketet, den enda explicita livsformen i målningen. Det finns ingen anledning till att Monet målade detta förutom att det rörde honom. Denna naturscen kan röra oss på grund av en inneboende estetisk känsla som rör sig inom oss. Monet behöver inte sträcka sig efter någon högre symbolisk betydelse eftersom allt är precis framför honom.

14. The Lane Of Poplars Av Alfred Sisley

The Lane of Poplars av Alfred Sisley , 1890, via, Musee D’Orsay, Paris

Denna delikata återgivning av en bana av poppelträd i denna berömda målning lockar betraktaren med sin användning av ortogonala linjer. Sisley tycks bjuda oss ner längs avenyn bland de ljusa träden. Två figurer tar sig ut på vägen, omedvetna om denna underbara aveny som Sisley har gjort tillgänglig för oss. Den fylliga färgen som ljuset avger mörknar gradvis mot flyktpunkten.

En flod rinner till vänster och några hus kan ses längre bort. Sisley har målat denna underbart omgivande, ljusdränkta scen av meditativ lätthet. Det finns ingen brådska, inga hektiska mängder av energi utan en avkopplande promenad längs en allé av träd. Skuggorna blir långa och antyder att dagen går mot sitt slut, kanske för en stund av lugn eftertanke. Sisley har beställt sin duk med små känsliga penseldrag, och färgerna verkar smälta in i varandra och skapar en rik värld av stillsam skönhet.

13. Montagne Saint-Victoire Med En Stor Tall Av Paul Cézanne

Montagne Saint-Victoire med en stor tall av Paul Cézanne , 1887, via The Courtauld Institute of Art, London

Cezanne har underbart skildrat denna scen genom att bygga upp färgfält för att skapa en målning med otroligt djup. Cézanne ägnade mycket tid åt att försöka förstå miljön där han målade och försöka förstå hur man målade det han uppfattade. Vi kan urskilja formerna nedanför berget som åkrar och hus, men vid närmare granskning tycks delar av var och en blandas och kollidera.

Det är en del av Cézannes vackra estetik som ger intrycket av former som kommer till synen, som när vi bearbetar vår miljö medan vi tittar. Vårt fokus sträcker sig för att ta helheten men möjliggör detaljerna, istället ser vi vaga intryck och färgblandningen runt omkring oss.

12. Wheatfield Med Kråkor Av Vincent Van Gogh

Wheatfield med kråkor av Vincent van Gogh , 1890, via Van Gogh-museet, Amsterdam

van Gogh har målat en upprörande scen. Kråkorna i denna berömda målning, bara två eller tre penseldrag, lämnar eller återvänder till vetefältet. Nattens svarta tycks sakta uppsluka dagens blåa; en stig slingrar sig bort från sikten. Van Goghs målarstil lyckas påverka formen så bra att vi vet vad vi tittar på samtidigt som färgerna tycks uttrycka mer än de innebär.

Van Goghs kraftfulla användning av färg och hans målarmetod samverkar för att producera en känsloladdad målning. Svärtan som sipprar in genom den blå himlen talar om för oss om en nära förestående katastrof; kråkorna är som spirande ångest. Van Goghs starka känslomässiga resonans med sitt ämne skapar detta lockande expressionism som förvandlar ett naturligt landskap till ett känslomässigt.

elva. Tahitiskt landskap Av Paul Gauguin

Tahitiskt landskap av Paul Gauguin , 1891, via Minneapolis Institute of Art

Gauguin s berömda målning ger en ny puls till konsten från det sena 1800-talet. Det finns en underbar melodi skapad av den rika färgen. Gauguin har hanterat värme från ett antirealistiskt färgschema, och i denna mening är målningen mer realistisk för denna experimentella touch. Den ensamma figuren bär på lite förnödenheter medan en hund väntar vid vägen. Det gula fältet är varvat med en rik gradering av grönt och orange. Färgerna tar fram solen för betraktaren.

Gauguin hade känt sig trött på Frankrike och hade rest till Tahiti för att återuppliva sitt nöje att måla och för att återuppväcka sin förmåga att uttrycka sig. Vi kan se här i denna livfulla landskapsscen att Gauguin erbjöd ett alternativ till att måla naturligt genom att måla på detta uttrycksfulla sätt. Landskapet är inte bara estetiskt tilltalande med denna nya metod, utan bilden börjar fungera som en symbol för en fri uttrycksfullhet, ohämmad av en kontrollerad naturalism .

10. Det rosa molnet, Antibes Av Paul Signac

Det rosa molnet, Antibes av Paul Signac , 1916, via Museum of Fine Arts, Boston

Signac Stilen påminner om en mosaik i sina subtilt blandade färger. Det är en nästan perfekt abstraktion från naturen samtidigt som den tillhör den där impressionistiska stämningen som vet att denna tilltalande bild aldrig kommer att existera igen. Signacs moln är en budbärare för solen; den håller ljuset och sprider det över duken i en härlig skärm. Det enstaka seglet förvärras av storleken och driver lätt i sin reflektion.

Signacs pointillist Tekniken placerar små färgområden bredvid varandra för att parallella färggraderingarna som vi ser i naturen; hur vår hjärna bearbetar effekten av ljus och färg. Signac fryser detta ögonblick i tid för att återupprätta det som ett naturligt minne vi kan ha av ett ensamt segel.

9. Separation Av Edvard Munch

Separation av Edvard Munch , 1896, via Munchmuseet, Oslo

Mumsa hade en genomträngande förmåga att uttrycka det interna dramat av inte bara individuell ångest utan de passioner som finns mellan två individer. I Separation , mannen sjunker ihop med ett grepp om sitt hjärta som verkar ha spillt över på hans hand – han måste hålla det på plats för att överleva. Symbolen för kvinnan förvandlas nu till att miljön blir en del av stranden och himlen. Denna berömda målning är en underbar metafor för hur minnet av kärlek består i den fysiska världen.

Munchs målarstil betonar inre känsla, och hur den inre känslan reagerar med världen omkring oss. Det behövs inte för Munch att studera precision i färg eller form för att han ska visa vad han önskar. Han har målat i blockfärger, vilket ger betraktaren dessa självklara figurer. Vi förstår mycket av mannen med endast några få detaljer i ansiktet; det är mer färgen. Den något 'vårdslösa' appliceringen av färg bidrar till denna direkta och kraftfulla känsla av separation.

8. Improvisation 28 (andra versionen) Av Wassily Kandinsky

Improvisation 28 (andra versionen) av Wassily Kandinsky , 1912, via Guggenheim-museet, New York

Kandinsky Abstraktionerna var mycket inflytelserika på 1900-talet. Det visade upp en estetisk kvalitet att målning inte behöver ha ett objekt för att framkalla känslor och meditation. Kandinskys titel för denna berömda målning, Improvisation, påminner sina tittare om en viss musikalitet som han försöker efterlikna genom färg och linje. Kandinsky måste ha varit medveten om det inneboende meningsskapande som perception består av. I Improvisation 28, vi kan urskilja ansikten, ögon, landskap, hus utan något sammanhängande utrymme. I själva verket är formerna vi ser bara linjer och färger som vi antar är dessa välbekanta saker.

Kandinsky ber betraktaren att uppskatta kompositionen som man uppskattar ett musikstycke. Det är hur man känner en harmonisk rörelse genom ett stycke, sektionernas kontraster och ljudets dynamik. Vi kan hitta skönhet även i linje och färg utan någon sammanhängande 'mening' eller föremål.

7. De stora blå hästarna Av Franz Marc

De stora blå hästarna av Franz Marc , 1911, via Walker Art Center, Minneapolis

Franz Marc kompositionen är en kaskad av form. Mjukheten som han har komponerat hästarna med och speglas i miljön skapar en musik värdig harmoni. Marc vinner mycket utom sin antirealistiska färg. De blå hästarna är fridfulla, majestätiska, nästan himmelska. Deras betande huvuden framkallar en känsla av lätthet och tröst, av mat och samhörighet. Sammanställningen av primärfärger möter betraktaren i en tröstande uttrycksfullhet.

Franz Marc har lyckats uttrycka naturens lugn utan naturalism. Elfenbensträden flyter genom duken. Ingenting i den här bilden verkar skakande eller skärande. Allt flyter i denna sinnliga färg och skapar en enhet av form. Denna enkla scen med hästar som betar har förvandlats till en harmonisk uppskattning av naturen genom Marcs användning av färg i denna berömda målning.

6. Den oroliga resan Av Giorgio De Chirico

Den oroliga resan av Giorgio de Chirico , 1913, via MoMA, New York

Chirico s klaustrofobiska sammansättning förbryllar vårt perspektiv som ett oroligt sinne som ger för mycket uppmärksamhet åt sig själv. Men tomheten i denna berömda målning, trots att duken är fylld med former, är anmärkningsvärd i sin effekt. De Chirico är välkänd för sin gåtfulla stil och här kan vi se varför. Tåget blåser ut sin rök bakom en kort tegelvägg som otåligt. Kraften och synen av tåget är olycksbådande och påminner betraktaren om ett odjur i bur.

De Chirico var en källa till inflytande för Surrealister som kände att han var deras föregångare i sin förmåga att skildra inre sinnestillstånd. Hans skuggade pelargångar är genomsyrade av mystik, föraningar och ensamhet. Ordningen på duken är strikt och begränsande. Med arkitektoniska former har de Chirico lyckats frammana något av det inre jaget.

5. Dynamik av en cyklist Av Umberto Boccioni

Dynamism of a Cyclist av Umberto Boccioni, 1913, i Peggy Guggenheim Collection, Venedig

Boccionis Futurist målning är en lovprisning av rörelse och hastighet. Det finns något härligt i cyklisten som har abstraherats till en rad former. Ungefär som kubistisk metod, Boccioni leker med hur vi uppfattar en form när den är i rörelse. Det handlar om att bryta igenom de strikta formerna av rationellt rum för att komma in i ett nytt rum där formerna har varit destabiliserade och underbara.

Boccioni färgen bidrar till denna känsla av snabbhet; det skapar en estetik ur rörelse. Det blå uppe till höger flyter snabbt in i mitten där det kompenseras av gyllene gula färger. Det blå plockas ytterligare upp av mannens ansikte, bara igenkänns av de allmänna linjerna. Vitt utgår från de pulserande gula, lila och blå, som ett tåg som kastar sin rök, fastän de bara är hjul. Boccionis cyklist är målmedveten och vacker, vilket ger oss en ny visuell uppskattning av hastighet.

Fyra. Älskare Av René Magritte

Älskarna av René Magritte , 1928, via MoMA, New York

Magritte var en mästare på lekfullhet och följer i de Chiricos fotspår för sin tvetydighet och gåtfulla resonanser. I denna berömda målning lockar Magritte in oss med en kuslig målning av två figurer, de älskande, som kysser. De rör aldrig eftersom deras huvuden är inlindade i vita lakan. Vad kan vi göra av detta? Vi behöver inte göra något av det, även om sinnet är vant vid att göra det – handlar det om oförmågan för två individer att aldrig riktigt se varandra, förstå varandra?

Magrittes mycket realistiska målarstil skapar ett perfekt tillfälle att störa denna realism genom att använda gåtfullhet. Magrittes bild är humoristisk. Kyssen, som verkar vara så passionerad, faller platt för att påverka. Det finns ett förtroende för båda älskarna som gör de vita lakanen desto mer absurda. Magritte tyckte om psykologins och filosofins gåtor och han hade en häpnadsväckande förmåga att återge sådana gåtor på en duk.

3. Guernica Av Pablo Picasso

Guernica av Pablo Picasso , 1937, via Reina Sofia National Art Center Museum, Madrid

Picasso s återgivning av bombningen 1936 av Guernica är en kraftfull symbol för förstörelse. Picasso insåg att naturalismen inte skulle ha skildrat upplevelsen av terror lika effektivt som hans kubistiska metod. Duken slår oss som kaotisk och svårtolkad; användningen av monokromatism, de lösa, partiella formerna och förvrängningen av figuren. Formerna är tillplattade och fragmenterade inuti denna enda byggnad.

Förstörelsens verklighet har förstört ett sätt att representera. Picasso anser att varje form av naturalism skulle sätta in förnuft och konstgjordhet på duken, vilket skulle skada innebörden och kraften för Picasso. Bombning och förstörelse är fragmentering av former, vilket framkallar kaos.

två. Metamorfos av Narcissus Av Salvador Dali

Metamorfos av Narcissus av Salvador Dali , 1937, via Tate, London

Dalís meditation på Narcissusmyt är en underbart exakt men ändå svårfångad bild. Dalí är intresserad av hur vi uppfattar och vad vi gör om våra uppfattningar. Vi kan se Dalís användning av dubbeltagningen, där vi uppfattar ett objekt som något annat innan vi inser vad det är. Även om, för Dalí and the Surrealister , skulle de undra vilken uppfattning som är 'verklig' och vad vårt omedvetna säger till oss; hur vi lurar oss själva.

Dalís målarstil, som han skulle kalla 'handmålad färgfotografi', omfattar både verklighet och villfarelse. Den steniga figuren av Narcissus förvandlas till handen som håller i ägget, som blommar narcissen. Dalí kontrasterar tidens gång med perception, verklig eller vilseledd, för att ge en ny visuell utforskning av Narcissusmyten – myten som har så mycket med perception att göra. Det handlar om hur vi uppfattar oss själva och hur andra uppfattar oss.

1. Nighthawks Av Edward Hopper

Nighthawks av Edward Hopper , 1942, via The Art Institute of Chicago

Ficka Den berömda målningen här påminner om de Chirico i dess känsla av ensamhet som framkallas av arkitekturen. Hopper har dock valt realism för att uppnå denna effekt. Det stora fönstret visar några personer på natten under det konstgjorda ljuset och gatan utanför känns kall, tom och utan ljud. De två männen i baren verkar spegla varandra, en kvinna i rött ser tom ut och en gammal man sköter baren.

Det finns en obestridlig känsla av stagnation. Så mycket att det stör tittaren. Hopper har höjt ribban för att representera något övertygande om mänskligt liv; om ensamhet och ensamhet; om att vänta; om hur vår tid tillbringas i den ensamma natten. Hoppers realism tar hem detta med kraft. Den begränsade utsikten, som om den fångades när man gick förbi, tycks understryka denna avlägsna individualitet.

Nyfikenheten på berömda målningar

När vi utforskar kända målningar söker vi efter vår egen estetiska känsla och hur detta speglar vår egen förståelse av oss själva och världen. Vi visas ofta kända målningar som har setts, i ett vidare kulturellt sammanhang, framkalla känslor av skönhet och upplevelse som vi alla kan relatera till. Men ibland närmar sig dessa målningar inte våra egna känslor av världen. Vi måste genomföra vår egen inofficiella utbildning av måleri för att hitta och uppskatta vårt eget visuella språk.